LE CINÉMA DE VINCENT

GROSSE GRÈVE !

2011-07-18T20:08:00.008Z

Attention, ce Blog n'est pas fermé !!!
Juste que je prends le "navion" samedi 23 juillet à 17h45, histoire de me barrer en haute montagne, comme d'habitude :
Salzburg-Triesta (par exemple)...
Alors bon, vous pourrez toujours laisser des "comments" n'importe où si ceci vous tente (sauf sur cet article, destiné à être supprimé), mais là, du coup, je n'y répondrai peut-être que tous les quinze jours, dès que j'aurais éventuellement accès à un CyberCafé dans les vallées...
Bonne vacances à tout le monde, et rendez-vous vers le 10 septembre (avec, comme d'habitude, mon concours habituel) !

P.S : En attendant cette lointaine date, n'hésitez pas à regarder le fameux Index, qui vous plaira très certainement !

HAPPY BIRTHDAY, CLINT !

2011-05-31T20:08:00.018Z

Eastwood, bien sûr !
Comme certains le savent sant doute, un vrai "Monsieur Gémeaux" né le 31 mai 1930 (dont je vous laisse du coup deviner l'âge improbable, d'autant qu'il a déjà trois ou quatre projets en tête pour les années à venir)...
Alors cool, juste histoire de fêter son anniversaire, il vient d'autoriser en France la sortie un tout petit peu plus tôt que prévue de son dernier film Au-Delà - qui du reste se développe (une dizaine de minutes à peine) chez nous, notamment à Chamonix et à Paris :

Hallucinant, ce film complètement "mystique" à 200% ! Je n'y ai absolument rien capté du tout du premier coup (peut-être en partie du fait que je rentrais de la fameuse Fête des Voisins, adoncques pas spécialement "à jeun"), mais je l'ai absolument adoré dès la seconde vision, d'autant qu'y figure l'excellent acteur Matt Damon, déjà présent dans Invictus de 2009 :

Je publie cet article très rapidement, juste histoire de fêter un très bon anniversaire à Mister Clint ! Alors exceptionnellement, ne vous donnez aucun mal à tenter de laisser un "comment" (je les ai bloqués, pour une fois)...
L'un de ces quatre, je supprimerai ce très court article pour publier une vraie analyse (probablement "Spoiler", hélas) de ce film plutôt complexe, et là, tout le monde aura de nouveau le droit de se lancer !
Pour l'instant, vous pouvez vous l'offrir à la FNAC pour 15€, mais tout comme Invictus l'an dernier, ceci va descendre très sûrement à 10€ si vous patientez jusqu'aux vacances, soit début juillet...

DOCTEUR FOLAMOUR (KUBRICK)

2011-04-06T20:08:00.049Z

Encore un génialissime film de Stanley Kubrick !

Film dont non seulement le titre originel est beaucoup plus long et complexe que sa courte traduction française (Dr Strangelove or How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb), mais dont le générique du début s'avère totalement original, étant donné son écriture tremblotante à la main, ce qui je crois fut la toute première fois dans l'histoire du cinéma :

Chose que je n'ai du reste vue qu'une seule autre fois, probablement en tant qu'hommage de ce plus jeune réalisateur, dont je vous laisse deviner le film où le générique apparaît totalement calqué sur celui-ci (réponse à la fin de cet article !) :

Spoiler ou non ? Bon, vu que datant de 1964, je ne vais pas hésiter à vous livrer le très court résumé de Wikipédia : "L'histoire se déroule en pleine guerre froide. Le général américain Jack D. Ripper (principal acteur de son précédent film L'Ultime Razzia), frappé de folie paranoïaque, décide d’envoyer des B-52 frapper l’URSS. Le président des États-Unis commande alors une réunion d'urgence dans la salle souterraine de commandement stratégique pour tenter d'éviter une guerre nucléaire, ce qui se révèlera finalement impossible"... Phénomène absolument "scotchant" : c'est que l'un des tous premiers plans du film, basé sur les B-52, semble déjà évoquer à l'avance le thème, comment dire, "agressivement sexuel" de son futur film Orange Mécanique (1971), n'est-ce pas ?

