LE CINÉMA DE VINCENT

CHASSEUR BLANC, COEUR NOIR... (EASTWOOD)

2009-04-16T20:08:00.022Z

La grande classe !

Film absolument superbe, coincé entre Bird (1988) et La Relève (1990), et tout comme Bird, l'une de ses seules biographies, et non des moindres, puisque consacrée à ce "fou furieux" de John Huston (1906-1987), le réalisateur d'au moins trois films absolument mythiques, Le Faucon Maltais, Les Désaxés (l'ultime film de Marylin), et African Queen (1951), tournage épique et complètement délirant dont il est justement question dans ce film d'Eastwood.

Sans même parler du fait que le "lion" John Huston est né un 6 août (dire qu'il y a encore des gens qui ne croient pas à l'astrologie, la "vraie", veux-je dire), il appartient de ce fait, sans la moindre hésitation possible, de pair avec Howard Hughes (son aîné de 20 ans) à la lignée de ce que l'on a pu appeler les "derniers grands nababs", tel David Lean se faisant livrer en plein désert sa Rolls plaquée or sur le tournage de Lawrence d'Arabie (lol) !

Des gens quelque part comparables au "prototype" Hemingway, des gens toujours prêts à tout sans la moindre hésitation :

Des gens perpétuellement "fauchés", mais toujours entourés d'amis suffisament riches et admiratifs pour les dépanner gentiment (admirez la maison, tout de même !) :

Et surtout des gens avec suffisament de c******s pour, malgré ces "petits" problèmes financiers (300000 $ de dettes en 1951, cela doit bien avoisiner les dix millions d'Euros, de nos jours, non ?), pour envoyer bouler le producteur qui l'engueule au sujet de sa fin prévue - car souvenez-vous, tout le monde meurt, à la fin de African Queen :

Avec bien sûr le meilleur argument du monde, mais qui à l'époque n'était pas aussi facilement admis que de nos jours, et où le "Happy End" était quasiment obligatoire :

Adoncques, peu importe : "Tout le monde dans le car !", comme on dit... Avec au passage quelques vues sur les sublimes chutes du Zambèze :

Juste avant d'arriver à cet aéroport, autrefois capitale de l'Ouganda (lieu marqué depuis par tellement d'événements tragiques, que je préfère ne pas entrer dans plus de détails, sinon pour vous conseiller au passage cet autre excellent film sur le terrible régime d'Idi Amin Dada, Le Dernier Roi d'Écosse) :

Bien évidemment, comme tous les films qui se déroulent en pleine nature, il est difficile de passer outre la beauté des images (de même que dans La Sanction, du même auteur) :

Sans oublier au passage la fascinante Marisa Berenson (ici, Katharine Hepburn), mais oui, souvenez-vous : l'héroïne du seul film au monde tourné sans le moindre apport de lumière artificielle, le sublime Barry Lyndon de Stanley Kubrick, où elle jouait le rôle de la comtesse éponyme :

Quelque part, certes, ce film est une fable... Mais une fable bien réelle, où Clint en profite pour mettre les points sur les "I" au sujet de ses propres convictions en matière de cinéma :

Et une fable où, de façon indéniable, on le sent aussi en totale admiration devant ce personnage qui criblé de dettes, discrédité par son scénariste et son producteur, se paye en outre le luxe d'envoyer chier tout le monde pour s'offrir (sur le compte des autres, bien sûr !) la seule chose qui l'intéresse vraiment, son safari :

Incroyable, n'est-ce pas (surtout à notre époque, où la production d'Hollywood accuse une chute de 57%, sans rire) ?

Deux grandes scènes, tout de même, où Clint règle ses comptes avec le racisme... La première, lors d'un dîner avec une jeune femme en apparence très raffinée, qui lui sort néanmoins des énormités de ce style :

Avec cette jolie réponse (et ce "joli" dessin) :

Juste avant de se "friter" avec le patron de l'hôtel, tellement ulcéré par son attitude vis-à-vis d'un serveur noir - "nègre", comme on le disait en 1951 :

Certes, guère à son avantage, on va dire :

Mais bon. Peu importe, il n'en a rien à foutre... C'est CE genre de personnage, quoi ! Quand il se décide enfin à se rendre un minimum sur les lieux de son tournage à l'aide d'un zinc complètement pourri, la seule chose qu'il trouve à dire à son scénariste mort de peur, c'est celle-ci :

Car bien sûr, tous les producteurs, financiers, etc... ne sont préoccupés que par une seule chose : "Il vaudrait mieux couper la scène des "rapides", tout le monde pense que le bateau ne tiendra pas le coup" ! Et John Houston de répliquer (tout ceci est authentique) : "Bon, et bien il n'y a qu'une seule façon de le savoir, n'est-ce pas ?" :

Arghh, le fou total ! N'empêche que ça a marché (à noter que le bateau utilisé dans le film d'Eastwood est la copie absolument parfaite de l'original) :

Et voilà : Huston vient de tourner l'une des scènes cruciales de son film, et du coup, sans le moindre scrupule, il repart vers la seule chose qui semble l'intéresser, son safari, avec son fameux guide "Kivu" :

Peut-être ne s'attendait-il pas à ce genre de chose, aussi grandiose (qui le saura jamais ?) :

Quoi qu'il en soit, son scénariste est complètement subjugué par l'événement :

Ayant subitement la conviction que "Nous autres humains, ne sommes que..." :

Oui ?

Ou non ?

No Spoiler (j'essaye d'éviter, désormais)...

Mais toujours est-il qu'après tous ces déboires, toutes ces folies, toutes ces tergiversations, l'ultime plan (génial) du film, est celui-ci :

Abandonner les éléphants, se mettre pour une fois à son "vrai" boulot, et se faire un "cut" absolu là-dessus, c'est la grande classe, en résumé...

Bon, c'est du Eastwood, quoi...

P.S : Je crois très franchement que le personnage du chasseur dans Jurassik Park II de Spielberg, qui veut à tout prix tuer le plus grand prédateur du monde (le T-REX), et finit par y renoncer, est très exactement calqué sur ce film de Eastwood... Mais bien sûr, comme tout le monde, je peux me tromper !

MINUIT (EASTWOOD)...

2009-04-04T20:08:00.019Z

...Dans le Jardin du Bien et du Mal (1997) :

Certes, il ne s'agit pas là du film le plus réputé de Clint Eastwood (puisque sans les recettes de l'étranger, il n'aurait même pas rapporté aux USA ce qu'il a coûté), mais néanmoins d'un film magistral, bien loin des effets spéciaux de Firefox ou du futur Space Cow-Boys, tout entier centré sur le soin et l'attention portés à la psychologie des personnages, à commencer par Jim Williams (sublime Kevin Spacey, comme à l'accoutumée), improbable dandy richissime d'une petite ville de la Nouvelle Orléans, au parler très châtié - pour tout dire, même moi qui suis une vraie quiche en anglais, je m'en aperçois ("Let's take a walk, shall we, Sport ?") :

Interviewé à l'occasion de sa grande et très convoitée fête de Noël par le timide journaliste John Kelso (John Cusack), lui aussi grand amateur d'Art, ce qui donne lieu à cette première conversation passionnante au sujet d'un "repeint" (toile de maître recouverte par une autre) - passionnante parce qu'elle est à elle toute seule une mise en abîme du film entier :

Qu'y a-t-il sous les apparences ?

Et au fond, qui s'en soucie vraiment ?

Surtout dans une petite ville comme Savannah (à noter que le film est basé sur un fait divers authentique) :

Une ville de "doux dingues", au demeurant, où tout le monde porte une arme par simple routine :

Une ville où certaines personnes promènent, pour honorer une promesse, des chiens qui n'existent pas :

Une ville où d'autres se baladent partout avec quelques mouches en permanence attachées à leur cou (Geoffrey Lewis, l'un des acteurs fétiches de Clint Eastwood, père au passage de la très déjantée Juliette du même nom, héroïne entre autres de Strange Days et de Tueurs Nés) :

Mais surtout une ville où la principale attraction de l'hiver est de savoir qui va faire partie - ou non - des heureux élus invités à la prestigieuse soirée de Jim Williams (et si d'ailleurs, vous voulez vous cotiser pour m'offrir un petit orgue de ce genre encastré dans le mur, il vous suffira de réunir environ 600000 €, guère plus !) :

Jusqu'à ce que, comme dit dans la Bible, "le voile se déchire, et les tombeaux s'entrouvrent..." (en l'occurence, celui de Jude Law, retrouvé mort lors de ladite soirée, abattu par "légitime défense" par le maître des lieux) :

Morale très provisoire de l'histoire, valable en toutes circonstances, mais bien sûr particulièrement dans les petites villes :

Peut-être est-ce cette première partie du film qui a foncièrement déplu aux américains eux-mêmes, tant elle oscille entre des registres très différents tout en montrant crûment des choses que personnes n'a vraiment envie de voir, qu'il s'agisse du travesti Lady Chablis (qui joue ici avec brio son propre rôle, souvent très drôle) :

Ou encore de la grande prêtresse vaudoue Minerva, qui réussit même à emmener toute cette première partie au limites du fantastique, mélange des genres certes très déroutant, mais particulièrement réussi par Eastwood, à mon sens :

La seconde partie, beaucoup plus conventionnelle - puisqu'elle rejoint le style en revanche si prisé aux USA des "films de procès" - n'en reste pas moins passionnante, au sens où elle va prendre un malin plaisir à décortiquer, avec une précision d'entomologiste, tous les petits travers du moindre habitant de Savannah, du commissaire au médecin légiste en passant par les petits amis potentiels de Jude Law. Mais là encore, grâce à son sens inné de la respiration et du montage, Eastwood va éviter le principal écueil du genre (lasser le spectateur à force de témoignages, et de huit clos) en nous gratifiant de certaines scènes parmi les plus drôles du film, notamment celle où Lady Chablis va s'en donner à coeur joie en semant une pagaille monstrueuse au sein du très huppé "cotillon black" de la ville :

L'un des grands moments du film, où l'on s'aperçoit en outre que le fait d'avoir une vie sexuelle différente de la majorité n'est aucunement un gage d'immoralité, bien au contraire :

Thèse qui va au final se trouver appuyée avec force par l'avocat de Jim Williams (Jack Thomson), prenant au passage la défense de tout ceux montrés du doigt par les soi-disants "bien-pensants" :

Croire néanmoins Clint Eastwood suffisament simpliste pour s'en tenir là serait pourtant bien mal le connaître ! Car en réalité, sans même faire un "Spoiler" pour autant, tout le film n'est en réalité qu'une gigantesque parabole sur l'Art et la "Vérité", du moins sur ce que chacun veut - ou ne veut pas - en connaître :

Et en ce sens, il offre du même coup une certaine parenté avec le tout précédent Les Pleins Pouvoirs (1997), ainsi qu'avec le nettement plus ancien La Sanction (1975), mais bien sûr, avec infiniment plus de maîtrise, même si le traitement paradoxal a pu, de prime abord, en décontenancer plus d'un !

N'hésitez pas à découvrir à l'occasion ce film, l'un des plus injustement méconnus du maître... Vous ne le regretterez pas !

BAD LIEUTENANT (FERRARA)

2009-04-01T20:08:00.000Z

La classe absolue !

En tout cas, son plus grand chef-d'oeuvre, à mes yeux, (enfin, disons, à ce qu'il en reste, après avoir retravaillé et publié 40 photos de ce film sur ce site...), postérieur de trois ans au non moins génial THE KING OF NEW YORK (1990), que je vous recommande également très vivement !

Deux films "magiques" (sinon trois, car bien sûr, THE BLACKOUT se rattache aussi à la même lignée) sur le thème très rarement traité au cinéma, et en général, d'ailleurs, de la rédemption...

Attention : à partir d'un certain moment, cet article va devenir un gros SPOILER (mais je vous préviendrai, rassurez-vous) !

Bref ! Tout commence par la vie de "Monsieur NORMAL", confronté comme tout le monde aux problèmes domestiques habituels :

Sauf que "Monsieur NORMAL", au demeurant flic plutôt véreux (par désoeuvrement, on le suppose), s'avère avoir plusieurs passions assez coûteuses, à commencer par le jeu et les paris (grand match entre les Mets et les Dodgers, qui contribue à donner au film une grande partie de son rythme) :

L'alcool (et pas à petites doses !) :

Le sexe (scène tragique et "christique" à voir dans son intégralité, tellement symbolique que cette photo a longtemps servi d'affiche au film) !

Et bien sûr, non des moindres, le "Crack" (ou l'héro, ou la coke, bref, tout ce qui peut lui tomber sous la main, en résumé !) :

Pendant ce temps-là, à Vera Cruz (désolé, je n'ai pas pu m'empêcher de citer le fameux film de Les Nuls, qu'il faudrait tout de même que je commente un de ces jours)... Mille Pardons. Excusez-moi ! Pendant ce temps-là, donc, dans une église de Spanish Harlem, une pauvre religieuse se fait violer d'une façon particulièrement violente par deux petits jeunes :

Bien sûr sous l'oeil d'une madone compatissante, comme dans presque tous les films de Ferrara, lol !

En tout cas, heureusement que je n'ai pas moi-même de progéniture, car je suis presque très certain qu'il pourrait m'arriver certains jours de vivre ce genre de situation, plutôt embarrassante :

Être réveillé dans un état comateux par ses propres enfants, que peut-on imaginer de pire ? Mais bon. Finalement, Harvey Keitel (mais oui, au fait, je ne l'ai même pas encore cité, alors qu'il s'agit probablement de l'un de ses plus grands rôles) finit par ouvrir les yeux, avant tout pour vérifier la côte de ses paris, priorité Number One :

Et secundo, pour faire son "vrai" travail de flic, notamment lors de cette scène particulièrement longue et traumatisante, si souvent citée à la fois par les amateurs et les détracteurs du film (et encore, je vous fais la version courte, là) :

Juste pour dire (histoire de comparer avec, par exemple, C'est arrivé près de chez vous), je connais pas mal de gens qui ont complètement décroché du film juste après cette scène, il est vrai assez éprouvante...

C'est clair que la branlette d'Harvey Keitel sur la bagnole face au deux jeunes filles, ça peut "légèrement" ébranler (sans jeu de mots), on va dire...

Mais bon. C'est du Abel Ferrara, quoi, on le sait, quand on glisse le DVD dans le lecteur, non ? Ou sinon, comme il le dit lui-même, dans son habituel langage "christique" :

Abel Ferrara : un réalisteur tout à fait atypique, parfois même un très gros glandeur je-m'en-foutiste capable de massacrer certains plans (voire même certains films, genre BODY SNATCHERS, où apparemment, ce sont ses assistants qui ont fait tout le boulot, tellement ça le gavait de tourner ce "remake"), et dans le même temps, capable tout autant de nous peaufiner de petits tableaux hollandais dignes du XVIIème siècle :

LA scène "cruciale" (disons même "crucifixiale") du film, à partir de laquelle tout bascule :

J'avais chargé toutes les photos successives, mais vu que je dois bien friser les 40, là (un record sur ce Blog, je crois !), je vais pour une fois me contenter du mode texte : "J'aurais dû changer la semence amère en sperme fertile, la haine en amour... Et peut-être même sauver leur âme". Et ce n'est pas (de très loin) le plus facile à comprendre, et surtout à accepter dans ce film :

L'essence même de la rédemption, en résumé, concept plutôt complexe, qui va être magnifié puissance dix vers la fin... Mais comme je vous l'avais annoncé au tout début de cet article, ne continuez surtout pas au-delà si vous n'avez pas encore vu le film, car il s'agit d'un gros SPOILER, à partir de maintenant !!!

Et pendant ce temps-là, et même de plus en plus, ayant entendu en secret la confession de la nonne, notre "fou furieux" continue sa descente aux enfers, en toute (apparente) impunité :

Car c'est précisément à partir de ce moment que ses neurones disjonctent complètement (de même que les miens la première fois que j'ai vu ce film, ainsi que ceux de Lunapei, avec qui je l'ai encore revu ce soir !), devant son incapacité à admettre l'inadmissible, ou même, disons mieux, à comprendre l'incompréhensible, à accepter l'inacceptable :

Comment ? Sinon insulter ce "fucking" Christ et son putain de "fucking" message d'amour de "fucking cocksucker" (pardonnez-moi, j'essaye juste de me caler sur le langage habituel de Ferrara, là) !

Mais quel acteur géant, pour ne pas dire géantissime - particulièrement dans cette scène, mais d'une façon générale dans tout le film ! Quand on songe (info récemment chopée au 20h) aux 26 millions d'Euros engrangés par Dany Boon... Bon (on est branché sur Ferrara, après tout, donc rien ne peut choquer personne, n'est-ce pas ?), il y a vraiment de quoi "se la prendre et se la mordre", en résumé !

Toujours est-il que notre héros (enfin non, je m'exprime mal, là, notre "anti-héros", plutôt), éclaté par toutes ses drogues, criblé de dettes en vertu de ses paris stupides, et surtout, totalement explosé par tout ce que son cerveau complètement déjanté commence à peine à admettre, à savoir le concept absolu du "pardon", même dans les pires cas "impardonnables", va tenter lui-même sa propre rédemption en partant à la recherche des deux jeunes violeurs :

Toujours (en attendant mieux, lol !) en partageant quelques pipes de "Crack", tout en restant scotché devant le fameux match des Mets contre les Dodgers :

Ce qu'on appelle vulgairement : "reculer pour mieux sauter" !

Et le plus incompréhensible dans l'histoire, tout du moins à la première vision de ce chef-d'oeuvre (attention, je vous avais prévenu que cela allait virer au SPOILER, adoncques, ne vous plaignez pas !), c'est la façon dont Harvey Keitel tente de sauver à sa manière ces deux "fucking cocksuckers", non seulement en les balançant de force dans le car pour Philadelphie, mais en outre en leur filant tout ce qui lui reste, 30000$ en liquide, mine de rien :

Je vous laisse deviner la fin, d'une rapidité, d'une violence, et en même temps d'une logique absolues :

Juste pour l'anecdote : il y a pratiquement la même scène dans THE KING OF NEW YORK, film que je vous ai déjà recommandé en tout début de Post, mais on ne sait jamais... Au cas où vous l'auriez oublié, lol !