Quant aux trois acteurs principaux de Docteur Folamour, ils sont tous (pour différentes raisons) particulièrement impressionnants, à commencer par George Campbell Scott, interprète également du général dans l'excellent film de Franklin J. Schaffner, intitulé Patton :

Sa voix rauque, puissante et grave est absolument fabuleuse (ne jamais voir ce film en V.F, please !), mais cet acteur était réputé pour être extrêmement difficile à diriger... Sauf qu'il avait (comme tout le monde) au moins UN défaut : adorer jouer aux échecs ! Et comme Stanley Kubrick devait avoir un Q.I largement au-delà de 140, il gagnait pratiquement toutes leurs parties mutuelles, de sorte que l'acteur classé "ingérable" s'est finalement révélé très obéissant et très cool... Second acteur remarquable : le très célèbre Peter Sellers, qui joue dans ce film trois rôles très différents (de même que dans le précédent Lolita du même réalisateur), à commencer par celui-ci, à peu près "civilisé", du Colonel Lionel Mandrake, dont je reparlerai plus loin :

Quant au troisième acteur, Sterling Hayden, déjà titulaire du rôle principal dans L'Ultime Razzia, c'est de très loin le général le plus "barge" de tout ce film, le premier à décider non seulement d'envahir l'URSS et d'y lâcher une bombe atomique, mais aussi d'annuler les liaisons radio avec son avion B-52 (juste histoire de ne rien pouvoir modifier), tout en fermant son camp militaire en menaçant tous les visiteurs d'un tir instantané, même s'ils sont tout aussi Américains que lui ! Autrement dit, ces plans filmés du bas sont absolument monstrueux, je trouve (surtout avec l'énorme cigare, un thème "sexuel" qui nous rappelle de nouveau l'un des premiers du film) :

Second rôle de Peter Sellers, celui du président des États-Unis Merkin Muffley, peut-être le plus sage de tous, contrairement à ce que l'on pourrait croire :

Plan absolument hallucinant sur la salle de réunion des chefs d'état : le fait que celle-ci ressemble déjà étrangement (et bien sûr, de façon sûrement très volontaire) à une explosion atomique !

Quant au Général "Buck" Turgidson (George Campbell Scott), qui se révélait plutôt raisonnable au tout début du film, tout juste s'il ne commence pas à devenir totalement "barge" comme tous les autres, avec sa voix et son attitude de plus en plus monstrueuses :

Phrase "mythique" du Président :

Accouplée au même moment avec cette citation venant du B-52, probablement très "ironique" :

Bref ! rien ne semble être en voie de s'améliorer (comme du reste, hélas, en ce moment dans l'un de mes pays adorés, le Japon) :

Dernier rôle de Peter Sellers, le plus "déjanté" de tous, et qui donne du reste son titre au film : celui du fameux Docteur Folamour, un ancien médecin de chez Hitler réfugié aux États-Unis :

Un toubib hémiplégique, mais dont la main droite se lève toujours instantanément pour dire "Heil Hitler !", ce qu'il essaye à chaque fois (sans grand succès) de contrôler avec sa main gauche :

Phénomène encore plus hallucinant, digne de Johannes Brahms ou d'Anton Bruckner : le fait que mine de rien, contrairement à certains musiciens ou cinéastes très variés dans leurs styles (ce qui n'est pas un reproche, hein, attention !), Stanley Kubrick semble toujours axé sur les même thèmes, même s'il ne fait jamais aucun film dans la forme du précédent... Meilleures preuves avec ces deux plans fabuleux, qui évoquent déjà plusieurs années à l'avance deux scènes géantes de ses futurs films Barry Lindon, et surtout Full Metal Jacket, où vont également toujours figurer ces prises de vue filmées de la part du tirailleur coincé dans un minuscule immeuble, avec un immense gros plan sur le fusil, et une sorte d'ironie du paysage, soi-disant "pacifique" :

Incroyable, n'est-ce pas ?

Quant à l'ultime plan, et bien que dire ? Sinon que le pilote du B-52, révulsé par la non-réponse de ses bombes, décide de descendre et de monter dessus pour tenter de les rendre efficaces, ce qui ne va pas se louper, à son grand déplaisir, lol !

Générique de fin totalement hallucinant, lui aussi... Avec des tonnes de "vraies" explosions nucléaires (notamment celles des tests de Muruora, évidemment absolument tragiques, mais en prime associées de la part de Stanley Kubrick à une très "positive" chanson de Jazz, celle de Vera Lynn, intitulée We'll Meet Again ("Nous allons nous rencontrer de nouveau !") :

Honte sur moi : malgré tout ce que je sais au sujet de ces bombes insultantes et monstrueuses, notamment celle d'Hiroshima, je ne peux pas m'empêcher de trouver quelque part ceci sublime, harmonieux, et même magnifique, jusqu'au niveau sonore... Peut-être parce que j'y retrouve la fondation des atomes, qui gouvernent de A à Z nos propres corps ? Quoiqu'il en soit : très heureux que celles d'Hiroshima et de Nagasaki soient (en pure théorie) les deux dernières du monde ! Même si je ne suis pas spécialement croyant, je prie tout de même Dieu pour qu'il n'y en ait jamais une troisième !!!

P.S : Réponse à la toute première question, concernant le très étrange graphisme "manuel" du texte du générique... Mais oui, comme (presque) tout le monde l'a sans doute deviné, il s'agissait bien sûr du très drôle Men in Black de Barry Sonnenfeld !

EYES WIDE SHUT (KUBRICK)

2011-03-24T20:08:00.020Z

Spoiler or Not Spoiler ???

Hum, je dirais plutôt Not Spoiler... Non seulement parce que je ne vais pas raconter l'intégrale de ce film géantissime (l'ultime de Stanley Kubrick), ce qui nécessiterait une centaine de photos et un texte gigantesque, mais surtout me contenter pour l'instant d'en faire l'analyse de quelques points fondamentaux concernant ce fameux "rêve intégral" - ce qui n'est pas un Spoiler, puisque ceci sera très franchement révélé dans la dernière scène du film, comme vous le prouveront les ultimes photos mises à la fin de cet article, de même qu'un certain nombre de scènes en réalité filmées dans des miroirs, tout comme dans Shining, du reste :

Tout ce que l'on voit dans des miroirs semble réel, mais ne l'est pas forcément... De même que ce qui apparaît sur certains tableaux, comme par exemple celui-ci (magnifique, dû à Christiane Kubrick, la femme du réalisateur) devant lequel passe Tom Cruise lors de l'une des premières scènes du film, durant la gigantesque soirée, et qui semble déjà annoncer à l'avance ce qu'il va découvrir en théorie "réellement" :

Chose dont j'ai le plus envie de parler : l'aspect formel très étonnant de ce film (dont l'auteur est un "fan" absolu de musique classique), et qui semble une combinaison entre l'ancienne "forme rondo" (ABACADA) et la plus récente "forme rétrograde" (ABCDEFEDCBA)... Le début étant plutôt basé sur cette dernière forme, avec les scènes suivantes :
A : La grande fête luxueuse
B : Le couple dans leur appartement
C : La rencontre de la prostituée
D : Le concert de Jazz
E : La boutique de vêtements
F : La scène centrale du château
Cette scène étant, comme beaucoup d'entre vous le savent, l'une des plus longues et des plus monstrueuses du film, où même sans miroir, tout le monde apparaît masqué dans ce sublime château (étant en réalité celui d'un Maharajah exilé en Angleterre) :

Une scène relativement terrifiante (sans même parler de la musique très flippante de György Ligeti) :

Là encore, lorsque Tom Cruise rentre chez lui (lors d'une scène que je baptiserai B2), le tableau représente mine de rien ce fameux château qu'il ignorait totalement le jour précédent, meilleure preuve qu'il s'agit d'un rêve :