Deux Opus majeurs à voir de toute urgence, en résumé !!!

D'autres informations sur ce film à lire ici, au gré d'un article très intéressant de Valérie Palacios, qui vous livrera en prime nombre d'anecdotes (plutôt éprouvantes) au sujet du tournage...

LA MORT AUX TROUSSES (HITCHCOCK)

2009-03-20T20:08:00.032Z

North by Northwest (1959)...

Bien sûr, loin de moi l'idée de vous livrer ici un résumé, un synopsis, ou encore une critique de ce film mythique, vu que tout le monde le connaît absolument par coeur, étant donné que toutes chaînes confondues, il doit passer régulièrement 3 ou 4 fois par an depuis des décennies...

Non. Je voulais plutôt en profiter pour illustrer cette phrase d'Alfred Hitchcock (Le Monde, 1955) : "Je ne veux pas que l'intrigue suive la technique. J'adapte la technique à l'intrigue. Un bel angle de prise de vues peut causer un effet qui satisfait le le chef-opérateur, ou même le metteur en scène. Mais la question est de savoir si, dramatiquement, ce plan est la meilleure façon de raconter l'histoire" (sentence que pas mal de réalisateurs actuels feraient bien de méditer, au demeurant)...

Peut-être est-ce dû à mon métier de musicien, mais de même que je n'aime pas trop aller au concert (je préfère les faire, lol !), je ne raffole pas non plus du cinéma, alors que la technologie du DVD me permet d'explorer sans relâche, à l'instar d'une Sonate ou d'une Symphonie, les oeuvres que j'apprécie vraiment. Et ce soir (DSL pour cette longue introduction, mais patience, les photos vont venir !), à la lumière de cette phrase du maître, j'ai remarqué dans North by Northwest nombre de petits "détails" qui ne m'avaient jamais vraiment frappé, et que je tenais à vous faire partager, à commencer par ce très énigmatique générique tout en lignes animées :

Qui finit par déboucher sur ceci, le bâtiment de l'UNESCO, le moment-clef du film (voir photo N°5), à partir duquel Cary Grant, jusqu'alors considéré au pire comme un simple alcoolique ou un affabulateur, va d'un seul coup se retrouver propulsé au rang de meurtrier recherché par toutes les polices :

Comme tout le monde le sait (du moins, je l'espère... que l'on ne m'accuse pas de faire un "Spoiler" sur une oeuvre datant de 50 ans !), ce film s'articule autour de trois thèmes majeurs : 1) l'innocence (et l'amour impossible) 2) la "raison d'état", contre laquelle même la police s'avère impuissante 3) le monde du secret et de l'espionnage. Autant de raisons d'admirer, à l'aide de deux seuls plans "muets", cette parfaite mise en abyme du film dans son ensemble, dès le tout début, Cary Grant embouti par la police, elle-même emboutie par une voiture non-identifiée, tandis qu'une voiture encore plus mystérieuse se dissout dans le noir le plus complet :

Brillantissime, n'est-ce pas ? De même que ce plan très audacieux, où l'on voit Cary Grant fuir l'UNESCO suite au meurtre dont il est supposé être l'auteur, et qui à mon sens est la plus parfaite illustration des propos d'Alfred Hitchcock cités au début de cet article, autrement dit un plan absolument sans la moindre gratuité, qui laisse par son seul cadrage deviner l'immense pression étatique face à un homme isolé (mais oui, Cary Grant est la minuscule tache noire en train de se ruer vers la station de taxis, cliquez pour agrandir !) :

Bon. Je pense qu'il est inutile de revenir sur la scène suivante, tellement connue et tellement mythique qu'elle a été maintes fois parodiée ou citée, notamment dans le fameux Arizona Dream d'Emir Kusturica (film que j'adore, mais ce n'est pas l'avis de tout le monde, en général !), ainsi que dans l'atroce final de Seven, de David Fincher :

Quelques gouttes d'angoisse distillées dans le silence le plus total, avec des cadrages à couper au couteau, la grande classe, quoi...

D'après ses propres dires, Hitchcock aurait ici essayé de prendre le contrepied absolu des scènes typiques d'attaques de gangsters, qui à l'époque se passaient toujours dans le noir, dans des usines désaffectées, avec une bande-son apocalyptique... D'où cette agression en plein désert, filmée en plein soleil, et sans la moindre musique :

Mais l'un de mes amis avait une autre théorie, tout aussi valable, je trouve, selon laquelle Hitchcock aurait eu cette idée de génie comme une véritable inspiration, ou une sorte de "révélation", disons, la fameuse explication "logique" ne venant en réalité qu'a posteriori :

Tel que je connais le monde de la musique, je dirais que les deux hypothèses sont possibles (et en plus, pas forcément contradictoires). Il y a certes d'un côté les artistes qui composent "comme ils pissent" (Mozart, Schubert, Schumann, entre autres), au point de ne parfois même plus se souvenir de ce qu'ils avaient écrit auparavant, et de l'autre, les "laborieux", qui sans cesse sur leur métier remettent leur ouvrage (Beethoven, Bruckner, etc.)... Et alors ? La seule chose importante, c'est ce qu'il veulent donner à entendre, ou à voir - en tant qu'oeuvre achevée - vis-à-vis du public, et il n'y a que ceci qui devrait nous intéresser !

Bref ! Revenons à nos moutons avec cet autre plan ultra-symbolique de la fameuse "raison d'état", l'innocent Cary Grant et le chef même des services secrets tous deux écrasés par encore plus forts qu'eux deux :

Ainsi que cet autre plan magique, où la forêt de pins semble véritablement une métaphore de tous les obstacles qui empêchent Cary Grant et Eva Marie Saint de s'aimer librement :

Encore plus fort, vers la fin du film, lorsque James Mason commence à comprendre la traîtrise de sa maîtresse Eva Marie Saint, un mouvement de caméra proprement hallucinant qui correspond exactement aux paroles (je ne sais pas comment il a pu faire ça, une sorte de grue circulaire, peut-être ?) :

Bien sûr, tout le monde connaît la sublime fin sur le Mont Rushmore par coeur ! Mais encore une fois, la façon dont sont cadrés les (tout petits) personnages face aux (très grands) présidents des États-Unis, est à elle seule une magnifique illustration de la théorie du maître citée en début de Blog, selon laquelle aucun plan ne doit être fait à la légère (théorie dont Cronenberg, inutile de le préciser, fera son "petit lait", lui chez qui le moindre plan est presque toujours "sur-signifié", et qui déteste les "inutiles" plans de transition) :

Bon. Juste pour la route, petit rappel des deux ellipses finales, tellement célèbres qu'elles doivent être enseignées dans toutes les écoles de cinéma du monde... La première, ou l'on passe sans transition de Cary Grant attrapant in extremis la main de Eva Marie Saint en grande difficulté sur le Mont Rushmore :

Pour d'un seul coup se retrouver sans transition propulsée dans la même cabine de wagon-lits qui avait vu leurs premiers ébats :

Et bien évidemment la seconde, où même les gens qui ne se prénomment pas Sigmund et ne s'appellent pas Freud verront tout de suite ce dont il s'agit, lol !

Ou alors, c'est qu'il y a de grosses lacunes dans leur éducation, XD !

P.S : Rien à voir, mais grace à Lunapei, je viens tout juste de rajouter un nouveau lien dans ma colonne de droite, The Yodablog... Si vous êtes un fan de la saga STAR WARS, n'hésitez pas à y faire un petit tour, vous n'allez pas le regretter, c'est excellent !

MULHOLLAND DRIVE (LYNCH)

2009-01-12T20:08:00.040Z

Enfin, enfin, enfin...

Depuis le temps que je vous promets que je vais m'y mettre, me voici enfin résolu à vous parler un tout petit peu de cet OVNI total, dans lequel je n'ai commencé à me repérer qu'à partir du quatrième ou cinquième visionnage, et auprès duquel Lost Highway pourrait presque passer pour le parangon d'un classicisme absolument échevelé, lol !

Alors bon. Loin de moi l'idée d'en livrer la moindre analyse, non seulement parce que Lynch, tout comme Kubrick, déteste ça par principe, mais surtout parce que quelqu'un l'a déjà fait bien avant moi, beaucoup mieux, et plan par plan, en plus (attention, site à ne pas consulter si vous n'aimez pas les Spoilers) !

Je vais donc plutôt me borner à relever certains aspects, certains "tics" de l'auteur (car tous les "grands" en ont, de Beethoven à Bacon en passant par Cronenberg), certaines images "chocs" telle que celle-ci, l'exemple type de ce que les amateurs nomment à juste titre la "magie" Lynch, autrement dit un simple plan sur un panneau nocturne qui chez n'importe qui d'autre serait totalement anodin, et qui de sa part (notamment grâce au mixage son, qu'il tient toujours à superviser) suffit à glacer le sang, tout autant que les fameux plans fugitifs sur les forêts de Twin Peaks :

Certes, de "mixer les sons" à "brouiller les pistes", il n'y avait qu'un pas, que Lynch s'est bien sûr allégrement empressé de franchir dans la jaquette du DVD, où je serais prêt à parier que les trois quarts des soi-disants "pistes" qu'il est censé nous offrir, sont en réalité des leurres :

Sinon, peut-être, les deux premières, où de fait, avant même le générique début, ce jeu d'ombres et lumières de part et d'autre de l'écran, ainsi que la vision complètement fantasmatique de l'héroïne principale au travers de ses parents / oncles / tantes (?), laisse déjà augurer du thème central des trois derniers films du maître, la schizophrénie :

Alors certes, je pourrais tenter de vous résumer la toile globale du film (tâche quasi impossible, sauf pour le courageux auteur du site que j'ai mentionné plus haut), en commençant par le monstrueux accident fondateur - qui à lui tout seul est déjà une sorte de mise en abîme de la collusion de personnalités que suppose la schizophrénie :

Mais comme tout ceci a déjà été fait bien avant et bien mieux que moi, je préfère me concentrer sur certaines scènes parallèles, telles que celle-ci :

Un exemple parmi d'autres du talent de Lynch en tant que directeur d'acteurs (et pourtant, il est réputé pour ne pas leur mettre la pression, justement) : deux simples petits rictus, et l'on sent déjà que tout le monde est mort de trouille (y compris le spectateur) !

À juste titre, du reste, outre l'importance symbolique du circuit flèché (que j'ai retrouvé très récemment dans l'ultime scène du sublime Collatéral de Michael Mann, avec les mêmes implications) :

Autre trait récurrent chez Lynch : ces personnages amorphes, infirmes ou sans visage, qui de leurs improbables appartements semblent tirer toutes les ficelles d'une façon parfaitement glaciale et énigmatique. On pense bien sûr d'emblée à Sailor et Lula, où cet aspect est très présent, mais peut-être encore plus aux fameuses "Blackroom" et "Redroom" de Twin Peaks :

Bien évidemment, l'une des histoires (et des problématiques) principales du film, c'est que de même qu'en politique, tout le monde ne vise bien sûr qu'une seule chose, mettre son cul au meilleur endroit possible du monde :

Avec toutes les compromissions que cela implique (à noter, pour la petite histoire, que l'acteur de gauche, Angelo Badalamenti - le musicien attitré de Lynch depuis les tous débuts - était paraît-il "excité comme une puce" à la simple idée de jouer un "vrai" rôle dans l'un de ses films, XD !) :

"This is the girl" !

Mais quelle clef faut-il posséder pour, justement, être "THE girl" ???

Là, je suis gentil avec vous (je trouve)... Car l'une de ces clefs, c'est justement : "Je ne sais pas qui je suis" (et pour cause)...

Petit interlude (de même que dans Twin Peaks ou Sailor et Lula) : Lynch sait tout de même nous détendre cinq minutes avec certaines scènes à pisser de rire, comme celle où le réalisateur surprend sa femme avec le nettoyeur de piscine, et ne trouve rien de mieux pour se venger qu'à barbouiller tous ses bijoux en rose, géantissime !!!

Mais bien sûr (on connaît le Monsieur, lol !), c'est reculer pour mieux sauter, avec cette scène nocturne dans le "Coral" à vous glacer les sangs, malgré les apparences :

NO WAY OUT : "This is THE girl" !

Et je ne suis pas le seul à le dire :

"This is THE girl" ! ... Ou bien "This was THE girl", ou "This will be THE girl" !... Allez savoir ?

Mine de rien, il s'agit de l'une des scènes clefs du film : lorsque la brune adopte la perruque de la blonde, dans une sorte d'acte mi-homosexuel mi-narcissique totalement fantasmatique, mais très lourd de sens... Et là, je dois bien avouer à ma grande honte que c'est le moment pile et précis où j'ai complètement "décroché" à la toute première vision du film, lancé bien malgré moi sur une optique somme toute très discursive et même - disons-le - partiellement Hollywoodienne, qui au bout d'une petite heure bifurque d'un seul coup sur un truc totalement "barré (il faut bien dire les choses comme elles sont) ! Ce n'était pourtant pas faute, de la part de Lynch, d'avoir mis les points sur les "I" à ce moment précis :

Et voilà... C'était l'une des clefs. Si maintenant vous n'avez pas encore vu le film, et désirez vous garder intact tout le mystère de la chose, arrêtez-vous tout de suite de me lire, car tout ce qui va suivre va être un gros Spoiler (conseil d'ami) !

Il n'y a pas d'histoire, et pourtant, on en comprend une...

Il n'y a pas d'auteur, et pourtant, il y en a un...

Il n'y a pas d'actrice, et pourtant, il y en a une...

Etc, etc... Notamment lors de cette séquence de champs/contrechamps particulièrement éprouvante, où grâce à la seule magie du cinéma, l'on se rend compte que cette pauvre fille totalement perdue, tant sa quête de gloire hollywoodienne est immense, ne fait finalement que se parler à elle-même, dans un désespoir absolument sans borne (sublime et très émouvante Naomi Watts) :

Sans même parler de cette scène encore plus hallucinante (attention, le contrôle parental n'est pas activé sur ce Blog, adoncques, prenez vos responsabilités) : celle où Naomi Watts se fantasme en train de faire l'amour avec son "double" :

Et qui s'avère en réalité être une scène de "branlette" particulièrement douloureuse et traumatisante (une fois de plus, à ne pas mettre devant tous les yeux !) :

Durant laquelle se révèlent d'un seul coup (et sans doute, pour Lynch, d'une façon assez cathartique) une bonne part part des énigmes du film :

- Qui est qui ?

- Qui est vivant, qui est mort ?

- Qui préfère le suicide à une vie de merde, et surtout à une vie sans gloire ?

"Très souvent, au cours de notre existence, nous voyons nos rêves déçus et nos désirs frustrés, mais il faut continuer à rêver, sinon notre âme meurt" (Paolo Coelho). Mais là, il faut bien admettre que c'est tout de même très mal barré pour cette pauvre petite, quoi...

Bref ! Un chef-d'oeuvre, certes, mais un chef-d'oeuvre très ardu, du moins à la première vision... Mais après tout, ce n'est pas un scoop, il en va exactement de même avec l'Ulysse de Joyce, les Diabelli de Beethoven, ou l'Art de la Fugue de Jean Sébastien Bach... Des créations "monstrueuses" qui défient presque toute intelligence "terrestre", et qui sont tellement vastes qu'elles peuvent largement suffire à nourrir notre esprit non seulement toute une vie, mais même une seconde ou une troisième (à supposer que nous en ayons une)...

Comme je pense l'avoir déjà dit en ces pages, s'il y a (un seul) avantage au vieillissement, je crois que c'est celui-ci, l'unique : pouvoir, à force de pratique et d'expérience, pouvoir pénétrer - je ne dirais pas "de plus en plus facilement", mais disons "de moins en moins difficilement" - des énigmes telles que celles-ci...

Et petit P.S pour la route : J'ai beau être persévérant, j'ai encore "du pain sur la planche", comme on le dit, car pour l'instant, je n'ai vu qu'une seule fois Inland Empire (le dernier de ce même David Lynch), et pour dire les choses franchement : je n'ai toujours ABSOLUMENT rien compris... Et quand je dis rien, c'est vraiment "rien de chez rien", quoi !

Mais bon. je ne l'ai vu qu'une seule fois (qui m'a découragé), mais il faut absolument que je réessaye, quoi (3h, tout de même)...

Je vous tiendrai au courant...

FUCK HOLLYWOOD !

2008-12-16T20:08:00.037Z

Ou encore : La Relève !

Pauvre cinéma français, en complète décrépitude depuis des années (sinon des décennies), après avoir pourtant connu une grande époque, celle des Melville, des Malle, des Truffaut, et même - incontournable - celle des Lautner ! Fort heureusement, la relève est là, comme je vous le disais au tout début de ce Post en guise de clin d'oeil au grand Clint, et vous seriez surpris de voir tout ce que les jeunes peuvent arriver à faire avec trois bouts de ficelle, du moment qu'il y a l'envie, la passion et la créativité (souvenons-nous de David Lynch passant plus de deux ans à dormir dans un hangar désaffecté pour réaliser Eraser Head) !

Deux exemples : tout d'abord, le court métrage de Vincent, 22 ans, originaire du Tarn, Webmaster du site La Lanterne, et co-auteur du court métrage Les Mémoires de l'Aube :

Il est en outre important de préciser que ce petit film, réalisé avec du matériel professionnel de l'ESEC, est revendiqué par ses auteurs (huit !) comme une oeuvre collective, chacun ayant participé au scénario et au découpage, de la scripte au preneur de son. En parlant de son, il est d'ailleurs à noter que la bande originale de Camille Galinier s'avère tout à fait intéressante, très variée, et s'accordant fort bien aux multiples atmosphères suggérées par ce court-métrage naviguant entre réalité et fantasme, un peu à la façon du fabuleux Harry dans tous ses États de Woody Allen (c'est du moins mon avis, et je le partage) !

Dans un genre complètement différent, mais tout aussi poétique, les nombreux courts de Zoun, 34 ans et habitant de Biarritz, qui lui fait ça par contre en total "amateur" (dans le vrai sens du terme, "celui qui aime"), avec une petite bande d'amis et un matériel bien moins haut de gamme, ce qui n'empêche pas de superbes réussites, telles que celle-ci, qui a ma préférence (mais il y en a bien d'autres sur le site en question), Sola :

Bien que non officiellement primé au festival Fifava, Zoun y a obtenu - ce qui est bien plus important - un accueil très favorable de la part du public, et surtout de la critique, comme vous pourrez le lire sur l'article Fifava, publié sur son autre site, Zoun, le Blog !

Je vois en tout ceci beaucoup d'énergie, de talent, et surtout (chose bien plus rare) de poésie : comme quoi, il n'y a aucune raison de désespérer de l'avenir !

Après la pluie, le beau temps, n'est-ce pas ?

P.S : Bien qu'il y ait d'une façon générale assez peu de commentaires sur ce Blog, pour une fois, mouillez la chemise, allez au charbon, et encouragez-les !!! Je suis sûr qu'ils apprécieront...

PLANET TERROR (RODRIGUEZ)

2008-11-18T20:08:00.020Z

Enfin, le voici !

Le second film "Grindhouse" (un concept américain où l'on faisait se succéder dans la même soirée deux films de série B, voire Z, entrecoupés de bandes annonces du même style), censé faire suite à Boulevard de la Mort de Quentin Tarantino, dont d'ailleurs je viens de replacer la critique juste à la suite, ce qui sera plus simple pour tout le monde.

D'une façon plutôt étonnante, le DVD s'ouvre sur le visage de l'acteur le plus connu du film (qui reprend ici - très brièvement - son rôle et son look de grand méchant dans Couvre-Feu de Edward Zwick), alors que son nom ne figure ni sur la jaquette du DVD, ni même au générique début - ce qui n'est pas sans évoquer les précédents fameux de Sean Connery dans Robin des Bois, ou de Christopher Walken dans Sleepy Hollow :

Ce qui n'est pas le moindre des traits d'humour de cet Opus, qui attaque d'emblée par une désopilante bande annonce pour un film qui n'existe pas, Machete, interprété par l'indescriptible Danny Trejo, que tous les fans de Heat reconnaîtront d'emblée :

Plus kitsch que ça, tu meurs ! À voir absolument en V.O, bien sûr :

Dernier clin d'oeil avant d'attaquer : le logo de la propre boîte du réalisateur (comme quoi tous les mexicains ne sont pas forcément des bigots superstitieux, lol !) :

Et voilà, le film peut enfin démarrer (d'une manière tout aussi chaude que celui de Tarantino, d'ailleurs, ce qui faisait également parti des codes du "Grindhouse") :

Et, très vite, d'une façon bien plus "gore" :

Pour tout vous dire, je ne considère pas du tout ce film comme un chef-d'oeuvre, loin de là, même (contrairement à beaucoup de gens, je préfère nettement celui de Tarentino)... Mais ce qui le sauve, c'est l'humour, sa volonté de parodier en "bigger than life" les archéypes les plus connus du genre, comme La Nuit des Morts-Vivants ou L'Invasion des Profanateurs de Sépulture, et de ce point de vue là, cela fonctionne parfaitement :

Pour tant est que l'on soit un peu familier desdits codes parodiés, faute de quoi, tout le sel de la chose disparaît bien sûr au profit d'un film pratiquement sans thème, sans histoire et sans scénario (à noter qu'il y a eu en musique des cas similaires, comme lorsque Stravinsky ou Prokovief s'amusaient à pervertir les auteurs baroques ou classiques !). En résumé : suite à la fuite d'un gaz neurotoxique, toute une partie de la population se retrouve peu à peu transformée en affreux zombis, qui bien sûr n'ont plus qu'une seule idée en tête, contaminer les rares rescapés :

Comme vous le voyez, il est difficile de faire plus simple (encore qu'il y ait aussi des chefs-d'oeuvre qui tiennent en deux lignes, comme Duel ou Alien).

Quelques références à Boulevard de la Mort au passage : tout d'abord, l'usage de certaines bécanes qui, elles aussi, sont "bigger than life" !

Mais surtout le recours à la même actrice Rose McGowan (Pam, dans le film de Tarentino), et qui incarne ici le rôle vedette de la tueuse à la jambe-mitraillette, tellement kitsch en lui-même que l'on se demande comment des gens ont bien pu prendre ce film au premier - voire même au second - degré, tellement c'est énorme :

Le "pitch" ayant été résumé en deux lignes, profitons-en pour dire quelques mots de certains des acteurs... Michael Parks, qui de façon assez amusante joue toujours sous le nom de Earl McGraw, qu'il s'agisse de Boulevard de la Mort ou des deux Kill Bill, où il incarne d'ailleurs le même rôle de shérif :

Michael Biehn, que l'on n'avait pas revu dans une grande production depuis bien longtemps, et qui, le pauvre, se retrouve encore une fois en train de sauver le monde, après ses rôles fétiches dans Terminator et Aliens :

Un autre acteur très célèbre, que vous aurez sans doute un peu de mal à reconnaître (je jurerais presque qu'il s'agit d'une citation de Dune, de David Lynch) :

Ouf, ça va mieux, là, lol !

Certes, il n'occupe qu'une toute petite place (quoiqu'importante) dans le film, mais au moins, on est bien content d'apprendre qu'il a descendu l'ennemi public N°1, et par hasard, en plus, MDR !

Et bien sûr, une fugitive apparition de Tarentino, sympathique Warren dans Boulevard de la Mort, ici juste crédité comme "violeur #1" :

Enfin bref, comme déjà dit, ce qui sauve vraiment le film, c'est son humour au troisième degré, comme par exemple l'apparition totalement incongrue de sous-titres en allemand de façon fugitive :

Cette mise en garde à pisser de rire du patron du BAR B Q, alors que les spectateurs ont déja croûlé sous douze tonnes d'hémoglobine :

Ainsi que lors de l'unique scène romantique du film, au moment précis où celle-ci commence à dégénérer en scène bien torride :

Et zut ! Bobine manquante, lol !

La course poursuite en mini-moto vaut aussi son pesant d'or (citation évidente de Vanishing Point, bien sûr :

De même que le moment où mourant, le patron du fameux bar B Q consent enfin à dévoiler à son frère la fameuse recette de sa sauce barbecue :

Bon. Je m'arrête là, sinon, on va encore m'accuser de faire un énorme Spoiler !

En tout cas, la fin, que j'avais trouvée d'un ridicule achevé la première fois (pour ceux qui connaissent, du niveau de celle de Battle Royale II, c'est pour dire !), m'a bien régalée lors d'une petite relecture :

Pour être tout à fait sincère, j'avais eu exactement le même problème avec Boulevard de la Mort, mais je crois que c'est uniquement lié au fait que quelque part, notre esprit et nos yeux, conditionnés par des milliers de productions "standards", ont tendance à avoir un seul type d'approche - très formatée - lors de la découverte d'un nouveau film.

Mais lorsque l'on a compris cela, et que l'on se prend à jouer, de connivence avec les auteurs, à l'exercice de style (je ne vais pas vous rappeler le livre éponyme de raymond Queneau, tout aussi déroutant de prime abord), et bien en résumé : c'est une vraie régalade !

P.S 1 : Malgré les faux "scratchs" et autre défauts simulés de pellicule (encore plus nombreux que dans le film de Tarentino), il est à noter que l'intégralité du film a été entièrement tournée en numérique, ce qui a apparemment laissé aux acteurs et au réalisateur une grande liberté d'expression - puisque non limités par le prix exorbitant du 35mm, comme bien sûr nous le savons (presque) tous, depuis que chacun possède désormais son petit appareil photo du même style !

P.S 2 : Le concept "Grindhouse" étant quasiment inconnu en Europe, les frères Weinstein - les producteurs attitrés de Rodriguez et de Tarentino - ont finalement décidés de s'adapter à nos usages pour sortir les deux films séparément, ce qui nous a hélas privés de quelques fausses bandes annonces savoureuses situées entre les deux films, ainsi que d'autres non moins sympathiques, publiées suite à un petit concours lancé sur Internet. Mais heureusement, je suis là... Et vous pourrez voir tous ces petits bonus ici-même !

Merci qui ?

BOULEVARD DE LA MORT (TARANTINO)

2008-11-16T20:08:00.001Z

In english : Death Proof !

Premier film de Tarantino chroniqué ici, et Dieu sait que l'exercice n'est pas facile : d'une part parce qu'il s'agit d'un film inextricablement lié à la saga Kill Bill (ne serait-ce que par le désormais fameux écran de pré-générique), d'un film conçu pour constituer un dyptique avec Planet Terror (filmé par contre par Robert Rodriguez), et en même temps d'un Opus à l'exact opposé de Kill Bill, puisqu'au lieu d'avoir ici une seule histoire en deux films, on a à l'inverse deux histoires symétriques dans le même film :

Comme tous les films bipartites (je pense notamment à Full Metal Jackett), la première vision en est toujours assez déroutante. Et pourtant... de même que dans Kill Bill, le pitch s'en révèle ultra simple (quatres nanas harcelées et massacrées par un fou furieux du volant, lequel fini par devenir à son tour la victime de quatre autres furies... difficile de faire plus simple !) :

Ce n'est donc pas là qu'il faut chercher l'originalité du film, mais plutôt dans l'hommage vibrant rendu tout à la fois aux films Gindhouse) des années 70 (deux films projetés dans la même soirée, entrecoupés de bandes annonces), aux road-movies mythiques tels que ceux chroniqués dans les pages suivantes (Easy Rider & Vanishing Point), et bien sûr au cinéma "gore" (ce qui pourra certes en agacer certains, qui n'y verront qu'un avatar de plus de la saga "Tarantino nous refait une fois de plus du Tarantino", en déballant sa culture cinématographique à tout va !). Le choix crucial de l'acteur principal - enfin que dis-je, quasiment de l'unique acteur ! - n'est d'ailleurs sûrement pas innocent, car même s'il n'a jamais vraiment cessé de tourner, Kurt Russel ("Stuntman Mike", alias ICY-HOT, "froid-chaud", quasiment le résumé abyssal du film tout entier !) reste malgré tout emblématique des années 80, notamment avec New York 1997 et The Thing de John Carpenter, autre réalisateur cultissime de la série B :

Présenté au départ comme le parfait looser, ringard, lourdingue, vieux, assez peu délicat dans sa façon de manger (on va dire !), mais somme toute relativement inoffensif, et même, plutôt serviable à priori, notre cascadeur ("stuntman") à la dérive se révèle en réalité bientôt un dangereux psychopathe, au volant de son mythique Muscle Car Chevrolet 1970 SS :

Et ce n'est pas qu'une simple voiture de cascadeur, juste renforcée et conçue pour flirter avec la mort :

Sinon que, comme le précisera - un peu tard - Kurt Russel à sa belle passagère (la première clone d'Uma Thurman, qui trouvera bien sûr son pendant dans la seconde partie), cette mention ne vaut que pour le siège du pilote (et c'est parti pour la séquence la plus gore de tout le film, accrochez-vous !), d'autant plus inattendue que l'espèce de canard qui trône sur la calandre a l'air plutôt sympathique:

Et allons donc, "En voiture Simone !" pour le carton du siècle (N.B : Ne jamais rouler avec les pieds à l'air à la fenêtre, ça peut faire très très mal !) :

Résultats des courses : quatre victimes, et un Kurt Russel à l'hôpital pour plusieurs mois, à tel point que rien ne permettra à la justice de l'inculper, pas même les soupçons du shériff Earl Mc Graw (Michael Parks) et de son "fils N°1" - mais oui, les mêmes que dans Kill Bill ! :

Ce n'est d'ailleurs là que l'un des très nombreux clins d'oeils du film (voir plus loin), avec entre autres cette apparition de Tarantino qui fait penser à celle de Reservoir Dogs :

Film dont l'une des autres particularités - en plus de brasser les genres - consiste à brouiller les références temporelles d'une façon assez surprenante, puisque toute la première partie, bien qu'artificiellement "scratchée" et marquée par des sautes de son et de pellicule, à la façon de ce que l'on pouvait voir dans les années 70, n'en présente pas moins les gadgets technologiques les plus récents, par contraste avec la seconde partie, elle, impeccablement léchée (je me souviens avoir éprouvé une sentation un peu comparable à la vision de Seven de D.Fincher, où l'on a beaucoup de mal à situer l'époque réelle du film) :

Quatre nouvelles protagonistes, donc, lors de ce second volet quasi symétrique, mais pas tout à fait de la même trempe que les quatre premières, puisque parmi elles figurent deux cascadeuses, et notamment Zoé Bell, dont c'est en plus le véritable métier (c'est elle qui doublait Uma Thurman pour les scènes d'action de Kill Bill), et qui fait ici ses premiers pas d'actrice, très convaincants, d'ailleurs :

Avec, de nouveau, une référence au célèbre Vanishing Point (car quelque part, plus le film apparaît moderne dans sa texture et sa réalisation, plus il prend un malin plaisir à citer soit l'histoire du cinéma, soit l'histoire du cinéma de Tarantino tout court) :

C'est d'ailleurs au volant de la fameuse Dodge Challenger blanche de Vanishing Point que les deux allumées décident de se faire ce qu'elles appelent "la bôme" :

Juste avant de se faire rattraper par le grand malade en question, mais qui cette fois-ci va salement regretter d'être venu :

Lors de ce qui se révèle presque une joute moyenâgeuse, tel un tournoi à sens unique :

Comme le déclare dans un interview l'une des actrices (Mary Elizabeth Winstead) : "Les protagonistes sont attachantes (...) et les dialogues sonnent juste. Tarantino n'a pas cherché à écrire des dialogues "de filles". C'est comme ça que les filles s'expriment dans la vie. Elles sont aussi grossières que les mecs. Je trouve qu'il a vraiment saisi cette dimension, ce qui est formidable !" (et ça, pour m'être trouvé au moins une fois au restaurant derrière une table de cinq ou six nanas, masquées par une haie de plantes et se croyant donc seules au monde, je peux vous garantir que c'est vrai de chez vrai, lol !) :

Et voilà, c'est la curée, comme disent les chasseurs (ou encore, l'hallali, lol !) :

Citation évidente de Kill Bill 2, bien sûr :

Lors de ce qui s'avère être probablement l'une des plus violentes bastons "de filles" jamais vue à l'écran :

The end ? Hummm... Non. Pas tout à fait, finalement ! Manquait encore le dernier petit plan qui tue, de la part de ce grand fétichiste qu'est Tarantino (arghh, les Santiags... Indémodables, finalement !) :

Bon. Ce mec est barge (Tarantino, veux-je dire), mais au final, ça fait tout de même du sacré bon cinéma, joussif, récréatif, toujours étonnant (il est d'ailleurs à noter qu'aucun effet numérique n'a été utilisé pour les cascades démentielles de la fin, et que tout a été fait "à l'ancienne" !), et bien sûr bourré de petites citations à l'intention des amateurs du maître, petit florilège :

Référence à la fameuse scène de Pulp Fiction dans laquelle Uma Thurman, explosée de coke et d'alcool, se lance dans une danse complètement déjantée, juste avant de collapser total :

Plus difficile (pour amateurs only !) :

Mais oui : c'était bien sûr la mythique scène d'ouverture de ce même Pulp Fiction (qui elle-même citait déjà le très excellent En Quatrième Vitesse de Robert Aldrich) :

Sans parler, comme déjà dit, du fameux shériff Earl et de son "fils N°1" (Kill Bill) :

Ou encore, des couleurs de la voiture des filles, bien sûr celles du costume d'Uma dans ce même film :

C'est d'ailleurs là l'occasion de remarquer que Tarantino se cache de moins en moins de son fétichisme congénital du pied féminin (ce dont bien sûr, en tant que Webmaster du site Sneakers & Buffalos, je ne saurais bien évidemment me plaindre !). Kill Bill avait certes déjà situé la barre assez haut, entre les pieds assez étranges d'Uma Thurman et le Sponsoring des Asics Onitsuka :

Mais bon. Là, ça attaque très fort dès le générique (allusion, également, aux pieds extrêmement manucurés de Bridget Fonda dans Jackie Brown) :

Pour poursuivre avec l'hallucinante "lapdance" :

Et conclure enfin avec cette scène on ne peut plus explicite de la seconde partie (arghh, que va nous faire Quentin dans son prochain film, là, on n'ose même pas l'imaginer, mais ça va certainement être encore être plus osé et plus cool, lol !) :

Petite anecdote pour la route (histoire de terminer en beauté, mais sans le moindre intérêt) : depuis plusieurs semaines déjà, j'avais chargé sur mon portable la musique de Bernard Hermann pour me prévenir de l'arrivée d'un msg (pour mémoire, c'est le sifflement - Twisted Nerves - de l'infirmière Daryl Hannah dans l'hôpital de Kill Bill, que tout le monde connaît par coeur !). Et lors, je regarde le film une première fois, j'entends ce signal, je regarde mon téléphone, et tiens : bizarre, aucun message ?! Une seconde fois, et pouf : même gag ! Pour enfin m'apercevoir que c'était tout bêtement dans le film, lorsque l'une des protagonistes reçoit justement un message, elle aussi :

Pourquoi aimerais-je bêtement conclure en disant que ce film représente un exact antidote à Ocean's Eleven (sans aucun rapport) ? Et bien tout simplement parce qu'au lieu d'avoir Julia Roberts entourée d'acteurs qui font baver toutes les filles, nous avons juste là Kurt Russel entouré de huit nanas toutes aussi canons de chez canon, quoi...

Et ça... C'est cool, quoi (lol) !!!

P.S (et petit scoop !) : Selon toute vraisemblance, Kill Bill 3 et Kill Bill 4 seraient déjà en préproduction pour 2009. Autant dire qu'on s'en lèche les babines d'avance !

ANECDOTE...

2008-11-12T20:08:00.004Z

De tournage, bien sûr...

Rendez-vous sur mon autre Blog, Paris Archis, et très précisément ici !

BORAT (CHARLES)

2008-10-20T20:08:00.018Z

Hi, me revoici !

Et oui ! Les deux mois de vacances d'été (je suis prof !), plus le travail incessant sur mon Blog principal, justement à propos de mon énorme randonnée annuelle, m'ont provisoirement empêché de publier quoi que ce soit ici (d'autant plus que ce Blog est le plus chronophage de tous), mais voici, enfin, I'LL BE BACK !