D'une façon très étrange, il y eut un jour l'interview de Martin Scorsese au sujet de ce film (lun des très rares cinéastes à demeurer à New York plutôt qu'à Hollywood), qui disait avec son habituelle rapidité Sicilienne de langage : "Mais oui, vous connaissez New York, il n'y a aucuns de ces magasins ni de ces bars, cela se voit tout de suite que c'est un rêve, m'enfin" ! Mais il y en a également une autre "hénaurme" preuve... Notamment le fait que quel que soit l'endroit où se trouve Tom Cruise, le sapin est toujours le même, avec la même décoration, ce qui en théorie ne peut jamais réellement se produire (six photos des scènes A, B1, C, D & E) :

Y compris dans deux scènes extrêmement courtes, la première ayant lieu dans le propre cabinet du docteur, et la seconde dans l'hôpital où il se rend afin de découvrir dans la morgue l'une des femmes qu'il croit connaître (où l'on entend la très étrange et très morbide pièce de Franz Liszt, Nuages Gris, sur ce lien jouée par My, Myself & I) :

Juste histoire de terminer ma vague analyse de ce film, voici le moment de reparler de la forme globale, à mi chemin entre la forme rondo et la forme rétrograde, de sorte que l'on peut ainsi classifier les scènes : A, B1, C, D, E, F (le château central), puis B2, E, B3, C, H (la morgue), A, B4 & B5... B s'avère ainsi le thème principal du rondo, et il s'agit de celui traité de la façon la plus maniaque possible par le perfectionniste Stanley Kubrick (qui a tout de même passé plus de deux ans à tourner ce film très intimiste, ce qu'un (nul) réalisateur Français aurait fait en deux mois, lol) ! Meilleure preuve en partant tout d'abord de B1, premier plan orange avec le fond de ciel bleu :

B2, premier plan bleu avec le fond orange :

B4, premier et dernier plan en bleu :

B5, premier et dernier plan en orange, avec en prime tout un dialogue qui révèle de façon très claire le thème fondamental du film, dont sans doute il ne s'agit que de la seule et unique scène "réelle" (et certes, d'une assez faible gaîté, il faut bien le dire) :

Bref, un film totalement hallucinant, en résumé... Non seulement lors de la toute première vision, mais vu de mon côté, plus je le regarde, et plus je le trouve incroyable, énorme et géantissime ! Sans même parler de l'incontournable fétichisme et "mysticisme" des nombres de la part du réalisateur, identique à celui du fameux Johann Sebastian Bach... En l'occurence ici celui du chiffre deux (bien évidemment basé sur le couple) ! De sorte qu'hormis l'alternance de ces deux couleurs bleu & orange dont je viens tout juste de parler, le film s'ouvre "comme par hasard" sur la Valse N°2 de Chostakovitch, et trouve bien sûr son point culminant très flippant avec la Musica Ricercata N°2 de Ligeti, un morceau lui-même très curieusement juste fondé sur deux notes (mi# & fa#), avec soudain l'arrivée inattendue et très brutale d'une troisième et dernière note (sol), qui coïncide à la seconde près avec le point crucial de la pire scène du film, celle du château... Que dire de plus ? Sinon qu'au niveau de l'analyse, ce film est quasiment digne d'une fugue de Johann Sebastian Bach : on peut le revoir 5 fois, 10 fois, 50 fois, et l'on découvrira toujours quelque chose de nouveau, un code illisible la toute première fois, et en résumé une pluie de symboles absolument énorme !

FULL METAL JACKET (KUBRICK)

2011-03-08T20:08:00.070Z

Un pur chef-d'œuvre, évidemment...

Nous ne sommes pas chez n'importe qui, mais chez Stanley Kubrick (autrement dit, vu de mon humble point de vue, le Johann Sebastian Bach du cinéma) !

Comme très souvent chez ce réalisateur très inventif, cet avant-dernier film innove complètement par rapport à ses deux précédents, Barry Lindon & Shining, tous les deux déjà célèbres à juste titre...