Certes, ce n'est pas pour vous entretenir d'un chef-d'oeuvre absolu, d'un pur point de vue de cinéphile, mais d'un film qui restera tout de même une grosse régalade pour tous les amateurs d'humour anglais et d'humour juif (les deux meilleurs du monde, comme chacun sait !), écrit et concu par le fameux Ali G, autrement dit Sacha Baron Cohen, presque aussi célèbre que les Monty Python's pour ses émissions complètement déjantées de la BBC, où il incarnait périodiquement une espèce d'idiot venu du Kazakhstan pour faire un reportage aux USA, afin d'y apprendre la culture et les bonnes manières, ce qui a fini par devenir un film entier :

D'emblée, ça attaque très très fort (attention, ne laissez pas vos enfants - si vous en avez - lire ce Post !) :

Jusqu'à sa fameuse arrivée aux États-Unis :

Tout de même, watch the Trailer (tant qu'il marche... car j'ai hélas constaté que beaucoup de Trailers que j'avais ici publiés ont par la suite été censurés sur Youtube, dommage) :

Au cas où... Je vous montre quand même quelques scènes mythiques. La première, celle ou Borat tente de prendre des cours d'humour américain avec un vrai "coach" :

La seconde, qui (je crois) se passera de tout commentaire, dans la foulée :

Et maintenant, histoire d'aborder le totalement "unpolitically correct", déjà ceci (surtout de la part d'un juif pratiquant) :

Mais encore plus "hénaurme", cela (lol !) :

Je ne suis absolument pas sûr que l'on pourrait tourner un tel film en France (du moins, pas sans que les producteurs ne se traînent 712 procès sur le dos, quoi...) :

Voire même quand il tente de jouer son fameux rôle d'idiot à la perfection (ce qu'il réussit parfaitement, il faut bien le dire, lol !) :

Mais bref... Sans faire un Spoiler pour autant, le vrai "clou" du film réside néanmoins dans cette scène cultissime (DSL, j'ai cherché partout, sur Youtube, sur Dailymotion, impossible de la trouver dans son intégralité), où il ose ceci, en plein milieu d'un rodéo Texan :

Essayez d'imaginer (sur l'air de l'hymne américain), c'est carrément monstrueux, quoi :

Sans même parler de la suite : "Kazakhstan est le plus grand exportateur de potassium, tous les autres pays d'Asie centrale n'ont pas autant de potassium que nous". Etc... Et tout à l'avenant, en résumé !

Mais bien sûr, vu la façon dont le film a commencé, ça ne pouvait pas aller en s'améliorant, lol ! Vu qu'au bout d'un moment, au hasard d'une émission de TV, Borat tombe amoureux fou de Pamela Anderson (Baywatch), qu'il n'a dès lors de cesse de rejoindre en Californie :

Sinon qu'il la suppose vierge, et qu'au hasard de ses rencontres d'auto-stoppeur, il tombe sur une bande d'allumés qui lui ressortent de vieilles VHS inédites :

Mais bon, ça ne le décourage pas, finalement... Allez, je suis sympa, je ne vous raconte pas la fin :

Bon, c'est horrible, c'est affreux, c'est hyper "trash", en résumé... Mais j'adore (oui, je sais, je dois avoir mauvais goût) !

Mais si vous aimez ce genre d'humour, vous serez absolument ravis !

PARANOID PARK (VAN SANT)

2008-07-28T20:08:00.035Z

Vive Internet !
Non. Je dis juste ça parce que sans Internet, je n'aurais jamais rencontré IRL la fameuse Ccil, que certes je ne fréquente pas aussi souvent que je le voudrais (pour cause d'éloignement géographique), mais qui, en tout cas, à chaque fois que l'on se voit à la maison pour une bonne soirée ciné, me fait toujours découvrir de superbes films très originaux, qu'il s'agisse de Hard Candy de David Slade, de Juno de Jason Reitman (avec la même fabuleuse Ellen Page), de Calvaire de Fabrice Du Weltz, ou encore, comme aujourd'hui, du très étonnant :

Du fameux Gus Van Sant (adapté du roman éponyme de Blake Nelson), déjà primé à Cannes pour Elephant, avec lequel ce film offre plus d'un point commun, dans son incessante exploration de cet âge magique - et en même temps terrible - que peut représenter l'adolescence. L'âge de l'indépendance, l'âge de toutes les découvertes, l'âge aussi, parfois, de toutes les conneries (oui, oui, oui, j'ai bien donné, moi aussi, dans la série, je me demande même comment il se fait que je soie encore vivant, mais bon, lol !), un âge que nous avons tous connu et auquel rien ne nous a jamais préparé (et surtout pas les parents, en général !), ce en quoi le simple lieu de "Paranoid Park" est déjà, à lui tout seul, une métaphore :

Un "Park" certes un tout petit peu craignos, bâti de toutes pièces et plus ou moins habité par un tas de squatteurs, mais dans leur genre, tous des virtuoses, magnifiquement filmés par le Monsieur en question :

Extrêmement bien vu, également, tout comme dans Elephant, à quel point il peut être à cet âge rassurant et sécurisant de se sentir appartenir à une sorte de "tribu" :

Ne serait-ce que pour échapper à ces couloirs d'un ennui mortel (également les mêmes que dans Elephant), qui vous donneraient presque envie de vous tirer une balle dans le crâne, tellement cela semble une sorte de préfiguration de la vie de bureau sinistre qui attend par la suite 80 % des gens (arghhh, j'ai connu ça moi aussi... Heureusement, pas plus de deux ans, après quoi je me suis fait éjecter en beauté du bahut, je n'ai même pas mon BAC, pour tout dire, figurez-vous, lol !) :

Autre subtilité fort bien cernée par Gus Van Sant (un "adulescent", sans doute, comme on le dit maintenant) : c'est à quel point l'on peut avoir du mal, à cet âge, à concilier la fréquentation des filles avec celle de ses meilleurs potes, autrement dit, la pure amitié avec les premiers émois sexuels, sans jamais pouvoir parvenir à harmoniser les deux (je rassure quand même tout de suite les plus jeunes qui me lisent, ça se calme vachement - heureusement - par la suite !) :

On s'amuse comme on le peut, n'est-ce pas ?

En théorie, je n'aurais pas osé en dire plus, sous peine de faire un gros Spoiler, mais étant donné que tout est quasiment dit dans la bande annonce que vous pourrez trouver à la fin de cet article, ma foi, je n'ai pas eu trop de scrupules à citer ce qui représente le drame "fondateur" de ce film :

Je ne vous en dis pas plus, bien sûr - sous peine de tout dévoiler et, du coup, de tout gâcher ! Mais par contre, plusieurs choses méritent vraiment d'être admirées sur le pur plan de la réalisation (curieusement en 4/3, alors qu'il devient désormais plutôt difficile de s'acheter une TV autre que 16/9), notamment, d'une part, l'immense "amour" très visible que Gus Van Sant semble porter à ses acteurs, et particulièrement au principal d'entre eux, Alex (magistral Gabriel Nevins, recruté grâce à un casting Internet, comme quoi... ça sert bien, finalement, ce petit média !) :

D'autre part, la façon très étonnante dont il a filmé ces très belles scènes de "pipe" (d'après ce que j'ai compris, avec une simple caméra super-8, mais tenue depuis un skate, ce qui explique la définition), en outre accompagnées d'une bande son très inattendue, allant de la musique "planante" au Country en passant (mais oui !) par la Neuvième de Beethoven, enfin bref, absolument pas ce que l'on s'attend à entendre dans ce genre de contexte :

Sans parler de la scène que tout le monde trouve la plus "bluffante" du film, celle où Jennifer (la copine d'Alex) lui reproche de ne plus coucher avec elle, tandis que l'on ne voit pas ses lèvres bouger, et que l'on n'entend pas le moindre son :

Certes, certes, certes... C'est brillant ! Mais ce le serait encore plus si Gus Van Sant avait été l'instigateur de la chose. Ce qui n'est pas le cas (arghhh, tout de même, il y a des avantages au fait de vieillir, très peu, sans doute, mais disons un tout petit peu, du moins), c'est que David Cronenberg avait déjà été le premier à utiliser cet étrange procédé en 1992 dans le très méconnu (à tort) Le Festin Nu, adapté de William S. Burroughs, où l'on pouvait à un moment entendre Ian Holm prononcer (en V.O) des paroles totalement indépendantes du mouvement de ses lèvres. Et pour en finir avec la sénescence, un truc que sûrement pas mal de "djeuns" n'auront malheureusement pas dû capter dans cette scène, c'est qu'en ce moment précis où Jennifer se lamente sur les trous de mémoire de son copain Alex, Gus Van Sant s'est fait un malin plaisir d'utiliser, comme par hasard, la musique de Nino Rota du sublime film Amarcord de Fellini (ce qui, en dialecte napolitain, signifie précisément : "Je me souviens")...

Je me souviens que, moi aussi, j'ai été un ado, au moins une fois dans ma vie (comme tout le monde, sauf qu'il y a des gens qui ont la mémoire courte, hélas)... Malheureusement, ça n'arrive qu'une seule fois dans une seule vie, et donc, c'est précieux, très précieux ! Adoncques, si vous me lisez et que vous avez moins de vingt ans : amusez-vous, profitez-en, créez, imaginez, tentez tout ce que vous avez envie de tenter, et aussi - bien sûr - baisez comme des malades, lol !!!

Allez, pour finir, la bande annonce officielle (qui, vous allez le voir, en dévoile beaucoup plus que je n'ai pu le faire, comme quoi...) :

Pour les vrais amateurs, une très bonne analyse de ce film atypique est également à voir ici, sur le Blog de Shangols, excellent site de cinéma au demeurant, mais que vous ne trouverez pas dans mes liens pour cause de "No Backlink" (et oui, sur Internet comme au téléphone ou par courrier - mais si, souvenez-vous, l'époque où l'on abattait encore de vrais arbres pour envoyer des trucs en papier aux gens ! - j'apprécie assez la plus élémentaire politesse, quel que soit le média) !

M'enfin bon, en guise de conclusion : restez ADOS, le plus longtemps possible !

Croyez-moi sur parole (encore que je n'aie pas trop à me plaindre du cours de ma vie, jusqu'à maintenant) : après, ÇA CRAINT DE TROP DE LA MORT DE SA RACE, QUOI !!!

Et petit P.S pour la route : à la demande générale (pour tout dire, ça commençait à me gaver moi-même, vu que ça parasitait grandement la lecture des bandes annonces), j'ai finalement désactivé le lancement automatique du Podcast du moment... Mais bon. Chacun étant libre de ses choix, rien ne vous empêche non plus de cliquer sur la touche "Start". C'est en option, désormais !

VIDEODROME (CRONENBERG)

2008-06-22T20:08:00.025Z

Ne pas se fier aux apparences (lol) !

Malgré sa couverture DVD digne des pires séries B (ce qui est d’ailleurs le cas de tous les premiers films du Maître, notamment Chromosome 3 et Scanners) :

Ce sixième long-métrage de David Cronenberg, sorti en 1983, est en réalité un pur chef-d’œuvre – sinon même SON chef-d’œuvre absolu, au sens où s’y trouvent déjà présents pratiquement tous ses thèmes de prédilection, qu’il s’agisse de dédoublement (Scanners, Faux Semblants, Mr Butterfly, Spider, A History of Violence), de réalité virtuelle (eXistenZ), ou bien sûr de son obsession favorite : la transformation du corps humain grâce (ou à cause ?) de la technologie (La Mouche, eXistenZ, Crash, et même Le Festin Nu, d’une certaine façon).
Pour faire une comparaison avec ce que je connais le mieux (le monde de la musique), il y a une infinité de façons de faire de l’Art, desquelles se détachent néanmoins ces deux tendances : d’un côté, les artistes jamais satisfaits qui passent leur vie à changer de style et de manière (Satie, Stravinsky) ; de l’autre, les artistes jamais satisfaits eux non plus (mais pour de toutes autres raisons), qui creusent et recreusent sans relâche le même sillon (Beethoven, Brahms, Bruckner, Mahler, etc.), et bien évidemment, je suis intimement persuadé que Cronenberg, tout comme Lynch, appartient à cette dernière catégorie, tant les éléments récurrents sont nombreux dans sa filmographie.
Ne serait-ce que, par exemple, son horreur des transitions inutiles vides de sens, qui trouve sa parfaite contrepartie dans le surinvestissement de la plupart des plans, à commencer par le seul générique :

Où déjà, quelque part, TOUT est dit (mais l'on ne s’en aperçoit vraiment qu’à la seconde vision du film) !
Difficile de parler de ce film sans faire un gros SPOILER, mais je vais tout de même essayer… tout au moins en en décrivant ses deux scènes réellement fondatrices, à partir desquelles tout le reste se développe. La première, celle où Max Renn, directeur de Civic TV, une chaîne de télévision marginale essentiellement axée sur le porno (fantastique James Wood, de même que dans Cop, c’est même à se demander pourquoi les castings ne lui ont pas plus souvent confié des premiers rôles ???), découvre grâce à son "ami" pirate une terrible émission de Snuff Movies (N.B : films SM non simulés, où les victimes ne sont pas censées être consentantes), qui ne va pas tarder à l’obnubiler complètement :

La seconde, où ce même Max Renn, lors d’un banal plateau TV, va se trouver confronté à deux des protagonistes les plus importants du film, le célèbre professeur et théoricien des médias, Brian O’Blivion (à noter, pour les latinistes, que ce nom n’a bien sûr pas été choisi au hasard, le verbe Obliviscor signifiant "oublier") :

Et la très belle et très sulfureuse Nicki Brand (Deborah Harry, la chanteuse du groupe Blondie, pour ceux qui se souviennent encore de cette époque) :

Si possible encore plus fascinée par le SM que lui, au point que leur première soirée au lit sera pimentée d’un certain nombre de choses qui, certes, n’amuseront pas forcément tout le monde :

Bref ! À partir de ce moment (où Max Renn va finalement découvrir que la fameuse émission de Snuff Movies ne provenait pas de Malaisie, mais tout bêtement de Pittsburgh), il va en fin de compte décider de faire sa propre enquête, pour découvrir ce très étrange endroit, une sorte de "resto du cœur" pour STF ("Sans Télévision Fixe", lol !), supervisé – comme par hasard – par la propre fille du professeur O’Blivion elle-même :

Là, c’est très exactement le moment précis où le spectateur lambda, qui jusqu’alors n’avait encore trop rien remarqué d’anormal dans la logique et la crédibilité du scénario, commence à se dire : "Mais putain, c’est quoi, ce film de ouf, avec des VHS qui semblent avoir une sorte de vie autonome ?" :

Des interrogations pour le moins prémonitoires (en 1983, imaginez ! Même si le film reste très inspiré par les théories de McLuhan, alors très en vogue à l’époque) :

Et surtout des télévisions qui vivent, qui parlent, et même qui séduisent :

Même 25 ans après, cette scène reste toujours cultissime… Au point que c’est le moment tout à fait approprié pour balancer une petite bande annonce (à noter, toutefois, que tous les passages d’animation ne figurent absolument pas dans le film de Cronenberg, et ont donc dû être rajoutés par des fans en mal d’imagination !) :

Incidemment, une influence dont j’ai très rarement entendu parler au sujet de Cronenberg (qui n’est d’ailleurs peut-être pas consciente, mais qui, pour ma part, me semble évidente), c’est celle de Salvador Dali, notamment concernant ces bizarres VHS molles et respirantes. Je me souviens pourtant parfaitement d’une expérience très étrange, que j’ai vécue en je ne sais plus quelle année (autour de 1984, je crois), lors d’une grande rétrospective Dali à Beaubourg, et où l’on pénétrait à un moment dans une pièce intitulée, justement, "salle molle et respirante", toute de noir tendue, et dont les murs oscillaient au gré du souffle, c’était génial, mais assez perturbant, en même temps…

Mais bon. Revenons-en au film, qui commence à devenir de plus en plus "barré" (mais aussi de plus en plus symbolique, et même onirique, au vrai sens freudien du terme, à quelque niveau de lecture que ce soit), au moment où Max Renn réalise que le professeur O’Blivion, qu’il croyait réel, ne consiste en réalité qu’en des milliers de VHS sauvegardées par sa fille – et pose donc la question cruciale, de plus en plus vraie aujourd’hui, surtout avec Internet : qu’est-ce qui est réel, et qu’est-ce qui ne l’est pas ? Voire mieux (ou pire) : à quel genre de choses sommes-nous prêts à accorder le qualificatif de "réel" ?

Bon. Très difficile de poursuivre (comme déjà dit au début) sans faire un énorme SPOILER. Je me bornerai donc à citer certaines des scènes les plus célèbres du film, à commencer par celle-ci, qui est bien sûr une préfiguration du pistolet en os qui tire des dents humaines que l’on découvrira avec stupeur dans eXistenZ (les deux seuls films, d’ailleurs, dont Cronenberg ait écrit intégralement le scénario, ce qui en explique sans doute les nombreux points communs) :

La télévision de plus en plus "vivante", ainsi que les VHS molles et organiques de plus en plus inquiétantes :

Et bien sûr, quelques scènes "Gore" absolues (just for fun, lol !), sans lesquelles un film de Cronenberg ne serait pas vraiment un film de Cronenberg, n’est-ce pas ?

Quoi qu’il en soit, le film se termine sans surprise exactement de la même façon qu’eXistenZ, avec comme toujours le dilemme entre la chair réelle, et celle qu’on suppose irréelle, mais qui peut parfois sembler plus réelle que la vraie :

Bon, voilà… J’arrive enfin au bout de cet article, que malgré tout j’estime tout de même un peu "léger", tellement il y aurait de choses à dire au sujet de ce film (de quoi ouvrir un Blog entier rien qu’à ce sujet, comme l’a d’ailleurs déjà fait quelqu’un que je connais, à propos du très complexe Mulholland Drive de David Lynch, avec carrément une analyse plan par plan, très subtile, en plus) !
Juste deux choses, en guise de conclusion… Vu sa date de sortie (1983), date à laquelle la moitié au moins des foyers n’avaient pas de télévision, il est proprement incroyable de voir à quel point ce film s'avérait prémonitoire, sinon visionnaire, surtout maintenant que nous connaissons tous des mômes pour qui la télécommande semble désormais faire partie intégrante de leur main, à l’instar du pistolet de Max Renn. Sans même parler de cette phrase du professeur O’Blivion, à une époque où Internet n’existait même pas en tant que concept, et où bien sûr, personne (sauf Cronenberg, justement !) n'aurait pu prévoir cette habitude désormais courante, d'avoir souvent plusieurs "pseudos" différents, dont aucun ne correspond à son véritable nom :

Et pour finir pour de bon : s’il y a une chose que David Cronenberg n’a pas (ou du moins assez peu, nul n’est parfait, n’est-ce pas ?), c’est le sens de l’humour. Mais j’ai beaucoup aimé ce joli petit passage (qui du reste m’a fait bêtement repenser à une phrase de Jacques Villeret dans Le Dîner de Cons : "Pour la grande lucarne, hein, pas pour la petite fenêtre !") :

Bon. C’est de l’humour à la Cronenberg, certes : c'est-à-dire que malgré tout, c’est surinvesti au niveau du sens (et l’autre David, Lynch, veux-je dire, est en gros capable de la même chose, notamment lors de la scène totalement déjantée de Mulholland Drive, où le réalisateur inonde tous les bijoux de sa femme d’un énorme pot de peinture rose, lol) !
En tout cas, achetez, louez, ou téléchargez ce film de toute urgence (tapez juste "videodrome vost" sur Emule, et c'est tout bon - j'ai vérifié) !
Non seulement un chef-d’œuvre de Cronenberg, mais un pur chef-d’œuvre du cinéma tout court, si vous m’en croyez !!!

Pour en savoir plus, je ne saurais trop vous recommander le magnifique livre de Serge Grünberg (Éditions des Cahiers du Cinéma), dont j'ai déjà parlé maintes fois en ces pages, non seulement pour la sublime qualité de ses photographies, mais aussi du fait qu'il s'agit essentiellement d'un livre d'entretiens avec le réalisateur lui-même - comme du reste tous les rares et splendides albums publiés dans cette collection (dont pour l'heure, je ne possède "que" Eastwood et Lynch, je ne sais pas vraiment s'il en existe beaucoup d'autres... Un Kubrick, peut-être) ???

X-FILES (BOWMAN)

2008-06-02T20:08:00.022Z

Et voilà : enfin du nouveau (oui, je sais, j'ai beaucoup tardé, sur ce coup, mais c'est pour moi la pire période de l'année, niveau boulot, alors soyez assez gentils de bien vouloir m'excuser) ! D'autant plus que là, sur ce coup, je pense qu'un certain nombre de mes fidèles lecteurs ayant une absolue confiance en mon soi-disant "bon goût" vont être relativement déçus, étant donné que je vais cette fois-ci vous parler d'un film qui, si je ne m'abuse, pourrait sans le moindre complexe se voir très facilement descendu par Junko dans son fameux Blog Les Films de Merde (très drôle, et souvent très juste, que je vous recommande vivement !) :

Et pourtant... J'ai toujours tellement eu un "faible" absolu pour cette série (surtout en V.O, la voix de David Duchovny étant tout simplement géniale, aucune comparaison possible avec le doublage français !), que malgré ses nombreux défauts, ce film m'a tout de même réjoui au-delà de toute attente, ne serait-ce que par son début néolithique assez "bluffant", il faut bien l'avouer :

Alors ensuite, c'est clair, se pose exactement le même problème qu'avec le sublimissime film de David Lynch (Fire, Walk with Me !), à savoir que les gens qui n'ont pas vu auparavant les deux ou trois premières saisons de la série en question risquent de ne rien capter du tout (par exemple, concernant le thème de la fameuse "huile noire") :

Petite note entre parenthèses (en tant que Webmaster du Blog Sneakers & Buffalos) : très franchement, une huile capable de niquer des NIKE aussi belles, ça devrait suffire à la rendre super suspecte, en résumé !

Bref ! On retrouve toujours (pour les amateurs) nos deux acteurs préférés :

Sauf que cette fois (et c'est très visible à l'écran !), on sent très bien que ce n'est plus du tout un budget de série, mais un vrai "hénaurme" buget de Blockbuster !!!

Quoiqu'il en soit, il y a de temps en temps dans ce film de sublimes trouvailles visuelles (vu que Rob Bowman, qui a grosso modo réalisé la plupart des meilleurs épisodes de la série, n'est tout de même pas la moitié d'un noeud, quoi...) :

Avec, comme d'habitude, son lot habituel de complots et de conspirations, toujours orchestrés par "l'homme à la cigarette", l'acteur William B. Davis (qui pour la petite histoire, n'avait été engagé au tout début - dixit Chris Carter - "que" pour fumer une cigarette, et dont le rôle s'est peu à peu étoffé au cours des saisons d'une façon impressionnante) :

Le plus beau passage du film réside sans doute dans la fameuse course poursuite au travers du désert :

Où là aussi le concept graphique se révèle très intéressant :

Sans même parler du coup de théâtre entomologique :

Qui va hélas nous priver de ce qui aurait pu être le seul et unique baiser entre nos deux chastes protagonistes (lol !) :

Avec cette grande question toujours d'actualité (que je me pose à chaque fois lorsque le Congrès rejette les lois visant à réduire les émissions de CO2, comme si tous ces députés n'avaient aucune descendance) :

Là où le film fonctionne le moins bien, finalement, c'est quand il commence à surfer sur la vague des "Aliens" (tout comme Indépendance Day, d'ailleurs), et bien sûr, c'est d'un ridicule achevé, l'authentique Alien étant un film tellement parfait que toute tentative de copie se révèle d'avance vouée à l'échec :

Heureusement, l'ultime séquence rattrape un tout petit peu les choses, en s'avérant très impressionnante (bien qu'entièrement en images de synthèse) :

Ce qui permettra d'embrayer directement sur la saison IV sans la moindre justification, puisque celle-ci est en quelque sorte donnée en conclusion du film :

Alors bon. Je ne vais certes pas hurler au chef-d'oeuvre, vous vous en doutez... Mais pour les fans de la série (dont je suis !), ça fonctionne plutôt bien, on en a pour son argent, et l'on passe somme toute un agréable moment, appuyé par des effets spéciaux de grande qualité et un budget plus que conséquent !

Du reste, pour les vrais fans, à noter qu'un second film (réalisé cette fois par Chris Carter) sortira sur les écrans fin juillet 2008 !

P.S : Et s'il y a des films que vous ne trouvez pas ici, dans l'index situé au tout début (ce qui serait assez logique, somme toute, non seulement je ne suis pas un surhomme, mais en plus, ce Blog est très jeune !), rien ne vous empêche d'aller chercher sur l'excellent site de La Lanterne, que je viens tout juste de rajouter dans mes liens !

MARIE ANTOINETTE (S.COPPOLA)

2008-04-12T20:08:00.036Z

Après Lost in Translation...

Voici Marie Antoinette, le dernier film de Sofia Coppola, plutôt assez mal accueilli par les critiques français à sa sortie, et l'on se demande bien pourquoi, vu qu'il s'agit à mes yeux d'une pure splendeur, ce dont la bande annonce rend déjà bien compte (mais il ne faut pas sous-estimer la part du chauvinisme, dans cette réaction !) :

(Petit rappel au passage : contrairement à notre site national Dailymotion, la manipulation pour accéder au "plein écran" sous Youtube est un tout petit peu plus complexe... Avant même de lancer la vidéo, il faut donc cliquer une (ou deux) fois sur le Logo Youtube en bas de l'image, puis, une fois sur le site, sur le dernier Logo en bas à droite, en forme d'écran... et ensuite, "Echap" pour revenir à l'écran d'origine, voilà !).

Pour une fois, personne ne m'accusera en tout cas d'écrire un article "Spoiler", puisque comme dans le cas de la Passion du Christ de Mel Gibson, tout le monde connait déjà la fin (il est donc assez peu probable qu'il y ait une "sequel" en préparation, genre Marie Antoinette : le Retour, lol) ! En tout cas, vu la complexité du sujet, je vais diviser ce Post en plusieurs parties : 1) l'aspect historique 2) le point de vue de la Reine 3) le point de vue du cinéphile, et pour finir, 4) les implications politiques et artistiques, bien évidemment très vastes...

1) Dans la digne lignée de Virgin Suicides (son premier film), il est clair que ce qui a au premier chef inspiré Sofia Coppola dans cette tragique histoire, c'est avant tout le développement d'une personnalité à l'âge magique de l'adolescence, déjà accablée à 14 ans d'une foule de pressions justifiées par la raison d'état, afin de rapprocher les dynasties des Bourbons et des Habsburgs. Tout ceci à une époque où l'on concluait les mariages sur la base d'un simple portrait :

Où l'on devait se résoudre à tout laisser derrière soi :

Y compris le moindre vêtement qui puisse encore rappeler l'ancienne cour, au gré d'une scène particulièrement humiliante (même si tout ceci se passe dans l'or et la soie, ce qui n'est pas le moindre des paradoxes) :

Avant d'avoir la surprise de découvrir son nouvel époux :

À ce propos, il faut d'ailleurs noter que si l'on a unanimement salué la performance radieuse et rayonnante de Kirsten Dunst, l'acteur Jason Schwartzman n'en est pas moins absolument parfait dans un rôle beaucoup plus ingrat, celui de ce roi chaste, timide et renfermé, à peine âgé de deux ans de plus que son épouse...

Vient ensuite la débauche de fêtes versaillaises, à l'occasion du mariage, tout entier placé sous le signe de l'illusion :

Puis, très vite, de la désillusion, la pauvre Dauphine s'éveillant seule (et vierge ?) chaque matin, juste le temps de contempler le Dauphin engranger des forces, avant de partir à la chasse, l'abandonnant à son "triste" sort la moitié de la journée :

D'où ce début de révolte, Marie Antoinette se sentant de plus en plus seule et abandonnée au milieu d'une cour réglée par l'étiquette la plus stricte, et qui ne voit en elle que "l'Autrichienne" :

Ambiance qui, certes, ne va guère s'arranger après les festivités du sacre, quelque somptueux que celui-ci ait pu être :

Et pendant que la Reine se livre à sa petite révolution de palais, une autre, bien plus grave, couve dehors (6 octobre 1789)....

D'un second point de vue, et c'est surtout sur ces aspects que se concentre le film, c'est la façon dont toute cette existence de luxe, les leçons de musique, les toilettes, et même les premiers bains (!), va finir par lasser Marie Antoinette outre mesure :

Parce que c'est bien joli de se réveiller chaque matin devant l'un des plus beaux panoramas du monde, certes :

Mais à quoi bon, si l'on ne peut pas y passer de bons moments avec ses amis sans avoir à subir en permanence toute la pression de la cour ? Et voici comment Marie Antoinette persuada Louis XVI de lui construire le Petit Trianon :

Où désormais tout, ou presque, va lui être permis (ou plus exactement, où elle va petit à petit tout se permettre) :

Voire même un peu plus de libertinage que l'on est en droit d'en attendre de la part d'une Reine (encore que ceci ne soit que rumeurs, jusqu'à présent) :

Enfin bref... Toutes choses que vous connaissez sans doute plus ou moins, si vous n'avez pas trop dormi pendant les cours d'histoire à l'école !

De la sorte, on peut toujours se dire que là où Sofia Coppola introduit quelques grains de sable dans le genre bien "figé" du cinéma historique, c'est peut-être finalement là où elle rend le mieux justice à l'esprit de la Reine, refusant de se laisser classer ou enfermer dans un rôle, une cour, une étiquette... Entre autre avec cette succession de plans complètement allumée, lorsque Marie Antoinette hésite entre l'une de ses nombreuses paires de chaussures (tout comme Buffaddict, lol !) :

Et donc, pour une fois : vive les Converse, dans un tel contexte ! Pour être honnête, il faut bien avouer qu'il ne s'agit là que d'un unique plan d'une seconde parmi des milliers d'autres, tous aussi respectueux de Versailles et de la vie de la cour qu'il ne l'est humainement possible (à noter, d'ailleurs, qu'à cette occasion, Sofia Coppola a réussi a décrocher l'autorisation unique de filmer à Versailles même, ce qui n'est accordé qu'au compte-gouttes par la conservatrice du château !)... Mais sans doute la réalisatrice attachait-elle une certaine importance à ce plan "provocateur", puisqu'il figure en insert "rose" sur la jaquette verso du DVD, et que c'est même la première chose qui m'a surpris quand je l'ai reçu (clic, clic !) :

Et entre autres belles trouvailles, la façon extrêmement pudique de Sofia Coppola d'évoquer la mort de l'un des enfants de la Reine, Louis de France, uniquement par le retrait d'un tableau, et son remplacement par un autre moins peuplé :

Bref ! Quoi qu'il en soit, c'est du très beau cinéma, très documenté, mais aussi très personnel, qui rejoint ainsi sans effort mon propre panthéon des plus beaux films historiques jamais tournés : Barry Lindon, Vatel, Tous les matins du Monde... Et pour conclure, l'ultime plan (bon, là, je vous avais prévenu : je vais m'engouffrer par la suite dans des discussions politiques à la con, et en plus sans la moindre image, donc, la plupart des gens raisonnables ne diront pas qu'ils n'auront pas été prévenus, lol) ! :

Autrement dit, l'état dans lequel le peuple a laissé Versailles après les évènements que l'on connaît, ce qui soulève bien sûr de très vastes questions, à commencer par celle-ci : "l'Art est-il fait pour le peuple ?" Sans doute, c'est une option (dans le meilleur des mondes), mais l'on devrait plutôt se demander, à l'inverse : "Tout le monde est-il fait pour l'Art ?"... Et là, contrairement à ce qu'a soutenu en 1981 un soi-disant ministre de la culture ultra démagogue, le tristement célèbre sieur J.L*** (pourrissant ainsi la vie de générations d'enseignants dans les disciplines artistiques), il est bien évident que la réponse est : NON !

Jetez juste un oeil sur le programme TV, rien n'a changé depuis quarante ans (sinon en pire) : pour ratisser large, mieux vaut Vidéo-Gag que le Caravage, mieux vaut Perdu de Vue qu'une émission historique d'Arte, mieux vaut Indochine que Beethoven. Je vous renvoie donc à ces phrases magnifiques que profère Clint Eastwood - dans le rôle d'un professeur d'Art, justement - à la fin de La Sanction (1975, un pur chef d'oeuvre, soit dit en passant) : "Si nous n'avons appris ici qu'une chose, c'est que l'idée que l'Art appartient au monde entier est idiote. L'Art appartient aux gens cultivés capables de l'apprécier... La grande majorité des gens ordinaires n'en fait nullement partie !" (quatre plans magnifiques, à retrouver tout à fait à la fin de mon article sur ce film, The Eiger Sanction).

Alors certes, ceci peut sembler un tantinet élitiste ou provocateur - et d'ailleurs, ça l'est, d'une certaine façon, ceux qui prétendent le contraire sont des hypocrites, des aveugles, ou... des démagogues ! D'aucuns m'opposeront sans doute le fait qu'à cette époque, le peuple manquait cruellement de pain (tout le monde sait pourtant, de nos jours, que la fameuse phrase : "Qu'on leur donne de la brioche !" est absolument apocryphe, inventée de toute pièce par J.J.Rousseau à des fins de propagande !), mais ce n'était sûrement pas à cause des frasques de la Reine, budget sans doute pharaonique vu d'un certain point de vue (tout comme aujourd'hui, celui de l'Élysée), mais en réalité absolument ridicule par rapport au budget global de l'état - on est là en réalité très, très loin de Nicolas Fouquet, qui détournait à lui tout seul pas loin de 80% des impôts (ce qui ne lui a pas très bien réussi non plus, du reste, lol) !

N'oublions tout de même pas - juste histoire de relativiser - que notre si admirée Révolution Française (on se demande d'ailleurs bien pourquoi, à part prouver une fois de plus qu'on est toujours plus doués pour râler que pour discuter calmement) a fait à elle toute seule plus de morts (concitoyens, en plus !) que les quatre guerres réunies du règne de Louis XIV ! Et n'oublions pas non plus (et là, je parle de ce que je connais vraiment !) que si nos confrères d'Outre-Rhin peuvent toujours s'enorgueillir, à juste titre, d'une tradition absolument ininterrompue, allant de Bach à Schönberg en passant par Mozart, Beethoven, Schubert, Mendelssohn, Schumann, Brückner, Brahms, Mahler, Strauss, notre soi-disant "tradition" à nous saute directement de Rameau, le "baroque" (1683-1764) à Berlioz, le "romantique" (1803-1869), sans la moindre solution de continuité !

Bon. Je m'arrête là, car (tout le monde l'aura compris), c'est une période de l'histoire de France que je déteste, un bain de sang sans précédent et un recours perpétuel aux tribunaux d'exception que seuls, peut-être, les nazis ou les Ceaucescu auront réussi à surpasser, et surtout une période de bêtise et d'inculture absolue, presque digne, elle, des Khmers Rouges ! Quelque part, en résumé, quand on parle des droits de l'homme, comme c'était encore le cas très récemment au sujet des jeux olympiques, et que l'on a la curiosité de regarder un tout petit peu en arrière, et bien moi je dis : franchement, il n'y a pas de quoi être si fiers que ça, quoi... Sachons faire le ménage devant notre porte, avant d'aller critiquer les autres !

En tout cas (c'est l'essentiel, du moins sur ce Blog), ceci n'enlève rien à la beauté, mieux, même, à la somptuosité de ce film, que je vous conseille vivement de toute urgence !!!

Enjoy !

THE KING OF NEW YORK (FERRARA)

2008-03-27T20:08:00.026Z

Attention, chef-d'oeuvre !

L'un des tout premiers films du sulfureux Abel Ferrara (1990, soit trois ans avant le cultissime Bad Lieutenant), et très curieusement visible en France trois mois avant sa sortie U.S.A, habitude que Ferrara conservera pour tous ses films suivants. L'histoire de Frank White, un gangster tout juste sorti de prison (magistral Christopher Walken !) :

Et qui malgré sa fortune et ses goûts de luxe, n'en conserve pas moins une certaine "moralité", et va donc en profiter pour bien "remettre les pendules à l'heure", comme on dit :

Alors évidemment, le sujet ne brille pas par son originalité, mais, mais, mais (c'est bien pour ça que j'entretiens ce Blog de cinéma, histoire de faire contrepoint aux résumés laconiques d'Allociné !)... le traitement s'en avère tellement personnel et original, que cela finit par devenir le genre de film culte que l'on peut regarder 50 fois sans ennui, rien que pour le plaisir de se retrouver immergé dans l'ambiance absolument hypnotique créée tout à la fois par Abel Ferrara, la musique ultra-planante de Joe Delia (en alternance avec du bon rap qui tue de la mort, lol !), et la sublime photographie de Bojan Bazelli (le directeur photo attitré du réalisateur), d'ailleurs nominé pour ce film aux Independent Spirit Awards de 1991, à juste titre !

Sans parler d'une brochette d'acteurs tous plus excellents les uns que les autres (et d'ailleurs, à l'époque, pas si connus) : Christopher Walken, bien sûr, d'une présence absolument magique durant tout le film, mais aussi Laurence Fishburne, Wesley Snipes, Steve Buscemi, David Caruso, et bien sûr Victor Argo, qui joue dans presque tous les films de Ferrara (dire que de nos jours, il faudrait un budget absolument pharaonique pour réunir une telle pléiade !)...

Là où l'histoire se complique un peu, c'est que le Frank White en question n'est pas tout à fait un gangster ordinaire. Certes, il gagne des millions grâce au trafic de drogue (sous l'argument facile, certes, mais honnête, que même lui mis en prison, ce trafic continuera de toutes façons à prospérer), mais ses ambitions vont bien au-delà :

Bon. Comme tous les grands réalisateurs du circuit, disons, "underground" (Cronenberg, Lynch, Tarentino, etc.), Ferrara possède ses propres "tics", que l'on retrouve pratiquement dans toutes ses oeuvres, mais après tout, les amateurs aiment ça, donc, pourquoi s'en priver ? Autrement dit, dans tout film de Ferrara, il y a forcément (au moins) une madone :

Forcément du cul (et encore, là, c'est plutôt gentil par rapport à Bad Lieutenant !) :

Et forcément des "cartons" monstrueux :

Voire, plus étonnant, l'idée toujours présente de la rédemption (le thème fondateur du fameux Bad Lieutenant), tout comme lors de cette scène hallucinante dans le métro, où plutôt que de réagir à la violence par la violence, Christopher Walken préfère offrir un paquet de dollars à ses agresseurs, en leur proposant de travailler avec lui :

Encore plus étonnant : voyant que le maire ne fait rien, et constatant la dérive financière du plus grand hôpital de Harlem, Frank White décide de se dévouer entièrement à cette tâche :

Ce pourquoi, après avoir ratiboisé en bonne et due forme toute la mafia colombienne et sicilienne, il décide d'exterminer avec une froide logique le dernier groupe gênant, les chinois de Chinatown (savoureuse rencontre autour du mythique Nosferatu, et également très gros "carton" à la clef !) :

En parallèle, il y a bien sûr le groupe des flics (David Caruso, Wesley Snipes, Victor Argo), qui, dans un sens, abusent de méthodes presque pires - et en tout cas plus illégales - que celles de Frank White :

Mais juste avant la fin (que je ne vous dévoilerai pas, tout de même), c'est cette ultime confrontation entre Christopher Walken et Victor Argo qui délivrera la vraie morale du film (encore une fois, très proche du beaucoup plus complexe Bad Lieutenant, qui lui succédera trois ans plus tard) :

Ce qui reste fascinant dans ce film, et qui fonctionne pour une fois très bien, c'est le brouillage de toutes les pistes : Frank White est le "vilain méchant" à qui tout le monde veut faire porter le chapeau, mais qui s'avère en réalité plutôt humaniste et mécène, par certains côtés (en tout cas, bien plus que les flics, qui sont ici dépeints de la façon la plus noire possible). Au niveau visuel, on navigue sans arrêt entre le luxe de l'hôtel Plaza, son Dom Pérignon et ses putes pas données (sûrement), et des squats de la pire espèce, tagués du sol au plafond, et bourrés d'à peu près tout ce que l'on peut imaginer en matière de drogues. Quant à la bande-son (comme déjà dit), elle alterne avec un subtil dosage la partition originale pour cordes de Joe Delia, avec certains des titres rap les plus violents et les plus connus. Et donc : un mélange tel que celui-ci, ce n'est pas DU TOUT facile à réussir !

Et vraiment, du moins à mon sens, c'est splendide, envoûtant, fascinant, bref, les mots me manquent pour décrire ce film magique à plus d'un titre... Adoncques, juste une petite madone proche de la fin du film (dont je ne vous dirai rien, bien sûr, mais qui, encore une fois, est très voisine de celle de Bad Lieutenant) :

Enjoy !

LOST IN TRANSLATION (S.COPPOLA)

2008-03-22T20:08:00.023Z

Et bien voilà... Après avoir publié à la suite quatre articles sur des road-movies tous aussi excellents les uns que les autres, il était temps de passer à autre chose (si l'on peut dire, puisque le thème du voyage y est tout de même très présent), avec ce sublimissime film de Sofia Coppola, mais oui, la propre fille du mythique réalisateur d'Apocalypse Now (qui fort heureusement a dû hériter du physique de sa mère, lol !). Un pur joyau, tout en subtilité et en tendresse, narrant l'improbable rencontre entre un acteur sur le retour et une jeune femme délaissée par son mari, encouragés en cela par l'étrangeté absolue du lieu pour les occidentaux (Tokyo), ce qui autorise tous les débordements. Petite bande annonce (très bien faite, au demeurant) :

Je dois dire ici que c'est un film qui me touche énormément, pour des tas de raisons : d'une part parce que pas très loin de la cinquantaine, j'ai moi-même beaucoup plus d'amies de moins de trente ans que de mon âge ; et surtout parce qu'étant allé cinq fois au Japon, j'ai connu et expérimenté à peu près toutes les sentations d'étrangeté que l'on peut ressentir dans ce pays complètement schizophrène, qu'il s'agisse de l'agression permanente des néons et de la publicité (et encore, vous n'avez pas le son !) :

De la sentation subite d'être un géant :

Ou encore des difficultés à se repérer dans cette ville immense et tentaculaire (la troisième du monde, je crois, après Mexico et Los Angeles), où en plus les gens n'écrivent même pas avec de VRAIES LETTRES bien de chez nous :

Avec pour inévitable résultat la sentation, au bout d'un laps de temps plus ou moins long, de se retrouver d'un seul coup complètement largué (enfin, "déboussolé" serait encore plus exact), et ceci de façon d'autant plus certaine qu'en apparence, la plupart de nos repères de "citadins occidentaux" sont préservés :

Là, il faut bien dire que Sofia Coppola a décrit cette très étrange sentation avec une rare justesse, surtout qu'elle a choisi de nous la faire vivre au travers de deux êtres en plein marasme, une jeune fille en pleine dérive amoureuse (fantastique Scarlett Johansson !) :

Et un acteur en pleine dérive existentielle (non moins fantastique Bill Muray, relativement à contre-emploi), tout autant ennuyé par les lettres ou les coups de fil de sa femme sur des sujets dont il n'a rien à foutre :

Que par sa présence au Japon à cause d'un job qui l'emmerde profondément (une pub pour le whisky Suntory) :

Surfant, donc, sur la douce vague de l'ennui et du détachement (thème de très nombreux films des frères Coen), ces deux personnes pas tout à fait très bien dans leur peau vont finir, sans même se trouver des millions de points communs, par trouver plutôt sympa de passer du temps ensemble, et là encore, c'est très bien vu. Car sait-on jamais vraiment ce qui fait que l'on se sente bien (ou pas) à passer du temps avec telle ou telle personne plutôt que telle autre ?

En tout cas, moi, je ne me ferais pas longtemps prier pour passer du temps avec ladite Scarlett (bon, il faut que j'arrête de rêver, un de ces jours, lol !)... Car très curieusement, cette fille qui n'est pas immensément photogénique sur les portraits fixes se révèle en "live" d'une stupéfiante beauté, qui plusieurs fois manque de nous tirer les larmes, tellement son expression semble sincère, naturelle, et pleine de vie :

D'ailleurs, à propos de beauté, il est aussi assez rassurant de constater que Sofia Coppola n'a pas fait l'économie de quelques plans assez sublimes sur le Japon traditionnel, comme par exemple les "Omikujis" (御神籤, souhaits que l'on noue et que l'on attache ensuite à des branchages dans les temples shintô) :

Ou encore ce joli mariage, qui par la pureté et la chasteté de ses gestes, semble comme une mise en abîme de la relation qui va unir Bill Murray à Scarlett Johansson :

C'est bien pour cela que je parlais, dès le début, de schizophrénie (ou tout du moins, de ce qui nous semble tel à nos yeux d'occidentaux). Car ce fameux hiatus entre tradition et modernité - qui ne semble en être un que pour nous, d'ailleurs - apparaît présent tout au long du film, ne serait-ce qu'en alternant la séquence d'Ikebana :

Avec ce qui est probablement la télévision la plus "trash" du monde, quand elle s'y met (et pourtant, j'ai été à bonne école avec la RAI !) :

Bref, un film magnifique (ce n'est jamais que la dixième fois que je le dis), à louer ou à acheter de toute urgence !

Et l'ultime séquence (là encore particulièrement bien vue, dans sa compréhension de la psychologie des personnages, tous deux suffisament intelligents pour comprendre que malgré toute l'attirance qu'ils éprouvent l'un envers l'autre, ce ne serait pas forcément une très bonne idée de pousser les choses un petit peu plus loin) :

D'où ce très chaste baiser, l'acte "sexuel" le plus osé qu'ils finissent par s'autoriser de façon fugitive (quelque part, c'est donc aussi assez proche de In the Mood for Love de Wong Kar Wai) :

Dans l'espoir que ceci ne soit pas, à long terme, censuré par Youtube (cela arrive souvent !), je ne résiste pas au plaisir de vous livrer la dernière scène dans son intégralité (préparez les Kleenex !) :

Que dire de plus ? Ah si ! Cette jeune fille très douée (il faut dire qu'elle a de qui tenir, aussi, ne s'appelle pas Coppola qui veut !) a également à son actif le très intriguant Virgin Suicides, son tout premier film, ainsi que l'assez controversé, mais tout aussi fascinant Marie-Antoinette.

Et dans la foulée : merci à l'excellente flûtiste Isabelle, qui m'a régalé de ce joli cadeau pour mon anniversaire !

EASY RIDER (HOPPER)

2008-01-04T20:08:00.001Z

Un chef d'oeuvre absolu (1968) !

Certes, sans doute peut-être un tout petit cran au-dessous de cet autre chef d'oeuvre - incontournable - de la même année (2001, A Space Odyssey), mais tout de même : maximal respect, là, envers ce réalisateur/acteur brillant dont c'était le tout premier film, et qui fait ici preuve non seulement d'une extraordinaire maîtrise technique, mais aussi d'une énergie et d'une audace incroyables. J'ai nommé, le grand MONSIEUR :

Entouré d'un acteur alors en pleine gloire (merci la famille !) :

Et aussi d'un petit jeune de 31 ans beaucoup moins connu, à part quelques petits rôles dans l'atelier du célèbre Roger Corman (notamment La Petite Boutique des Horreurs, 1960) :

Mais qui fait déjà preuve ici de son légendaire sourire carnassier, et de son non moins légendaire charisme, qui lui vaudra quelques années plus tard d'accéder à la stature de star mondiale que l'on sait, grâce notamment à Chinatown de Roman Polansky (1974), et au célèbrissime Vol au-dessus d'un Nid de Coucous de Milos Forman (1975) :

Alors certes : trois acteurs magnifiques, convaincants et inspirés, mais qui ne peuvent définitivement pas lutter avec les deux VRAIS héros du film, le premier étant la mythique moto "chopper", filmée avec complaisance et amour sous tous les angles possibles et inimaginables :

Le second étant bien évidemment la nature (la "mère" nature), la plus sublime chose à voir en ce bas monde, comme chacun sait :

Alors bon. Pour ce qui est du "pitch" (qui n'est point un roman de Philip K.Dick, certes), ça se résume plutôt rapidement : deux braves allumés, bientôt accompagnés d'un troisième (Jack Nicholson) décident de tailler la route à bord de leurs superbes motos "customs", ce qui au début se passe plutôt très bien, même au niveau de la confrontation entre citadins/paysans, le "chopper" étant aux uns ce que le cheval est aux autres, avec même une sorte de compréhension et de respect mutuels plutôt sympathique :

Bien sûr, on finit (forcément) par arriver dans ce qui était la grande mode à l'époque, ce qu'on appelait une "communauté" (putain, même moi, j'ai connu ça dans les années 80, ce genre de groupes un peu zarbis où se passait tout ce qui voulait bien se passer, et la plupart du temps à poil, bien sûr - vu que le SIDA n'avait pas encore été inventé, lol !) :

Bien que tout jeune réalisateur (32 ans !), Denis Hopper semble avoir tout de suite compris l'impact que certains plans pouvaient avoir pour marquer une vraie rupture au milieu d'un film... Tel ce plan génial et fracassant sur l'hélicon (et hélas, je ne peux pas vous mettre le son avec, sniff !), qui à lui seul dit tout sur la bascule, quelque part, de l'antique Amérique "paysanne" (mais chevaleresque, malgré tout), à la nouvelle Amérique, vulgaire, peureuse, et intolérante :

Car au bout d'une petite heure, là, ça commence tout de même à salement tourner au vinaigre (même si ce n'est, pour l'instant, plus en paroles qu'en actes) :

Ultime scène avec Jack Nicholson (dans le film, un fils à papa très riche, mais néanmoins avocat pour la défense des droits civiques), qui va se faire peu de temps après massacrer en pleine nuit par les deux connards précédents :

Et c'est là toute la grande dialectique du film, qui trouve l'un de ses premiers points d'apogée lors de cette hallucinante scène dans un bordel de la Nouvelle Orléans (filmée de telle sorte que l'on ne sache finalement jamais s'il s'agit d'une église ou d'une maison close, imaginez un peu la provocation, en 1968 !!!) :

Scène totalement mystique, quelque part, et qui indique presque, en un certain sens, la dimension que va prendre le film dans ses dernières vingt minutes, parfois soulignée avec insistance :

Et parfois (peut-être à titre expérimental) d'une façon très légère, tel ce plan subliminal de moins d'une seconde - presque impossible à capter, sinon avec la pause du DVD, garanti ! -, l'agneau sacrifié, l'agneau immolé pour expier les péchés de tous les autres, bref, l'Agnus Dei revisité façon XXème siècle :

Comme on le sait, sexe et religion ne font (normalement) pas très bon ménage, mais bon... Dennis Hopper avait déjà fait assez fort avec la précédente scène très ambigüe du bordel, mais alors là, dans la presque fin du film, il explose définitivement tous les codes, avec les deux couples baisant à couilles rabattues dans le cimetière en plein trip de LSD, de la folie pure, à l'époque :

Bon. Les images, c'est bien. Mais dans ce cas précis, la vidéo, c'est obligé, c'est mieux, c'est clair... Donc, prenez juste un chtit acide, et puis planez, quoi (ah non, merde, j'avais oublié, on est en 2008, là : la drogue, c'est OUT, l'alcool, c'est pas loin de l'être, et en plus, on n'a même plus le droit de fumer dans les cafés... Donc, en résumé : on va vivre vachement plus longtemps (paraît-il), mais ça va nous paraître très nettement plus chiant, ça, je peux vous le garantir !) :

Bref ! La meilleure solution, c'est encore celle-ci, finalement :

Supprimons les fumeurs, les buveurs, les drogués, les alcooliques, les marginaux, les artistes, les SDF, les noirs, les jaunes, les arabes, les pauvres, etc... Et voilà : le monde en sera tellement plus glamour et plus beau, c'est clair !

Moralité (Hopper l'avait déjà bien compris en 1968, et 40 ans plus tard, je serais toujours plutôt assez partisan de son point de vue, lol !) :

Putain... Si seulement on pouvait s'offrir le vrai luxe de faire ça, de POUVOIR faire ça, ah là là (je ne vous raconte même pas la jouissance, là)...

En résumé : un pur chef d'oeuvre, un hymne à la liberté et à la nature (auquel le randonneur invétéré que je suis ne peut évidemment rester insensible !), bref, un film qui se regarde tout seul, avec nostalgie, certes, pour tous ceux qui ont connu cette époque bénie, mais sans doute aussi avec curiosité et (peut-être) enthousiasme de la part de tous ceux qui n'ont connu que les éthylotests, les préservatifs, et les interdictions de fumer à peu près partout...

Un film qui se regarde tout seul, donc (comme dit précédemment), mais qui en plus ne s'écoute aussi pas mal, jetez juste un petit coup d'oeil au casting de la BOF, ce n'est pas vraiment de la "petite bière", là, comme on dit :

Bonne année 2008 à toutes et à tous (avec tous ces préceptes en tête, cooooooool) !!!

VANISHING POINT (SARAFIAN)

2008-01-02T20:08:00.002Z

Ou encore, en bon français :

Le type même de DVD tellement catalogué "série B", que non seulement les éditeurs peuvent se permettre d'en massacrer la couverture (voir, à ce sujet, les jacquettes de Vidéodrome ou de Dead Zone de Cronenberg !), mais en outre de le brader à quelques Euros, pour notre plus grand bonheur. Encore une fois, un Road Movie presque aussi culte que le très fameux Easy Rider sorti trois ans auparavant (bien qu'avec une approche et une philosophie quelque peu différentes, même si la nuance peut paraître subtile de prime abord), qui se déroule dans un cadre grandiose, occupant à lui tout seul presque la moitié des Etats Unis :

Comme dans nombre de grands films, aucune des quelques images-chocs du début n'est bien sûr laissée au hasard, qu'il s'agisse de la prémonition finale :

D'un résumé abyssal sous fond de No Man's Land et de cimetière de voitures :

D'un (inutile) avertissement :

Ou encore, de la gueule hallucinée de Kowalski (Barry Newman), qui traverse tout le film avec ce très étrange regard absolument "au-delà", complètement désenchanté, comme s'il n'en n'avait plus rien à foutre de rien (ce qui, en l'occurence, est d'ailleurs le cas) :

Alors bien sûr, de prime abord, les points communs avec le précédent Easy Rider semblent sauter aux yeux, des monstrueux "cartons" aux fameux "choppers", en passant - bien sûr - par la seule drogue envisageable dans ce contexte :

Sans même parler des petits plans bien "assassins" sur l'Amérique rurale et très bien-pensante, que l'on retrouvera par la suite très souvent chez David Lynch :

Et pourtant... Bien des choses séparent en réalité ce film (1971) de son aîné Easy Rider, car en l'occurence, le héros reste ici un solitaire endurci, dont la quête n'est absolument ni communautaire ni mystique, à peine soutenue (et encore, sans l'avoir jamais demandé) par cet improbable DJ aveugle de la radio KOW, inspiré - pourquoi pas, allez savoir ? - par la grande idole de l'époque, Monsieur Stevie Wonder :

Contrairement à Denis Hopper et Peter Fonda, Kowalski n'est pas "en quête", mais plutôt "en fuite" de quelque chose, une sorte de fuite en avant où il lui faut oublier son passé de motard raté :

Son passé de pilote raté (bien que tout le monde prétende qu'il reste toujours "the best of the best") :

Et même son passé de flic raté - raté parce que trop intègre (arghhh, revoir Serpico, ça me dirait bien, là...) :

Toutes choses que l'on ne découvre que par "flashs" de façon totalement allusive, et qui malgré tout ne réussissent jamais à nous faire oublier la pure jouissance solitaire du héros face à la toute puissance de la nature (et là, bien sûr, il y a une vraie communauté d'esprit avec Easy Rider, c'est évident) :

Même quand il s'agit de la "nature" au sens le plus large du terme (comme c'était encore couramment le cas durant les années 80-85, parole de Vincenttheone !) :

Cependant, là où le film s'avère très original, surtout pour l'époque (1971), c'est dans cette sorte d'improbable coalition entre l'appétit de liberté, la pure jouissance de la vitesse, et cette sorte de course à la mort librement consentie, seulement soutenue par l'improbable DJ de la radio KOW (d'ailleurs rebaptisée KOWALSKI pour l'occasion !) :

Bon. Tout le monde l'avait pensé très fort : "N'y va pas !" :

Mais rien à faire ! Il y ira tout de même, sachant en toute conscience à quoi cela le conduira inexorablement :

Bien plus impressionnant en vidéo (puisqu'on peut se permettre - jusqu'à quand ? - ce luxe) :

Bref ! Un film magnifique, malgré son tag "série B", à voir absolument (ça doit d'ailleurs se trouver sur la mule sans problème, ça, je pense, ou même chez les soldeurs pour moins de 5€...), et qui quelque part, sonne déjà comme une vraie prémonition du totalement déjanté Crash de David Cronenberg, dont je n'ai hélas pas encore fait la chronique (mais rassurez-vous, ça va bien finir par venir, bien sûr, un de ces quatre) ! Comme le conclut l'excellent Dictionnaire du Cinéma de Jean Tulard (Robert Laffont) : "Trop personnel, ce Sarafian : le succès l'a boudé, mais il faudra bien lui rendre justice un jour."

Enjoy !

HONKYTONK MAN (EASTWOOD)

2007-12-30T20:08:00.000Z

Encore un chef d'oeuvre du maître...

Sorti en 1982 juste après l'excellent et très spectaculaire Firefox, un film qui marque de nouveau un complet tournant dans l'oeuvre d'Eastwood, rejoignant en cela ces Opus plutôt intimistes que sont Breezy, Bird, et bien sûr le cultissime Sur la Route de Madison ! En résumé, un magnifique road-movie sur fond de grande dépression, mêlant dans une belle harmonie trois générations : Clint, alias Red Stovall (un musicien de Country atteint par la tuberculose, et proche de sa fin), Whit, son neveu âgé de 14 ans (Kyle Eastwood, son propre fils, en réalité), et le beau-père de 75 ans, superbement interprété par John McIntire.

Admirez au passage le sublime générique début, où en quelques images, tout est dit, qu'il s'agisse du triste et pauvre "background" paysan de ces années noires :

De l'hommage au maître vénéré, Sergio Leone (petite citation de la fameuse scène d'ouverture de Il était une fois dans l'Ouest) :

Ou encore, des deux thèmes principaux du film, l'enfance, la filiation et le devoir de transmission :

Et, bien sûr, la musique :

L'histoire, plutôt simple, débute avec la visite de Red Stovall (Clint Eastwood) chez sa soeur, la seule famille qu'il lui reste :

Lequel, se sachant mourrant, décide de partir pour un dernier voyage, auquel il va décider de convier son neveu (trop content !) et son beau-père :

Bien sûr (comme tous les musiciens le savent bien, même de nos jours, lol !), c'est plutôt - dans l'ensemble - une vie de galère, il faut bien le dire :

Mais qui n'est certes pas exempte de bons moments, par exemple lors de cette scène absolument picaresque, presque digne d'un Tex Avery, où le neveu de Clint le sort miraculeusement de la prison (à laquelle il avait été condamné pour vol de poules, lol !) :

Bien sûr, il ne faut pas s'attendre à un film d'action bardé d'effets spéciaux, tel que l'était - justement - Firefox. Mais c'est bien là, précisément, tout le charme de beaucoup de road-movies (Thelma & Louise, A Straight Story, Aalta, etc...), qui s'avèrent souvent moins une méditation sur le thème du voyage en lui-même, que sur cet extraordinaire voyage qu'est la vie, tout simplement :

Quelques très beaux moments de musique, même pour moi qui déteste la Country, a priori ("One Fellow, Two Fellow", etc... Très sympa !) :

Plus quelques petites citations savoureuses qui nous confirment que oui, nous avons bel et bien définitivement changé de siècle (MDR) :

Triste fin, où le héros passe l'arme à gauche alors même qu'il était sur le point de réaliser son rêve ultime, se produire dans le mythique OLE OPRY de Nashville :

Avec cette suprême ironie du sort, sa première diffusion radio post mortem :

Pour finir, après le clin d'oeil Sergio Leone du générique début, par cet autre clin d'oeil du générique fin (j'espère que tout le monde aura reconnu) :

En résumé, donc : un film, certes, d'une gaîté très moyenne, mais par contre profondément humain - et même humaniste, au sens le plus noble du terme, tel que le grand Eastwood nous y a depuis longtemps habitué.

Bref : incontournable !!!

DIRTY HARRY (SIEGEL)

2007-10-30T20:08:00.001Z

Inspecteur Harry, the first one !!!
Et bien sûr – il va de soi – le premier et le meilleur des cinq, réalisé par le génial Don Siegel en 1970 (quoique… le quatrième Opus de la série, Sudden Impact, dirigé par Eastwood lui-même, se révèle également comme une sorte de petit chef d’œuvre, en tout cas le seul à pouvoir rivaliser avec cette première version) ! Don Siegel (auteur également de Coogan's Bluff, du très atypique Les Proies, tous deux avec Clint Eatswood, d’ailleurs, et bien sûr du mythique Body Snatchers, le "vrai", le seul, le premier, en N&B), bien connu pour son sens du cadre, comme le montrent ces deux premières images des génériques (respectivement, Harry I & Harry II) :

Dès sa sortie (il y a plus de trente ans), Dirty Harry a toujours été un film extrêmement controversé, pour une raison bien simple, mais toujours d’actualité : c’est que curieusement, on y attache plus d’importance aux droits des coupables qu’aux droits des victimes. Tout ceci éloquemment résumé dans la scène d’ouverture dans le bureau du maire :

Bon. Certaines personnes diront sans doute qu’il s’agit d’un point de vue plutôt facho, partisan de l'auto-défense, etc… Personnellement, déjà, je trouve qu’il s’agit d’un faux débat (quand la justice fait son travail, nul besoin en effet de tels recours), et d’autre part, ça a au moins le mérite d'être honnête, pas comme la fameuse clique d’acteurs de gauche bien connus, toujours en train de crier "au loup" à l’abri de leurs somptueux 200 m2 du sixième arrondissement…
Bref, back to Dirty Harry. Au cas où vous ne le sauriez pas encore, il y a dans cette série (tout comme dans Die Hard, par exemple), une sorte de cahier des charges à respecter absolument… Entre autres : 1) Eastwood doit toujours faire équipe avec un équipier dont il n’a aucune envie (du moins au début)… 2) La scène finale doit toujours se passer face à un plan d’eau… 3) Le héros doit toujours avoir un "gimmick" tout le long du film, par exemple : "Do I feel lucky ?" (N°I), "A man’s got to know his limitations" (N°2), "Make my Day" (N°III), "Swell" (N°IV), etc... 4) Il y a toujours, en général au tout début du film, un hold-up sans aucun rapport avec le reste, mais que Clint réussit (bien sûr !) inévitablement à déjouer, comme dans ce premier Opus :

Comme dit précédemment, Don Siegel – de pair avec Sergio Leone, les deux "héros" de Clint Eastwood en matière de réalisation – s’est toujours signalé non seulement par ses cadres impeccables, mais aussi particulièrement inventifs. Petit florilège :

À noter, tout particulièrement, la fabuleuse scène de la remise de la rançon au pied de la croix, avec une alternance de plongées et de contre-plongées absolument hallucinante :

Sans même parler de cette non moins hallucinante scène au sein du stade de football, avec ce sublime zoom arrière (probablement à la grue, je suppose) :

Alors bon, certes, tout n’est pas absolument parfait dans ce film, à commencer par les vêtements des principaux protagonistes, qui craignent vraiment de la mort de leur race, il faut bien le dire, entre la veste croisée de Clint Eastwood et le costume en vinyle vert de son interlocutrice, lol :

Mais bon… D’un autre côté, il faut être indulgent, non ??? Déjà qu’avec mes Buffalos, je suis limite "OUT", là, alors imaginons tout simplement ce que les gens penseront de nos fringues dans vingt ans… À tous les coups, ça les fera exploser de rire (du moins, je pense, et puis après tout, c’est dans la logique de la mode, finalement) !
Allez, deux images pour conclure :

Arghhhh… Putain, il y a des jours où j’aimerais faire ça, de temps en temps, balancer le badge de mon job sans aucun remord ni scrupule…
Hahaha, Clint, trop la classe, décidément !!!

Petit P.S, à propos de Don Siegel : "L’un des grands seigneurs de la série B (…). Série B, certes, encore que Siegel ait disposé parfois de budgets importants, en tout cas séries B exemplaires qui conservent leur efficacité en dépit du temps, contrairement à tant de faux chefs-d’œuvre".
Cité dans le Dictionnaire du cinéma (Jean Tullard, Bouquins, Robert Laffont). Je crois qu’on ne peut pas mieux dire, en résumé…

LA DÉCHIRURE (JOFFÉ)

2007-09-06T20:08:00.000Z

Suite à la précédente critique sur la vie du Dernier Roi d'Écosse (et juste histoire de surfer sur la vague – hélas inépuisable – des dictatures les plus sanguinaires de la décennie 70-80), quelques notes sur un film déjà ancien, certes, La Déchirure (1985), mais qui n’a pas pris une ride, fait d’autant plus remarquable qu’il s’agit du tout premier film de Roland Joffé, coup d’essai qui n’en était donc pas moins un coup de maître.
Est-ce dû à son passé de metteur en scène shakespearien ? Toujours est-il qu’à l’instar de nombre de grands auteurs, Joffé ne fait finalement, film après film, que creuser et recreuser sans cesse le même sillon : le combat d’un homme (ou d’un petit groupe d’hommes) contre l’oppression d’une dictature (La Déchirure), d’un pays tout entier (Mission), ou encore d’une "mafia" bien organisée (La Cité de la Joie) – thème encore sensible de façon voilée dans le tout récent et somptueux Vatel (encore une fois, le suicide d’un homme trop seul pour résister à la pression étatique).
Bien que ce ne soit pas explicitement précisé, le film débute visiblement autour des années 1972, date à laquelle les Khmers rouges (n'étant pas un spécialiste de la chose, je vous recommande vivement un petit tour sur Wikipédia pour de plus amples précisions), peu après avoir détrôné le prince Sihanouk, sont encore en butte aux forces américaines présentes dans la région (qui, bien sûr, n’ont pas oublié d’embarquer leurs denrées principales, le Johnny Walker et le Coca Cola, lol !) :

La tragique histoire ici contée l’est au travers des regards croisés de deux journalistes, l’un américain, Sydney Schanberg (Sam Waterson) :

L’autre cambodgien, Dith Pran (Haing Ngor) :

Deux acteurs qui n’ont certes pas connu une grande carrière par la suite, en tout cas pas au cinéma, mais qui sont dans ce film proprement époustouflants de vérité et de sobriété, à tel point que l’on pourrait presque parfois se croire dans un documentaire (à déconseiller cependant la V.F, l’acteur choisi pour doubler Haing Ngor parlant un français encore plus imbitable que le tenancier du restaurant chinois de mon quartier, qui continue toujours à me souhaiter "Bon 'oir, bon 'ppetit !").

On notera également la présence d'un petit nouveau, John Malkovitch, dont c'était à l'époque le second film, dans le rôle d'un photographe alcoolique bien déjanté - assez voisin de celui de Denis Hopper dans Apocalypse Now, de six ans antérieur :

Bref ! Le film débute au moment où, présence américaine ou pas, les rapports de force entre armée cambodgienne "légale" et Khmers rouges commencent à se dégrader sérieusement :

Et là, comme d'habitude, bien sûr, les rats quittent le navire (lol ? Hmmm, non, pas lol, en fait...) :

Faisons ici un parallèle (tout à fait justifié) avec Le Dernier Roi d'Écosse : c'est au début dans la liesse la plus absolue que les Khmers rouges font leur entrée triomphale à Phnom Penh (1975) :

Jusqu'à ce que tout le monde s'aperçoive assez rapidement que dans l'expression "Khmers rouges", c'était finalement le mot "rouge" le plus important (c'est d'ailleurs là l'occasion de remarquer que Roland Joffé, sans être pour autant un "Cronenbergien" à 100%, n'est pas toujours dans ses films d'une sobriété exemplaire, mais bon... Parfois, il faut ça aussi pour réveiller les esprits !) :

Conclusion atroce de cette entrée en matière, qui représente à elle seule une bonne moitié du film : la déportation, en l'espace de quelques jours à peine, de toute une population (avril 1975), envoyée au nord dans des camps de "redressement" et de "rééducation" :

Dès ce moment, le film qui jusqu'alors narrait plutôt une histoire amicale à deux voix (sinon trois, avec John Malkovitch), va se scinder en deux parties bien distinctes : l'une, axée sur "la vie en rose" (bon, j'exagère un peu, mais il y a de cela, quelque part) du journaliste américain qui, quoi qu'il arrive, parviendra toujours à regagner son pays via les voies diplomatiques traditionnelles. Et l'autre (qu'on ne peut même pas appeler "la vie en noir", tellement cela tient du cauchemar le plus absolu), axée sur le tragique destin du journaliste cambodgien, qui va tout de même finir dans les fameux camps de travail en question, malgré la tentative héroïque de J.Malkovitch pour tenter de lui fabriquer de toutes pièces un passeport américain (l'une des scènes-clefs du film, je le signale d'ailleurs au passage, que ce soit pour la tension qu'elle induit ou pour la pure beauté des images) :

Bref retour, donc, pour Sydney Schanberg, aux États-Unis, le temps d'une scène surréaliste où il est tout à fait évident (sauf hasard improbable) que le réalisateur a bien retenu les leçons du générique fin du Docteur Folamour de Stanley Kubrick, puisqu'on y assiste à un défilé d'images toutes plus immondes les unes que les autres sur fond du grand air de Ténor de Turandot ("Vincerò, vincerò !" : "Je vaincrai, je vaincrai !") :

Après quoi, la presque totalité de la dernière moitié du film va se dérouler au Cambodge - et c'est là où vous avez tout intérêt à avoir le coeur bien accroché, car sobriété ou pas, rien de ce qui nous est donné à voir ici n'est hélas exagéré, qu'il s'agisse de l'organisation parfaitement fasciste des camps de travail :

Ou encore (souvenons-nous que les Nazis avaient à la fin la même réflexion) du fait que comparé à la vie d'une "sale" intellectuelle, même le prix d'une balle est bien trop précieux, d'où cette façon bien plus expéditive de procéder (mais oui... Un petit tour chez Franprix, et "do it yourself" !) :

Bon, je plaisante, là, je sais, je ne devrais pas... encore qu'il y ait deux écoles à ce sujet, et que je serais même pour ma part plutôt partisan de la seconde, selon laquelle, de même que la musique, l'humour reste le dernier et ultime rempart contre la barbarie (voir à ce sujet, pour ceux qui connaissent, la fameuse "polémique" Fürtwangler, où je suis à 100% de son côté !)... Sinon, j'arrête tout de suite d'écrire ce Post, vu qu'il y a certaines choses que l'esprit humain ne s'avère plus capable de supporter, s'il n'a pas au moins une petite soupape de sécurité.

Bref, bon an mal an, Dith Pran parvient finalement à déjouer la vigilance de ses gardes (au gré d'une scène encore une fois directement inspirée d'Apocalypse Now) :

Mais ce n'est que pour tomber de Charybde en Scylla, au gré de la scène de très loin la plus traumatisante du film, celle où il s'embourbe dans les monstrueux charniers entourant le camp (je n'avais pas revu ce film depuis au moins vingt ans, mais ce plan-ci s'était incrusté dans ma mémoire d'une façon indélébile, et je dois bien le dire, cauchemardesque) :

Bon. Vu qu'il ne s'agit ni d'un thriller, ni d'un film à suspense, peu importe de dévoiler le "happy end", grâce à un Khmer rouge pas vraiment très sûr de la justesse de l'idéologie de ses comparses :

Le plus troublant, dans l'histoire, reste encore pour moi cette sorte d'extraordinaire magnanimité de la part de Dith Pran, presque inenvisageable après tout ce qu'il a vécu :

Car il faut tout de même signaler, cas pratiquement unique dans toute l'histoire, qu'il s'agit de l'une des seules dictatures à avoir systématiquement éliminé toutes ses "élites" : instituteurs, médecins, professeurs, traducteurs, etc... ce que même les Nazis - malgré les Autodafés, malgré les déportations, malgré leurs plus grands délires - n'avaient jamais osé entreprendre à une telle ampleur (du moins, je crois... pardonnez-moi, mais je ne suis pas une flèche en histoire contemporaine).

En résumé : un film non seulement très instructif d'un pur point de vue documentaire, mais aussi un film poignant dans son interprétation, et absolument parfait dans sa réalisation, d'une grande beauté plastique malgré la dureté de certaines images (même s'il s'agit là d'un sujet de débat très en vogue - doit-on montrer la guerre avec de "belles" images, ou pas ? -, sujet dont je vous reparlerai le jour où je trouverai le courage de me lancer dans la critique de l'un des mes films préférés, Apocalypse Now dans sa version "director's cut", soit pas loin de quatre heures, autant dire que ce n'est pas pour demain).

En attendant, vous pouvez toujours faire suivre ce film du très excellent (et plutôt méconnu) Entre Ciel et Terre de Oliver Stone, qui raconte plus au moins la même histoire vue d'un point de vue féminin... Je vous le recommande !

LE DERNIER ROI D'ÉCOSSE (MACDONALD)

2007-08-30T20:08:00.000Z

Mais non des moindres, hélas !

Ce film du réalisateur anglais Kevin Macdonald (2006) nous retrace en effet, sous une forme presque documentaire, les années les plus noires du sinistre dictateur africain Idi Amin Dada (1924-2003), président de l’Ouganda de 1971 à 1979, petit état d’Afrique centrale coincé entre le Soudan, le Zaïre et la Tanzanie, autrement dit des pays que dont auquel personne qu’il saurions dire où que c’est qu’il sont, vu que tout le monde s’en contrefout totalement (et si cette phrase est en bon français, je veux bien me flinguer en direct sur ce Blog) !

Ce qui le distingue du pur et simple documentaire (bien qu’apparemment basé sur une histoire vraie, inspirée d'un roman de Giles Foden), c’est qu’il nous fait vivre l’ascension et la dérive du dictateur à travers les yeux d’un jeune médecin blanc arrivé en Ouganda de façon totalement fortuite, ayant juste pointé un soir de déprime absolue son doigt au hasard sur une mappemonde :

Médecin d’ailleurs incarné par le jeune acteur James MacAvoy, qui ne va certainement pas laisser les jeunes filles indifférentes :

Tandis que nous autres garçons n’auront guère que Gillian Anderson à nous mettre sous la dent - mais oui, la fameuse agent Scully des X-Files, méconnaissable en blonde ! (et encore, pas pour bien longtemps, vu que très probablement complètement décontenancée par l’absence de l’agent Mulder, elle ne dépassera pas les quinze premières minutes du film, lol !) :

Bref ! Tout d’abord étonnant, ce parti pris s’avère finalement extrêmement instructif (surtout de la part d’un réalisateur anglais, puisque ce pays a officieusement été, avec Israël, l’un des principaux soutiens d’Amin Dada durant cette période), car il nous fait en fin de compte revivre de l’intérieur – et là, je dis "nous" en tant que "nous, hommes blancs", conquérants, pilleurs et exterminateurs de presque toute la planète – ce qui a pu dans un premier temps aveugler le monde entier sur la cruauté du régime, masqué par les apparences volontiers enjouées, débonnaires et sympathiques du personnage, de même que par sa propension à faire de somptueux cadeaux (sur le compte de l’état Ougandais, bien sûr !) :

Plutôt surprenant au départ, le choix de l’excellent Forest Whitaker (Ghost Dog, Bird, Panic room) dans le rôle principal s’est au final avéré extrêmement judicieux (Oscar du meilleur acteur pour ce film), peut-être justement du fait de sa capacité naturelle à jouer des personnages souriants et plein d’humanité, ce qui rend d’autant plus inquiétante sa transformation progressive en monstre paranoïaque, dépressif et soupçonneux de tout le monde (sans même parler de sa ressemblance physique assez hallucinante avec le dictateur en question) :

Certains esprits chagrins pourraient sans doute reprocher à ce film, vers la fin, de sombrer dans une sorte de mélo, d’un seul coup axé sur une petite intrigue parallèle prenant corps (c’est le mot) entre le jeune médecin et l’une des nombreuses femmes du président :

Personnellement, je n’en crois rien. Bien au contraire, ceci m’est apparu comme une façon élégante et très habile de ne pas sombrer dans les défauts habituels des documentaires, en résumant finalement de façon très elliptique les quelques 300 000 assassinats imputés à ce régime par le seul meurtre – atroce – de la jeune fille (cela doit être la traduction littérale de l’expression "partie de jambes en l’air" en ougandais) :

Ainsi que par la torture du jeune médecin, suite à une séquence onirique ma foi fort bien filmée (de 1:36:22 à 1:37:12, très précisément) !

Preuve que ce jeune réalisateur maîtrise déjà très bien ses moyens : lors de la séquence finale, durant laquelle, à quelques secondes près, le médecin finit tout de même par se trouver dans le "bon" avion au "bon moment", j’étais littéralement scotché au fond du canapé en me disant : "Mais vas-y ! Roule, roule, roule… et décolle !!!"

En résumé : un film que je vous recommande chaleureusement (comme d'ailleurs la plupart des films commentés sur LE CINÉMA DE VINCENT, sinon, allez voir chez mon pote virtuel qui tient l’excellent Blog des Films de Merde, lol !), même si nous autres "hommes blancs" n’avons pas forcément toujours envie d’entendre et de nous faire rappeler à quel point nous avons purement et simplement massacré ce continent tout entier… À faire suivre bien sûr du visionnage du terrible Lord of war de Andrew Niccol avec Nicolas Cage, film dont le cynisme terrifiant n’a d’égal que sa profonde réalité (hélas) !

Petit P.S pour la route : Amin Dada a massacré ses principaux opposants (Pierono Okoya et son épouse) le 25 janvier 1970, et a déclenché son sanglant coup d’état le 25 janvier 1971… Or, il se trouve que je suis précisément né un 25 janvier, lol ! Et si je me payais un petit coup d’état, là, juste pour rire (Vincenttheone à la place de Sarko - né le 28 janvier, d'ailleurs) : gratuité du tabac pour tout le monde, réduction des 35 heures à une seule, extension des vacances à onze mois et demi, etc… Pas mal, comme programme, non ???

Souvenez-vous, lol !!!

MYSTIC RIVER (EASTWOOD)

2007-08-25T20:08:00.000Z

Succédant immédiatement à Créance de Sang, et précédant le très noir Million Dollars Baby, Mystic River (octobre 2003) apparaît comme un film un peu atypique dans la production d'Eastwood, notamment par son pessimisme glaçant et désespéré, à l'opposé des morales "humanistes" de ses opus précédents.

Le film se déroule en deux phases bien distinctes : l'histoire, tout d'abord, de trois jeunes garçons joueurs et inséparables, comme il en existe des milliards de par le monde, et dont le destin va subitement basculer suite à l'enlèvement de l'un deux (Tim Robbins) par un couple de pédophiles :

Trois personnages que nous retrouverons bien des années plus tard dans leur vie d'adultes (la partie la plus importante du film), interprétés par un trio de choc : Tim Robbins, Sean Penn et Kevin Bacon (à noter également la présence de Laurence Fishburne, sans doute bien content de se reposer entre deux Matrix) :

Et là encore, tout le destin des trois personnages va de nouveau basculer suite à l'assassinat sauvage de la fille de Sean Penn :

Dès ce moment, un nouveau trio s'ébauche donc petit à petit - la victime (Sean Penn), le policier (Kevin Bacon), l'ami (Tim Robbins) -, trio qui va peu à peu se transformer de façon sordide en cet autre : le policier (seul personnage des trois à afficher une certaine constance), le suspect numéro un (Tim Robbins), et le père trop pressé qui va finir, faute de patience, par faire justice lui-même en assassinant son ami d'enfance. La difficulté de parler de ce film, c'est entre autres qu'il n'appartient à aucun "genre" déterminé, même s'il peut tous les évoquer à un moment ou à un autre : ce n'est pas un "thriller" (malgré quelques scènes assez mémorables), ce n'est pas un "polar" (même si l'enquête menée par Kevin Bacon et Laurence Fishburne se révèle au final assez tordue), ce n'est pas non plus une "peinture sociale" (malgré la très parlante vision du Boston ouvrier de l'époque)... peut-être pourrait-on dire que c'est à la fois un film sur la destinée, la perte de l'innocence, et un film sur la finalement "banale" naissance de la violence (ce en quoi il se révèle par certains aspects assez proche du futur A History of Violence de Cronenberg) :

L'un des sommets du film réside bien sûr dans la terrible confrontation finale, magnifiquement filmée de façon crépusculaire, alors même que Clint explore là les zones les plus sombres de l'âme humaine :

Peut-être aussi l'une des morales du film réside-t-elle dans ce que l'on a coutume d'appeler le fameux "effet papillon" : le moindre évènement, aussi infime soit-il, peut finalement provoquer des ravages planétaires insoupçonnés. Et comme le suggère Kevin Bacon vers la fin du film, "peut-être qu'en fin de compte, nous sommes tous les trois montés dans cette voiture, ce jour-ci ?" :

Autre aspect très important du film (dont curieusement, j'ai lu très peu d'échos dans les critiques), c'est tout de même le rôle extrêmement important des femmes, qui constituent elles aussi une sorte de trio parallèle non dénué d'importance, puisqu'elles jouent finalement un rôle crucial dans le passage de Tim Robbins du rôle de simple ami au rôle de suspect, puis de victime expiatoire. La femme de Kevin Bacon (dont il est séparé), muette durant tout le film, et dont on n'aperçoit jamais que ce plan "lynchien" au possible :

La femme de Tim Robbins (Marcia Gay Harden, la partenaire de Tommy Lee Jones dans l'excellent Space Cow-Boys), laquelle est peut-être en fin de compte la plus grande responsable de la condamnation ex abrupto de son mari :

Et pour finir, la femme de Sean Penn (Laura Linney, qui jouait la fille de Clint Eastwood dans Les Pleins Pouvoirs), d'une froideur et d'un opportunisme à glacer le sang, lorsqu'elle apprend la grossière "erreur" de son mari, et que l'on constate avec stupeur que c'est finalement le dernier de ses soucis, du moment que sa famille est préservée :

Au final (je ne sais pas s'il en est de même dans le livre éponyme de Dennis Lehane ?), un trio entièrement calqué sur le trio masculin, dans sa vision psychologique des personnages : celui/celle qui ne bouge pas (Bacon/sa femme), celui/celle entièrement dévoré par sa névrose (Robbins/Gay Harden), celui/celle qui fonce tête baissée, et choisit toujours la solution la plus rapide, même si ce n'est pas forcément la bonne (Penn/Linney).

Pour la route : les deux dernières images du film, magistrales d'éloquence et de concision. La première, qui hélas nous laisse supposer que toute la violence initialement engendrée par le kidnapping de Tim Robbins n'est certainement pas prête de s'arrêter :

La seconde, à l'image du titre : cette rivière large, immense, peut-être "mystique", qui se charge de tout engloutir, les hommes, les cadavres, les souvenirs, qui était là des milliers d'années avant nous, et le sera encore bien après :

Bref. Un film magique, fascinant, maîtrisé de A à Z, par contre à ne pas voir si vous êtes dans une phase dépressive comme c'est mon cas en ce début de rentrée 2007 (et du reste, le cas d'énormément de gens en ce moment, je ne sais pas si c'est dû à l'été pourri et au manque de soleil, mais ça ne m'étonnerait pas outre mesure). Cas presque unique à constater sur Allociné dans les critiques spectateurs : 372 jugements entre trois et quatre étoiles, contre seulement 78 négatifs (!)...

Enjoy !

Petit P.S à l'intention de mes amis musiciens : je ne sais pas si cela vous aura sauté aux oreilles autant qu'à moi, mais depuis que Clint ne travaille plus avec son fidèle compositeur de toujours, Lennie Niehaus, il s'est pour une fois targué d'écrire la musique du film... en commettant impunément ce que l'on peut bel et bien qualifier de plus "hénaurme" faute d'harmonie du monde, à juste titre, d'ailleurs, tellement c'est laid (le genre de faute pour laquelle on se fait virer du Conservatoire à peine après y être rentré, lol !). Je vous laisse deviner laquelle - sachant qu'au moins l'une de mes amies a repéré l'erreur instantanément !

WOLFEN (WADLEIGH)

2007-07-17T20:08:00.000Z

Un chef-d'oeuvre absolu de 1981 !

Film extrêmement atypique du très (trop ?) rare réalisateur Michael Wadleigh, né le 24 septembre 1941 à Akron (Ohio, U.S.A), qui jusqu'alors ne s'est distingué que par trois Opus, tous géniaux sans exception, Woodstock (1969), Janis (1974) et ce fameux Wolfen (1981), trois films indéniablement liés par un enthousiasme inébranlable en la toute puissance de la (mère ?) nature, caractéristique qui le rend sans aucun doute assez proche du très fameux Terrence Malick, lui aussi connu pour réaliser un (grand) film tous les dix ans, quand ça lui chante, en résumé...

Premier plan du générique : la destruction programmée de cette fameuse église du Bronx, qui va se trouver par la suite au coeur du film :

Non pas tant qu'il s'agisse du dernier repaire des loups en question ("Wolfen"), mais plutôt, à mon humble avis, en tant que symbole : il y avait AUTREFOIS ici une "vraie" croyance, et nous - les hommes - avons fait tout ce qu'il était possible de faire pour la détruire (c'est du moins mon idée de la chose)...

Allez, une petite bande-annonce (très bien faite) pour se mettre en appétit :

Difficile de résumer l'argument de Wolfen sans en dévoiler du même coup tous les ressorts secrets... Disons simplement qu'à la suite d'un certain nombre de meurtres totalement inexplicables, toute la police de N.Y se retrouve complètement sur les dents, jusqu'à ce que l'hypothèse la plus improbable qui soit finisse peu à peu par prendre corps : des loups, mais oui, en plein New York !!!

Graphiquement, ce film est d'une splendeur absolue d'un bout à l'autre (je crois que, de même que chez Kubrick, chacun de ses plans pourrait pratiquement en être isolé pour donner lieu à une magnifique photo !), et est en outre l'un des tous premiers à utiliser à la fois la fameuse Steadicam (peu après Alien ou Shining), mais aussi le procédé dit "Alienvision" (solarisation, en fait), qui sera peu après recyclé avec un certain génie dans le très original Predator de John Mc Tiernan (1987) :

Un duo d'acteurs assez exceptionnel, un peu oubliés de nos jours, certes (quoique... Diane Vénora joue tout de même la femme d'Al Pacino dans l'absolument mythique Heat de Michael Mann, tandis qu'Albert Finney incarne l'incroyable vieillard du non moins légendaire Big Fish de Tim Burton) :

Toujours est-il que ce fameux Michael Wadleigh a un sens du "cadre" absolument stupéfiant, comme vous avez déjà pu en juger par les photos précédentes, et par les suivantes :

L'ultra classe, comme on la voit rarement, en résumé...

Sans oublier, dans cet Opus, le rôle extrêmement important dévolu aux "indiens", assez peu sensible au tout début du film, mais qui se précise de plus en plus au fur et à mesure que l'on se rapproche de la fin - les indiens, premiers habitants du continent américain, et qui n'ont jamais rompu le contact avec la nature et les animaux, allant parfois même jusqu'à les imiter :

La scène finale du film est absolument à tomber par terre de génie et de beauté, à commencer par cette séquence dans une pièce remplie de miroirs (qui est, bien sûr, une citation de cet autre vieux film mythique en noir et blanc dont j'ai complètement oublié le nom, peut-être de Mankiewicz (?) - vous autres cinéphiles, aidez-moi, sur ce coup, merci d'avance !) :

L'attaque finale des loups s'avère réellement très impressionnante, tellement l'ambiance y est incroyable :

Et le fascinant "face à face" final :

Si ces images vous rappellent quelque chose, ne cherchez pas : ce sont bien sûr celles de l'absolument et totalement génial 2001 de Kubrick (de plus de dix ans antérieur, tout de même, comme quoi... les vrais "génies" sont toujours très en avance sur leur temps, XD) !

J'adore les toutes dernières images du film, à coup de superpositions, où l'on prend bien conscience que les loups ont habité ici avant tout le monde :

Bref, en résumé : un film atypique, comme je le disais déjà au tout début, mais surtout magistral dans son esprit, et visuellement d'une somptuosité rarement égalée, c'est clair !

Pour la petite histoire, nul ne sait vraiment ce qu'est devenu Michael Wadleigh par la suite : une légende court même selon laquelle, gavé par le milieu du cinéma, il serait tout simplement retourné à Akron pour y conduire des bus (après tout, ça ne serait pas le premier génie à en avoir eu marre de galvauder son immense talent dans une industrie de merde, LOL) !!!

La seule chose tangible dont on soit sûr : c'est qu'il a de nouveau remis le pied à l'étrier pour donner, en 1994, un "directors cut" du fameux Woodstock (228 minutes) !

MAXIMUM RESPECT, moi, je dis !!!

P.S : Et (au passage), une chose assez importante dont j'ai oublié de parler, sur ce coup, c'est tout de même l'absolument fabuleuse musique de James Horner, tout à fait extraordinaire ! Sinon que, comme on dit, cet "énorme" requin de studio n'hésitera pas à remettre le couvert en 1986 pour le fameux ALIENS de James Cameron, en réutilisant sans le moindre scrupule quasiment trois des plus beaux thèmes de WOLFEN, ça, c'est du jamais vu, tout de même !!!

Regardez les deux films à la suite (en ouvrant toutes grandes vos oreilles, lol !), et vous n'allez même pas le croire, garanti !!!

Swimming with sharks, quoi...