1) Définitivement, Stanley Kubrick, après s'être assez longtemps consacré au format 16/9 dans la plupart de ses films précédents, revient de nouveau à l'ancien format 4/3, qu'il utilisera également pour son ultime Eyes Wide Shut...

2) Grand amoureux de la musique classique, cet ultime film fut basé sur la très étonnante "forme rétrograde" due à Alban Berg (ABCDE...EDCBA), alors que cet avant-dernier rappelle de façon irrésistible la fameuse Symphonie Inachevée de Franz Schubert, divisée en deux parties complètement différentes, mais environ de la même durée d'environ 40 minutes chacunes !

3) Troisième phénomène étonnant de sa part concernant cette dite musique classique : il n'en utilise absolument aucune dans ce film, contrairement à pratiquement tous les autres ! D'une façon très frappante, il se base dans la seconde partie sur un thème très étonnant dû à sa propre fille Vivian Kubrick (dont je reparlerai le moment venu), mais se consacre tout le reste du temps aux Rock'n Roll des années soixante, qui devaient du reste être les morceaux favoris des soldats du Vietnam...

Ceci dit, il reste comme toujours absolument "d'abord" basé sur la musique, et "ensuite" seulement sur la coïncidence exacte des images, comme le montre parfaitement le générique du tout début, où le moindre plan consacré à chaque acteur (et donc à chaque soldat destiné à intégrer le camp d'entrainement des Marines) change exactement à chaque premier temps du morceau de Rock'n Roll (à 4/4), hallucinant :

Super gai d'emblée, n'est-ce pas ? En tout cas, beaucoup plus gai que lorsque ces futurs soldats vont se trouver formés et éduqués par le monstrueux Sergent Hartmann, interprété par R. Lee Ermey, un acteur assez peu connu, mais qui fut autrefois un authentique sergent de ce même niveau, qui avait du reste offert à Kubrick un ouvrage de plusieurs centaines de pages consacré à toutes les injures possibles concernant ces "minables débutants" !

En soi, déjà comme une sorte de guerre très "hénaurme", dans laquelle va hélas s'engager le pauvre Leonard Lawrence, incarné par l'acteur Vincent d'Onofrio, souvent peu reconnaissable dans certains de ses films, notamment Men In Black (où il joue le rôle de l'énorme cafard !), mais également dans celui-ci, où il fut contraint de s'engraisser de 30 kilos !!!

Première partie du film déjà extrêmement difficile à "digérer", vu son agressivité permanente sur un thème du style : "Bon, nous sommes tous des gros mâles, nous ne sommes pas des abrutis de pédés, alors préparez-vous à buter ces putains de grosses taches d'enculés de leur race à la con de merde !" (attention, je n'invente absolument rien, là, niveau langage utilisé au tout début du film) :

Malheureusement, tout se passe de plus en plus mal pour Leonard Lawrence (la "grosse baleine"), malgré l'aide très sympathique de son collègue James Joker (Matthew Modine) :

Banale scène dans les toilettes, où James Joker et son copain Animal Mother (Adam Baldwin) vont commencer à se poser de très inquiétantes questions au sujet de la "grosse baleine" :

Mais aussi banale scène des toilettes où Vincent d'Onofrio, malgré sa toute récente compétence en matière de fusils, va de plus en plus se révéler "déjanté" à 200 % :

Et dialoguer d'une façon extrêmement violente et agressive avec son pourtant ami James Joker (au passage en citant en V.O la traduction réelle du titre de ce film, une forme de munition très meurtrière, "en plomb enrobé de cuivre") :

Alors que dire, sinon la même chose que le Sergent Hartmann ?

Attention, plus que quatre images à regarder tranquillement, suite à quoi - comme souvent - cet article va se révéler un très gros Spoiler (mais bon, vu que ce film date de 1987 et s'est déjà avéré très regardé par tout le monde, peu importe, je crois)...

L'une des scènes les plus "scotchantes" de ce film, non tant grâce au meurtre du Sergent Hartmann par "grosse baleine", auquel l'on s'attend quasiment forcément :

Mais surtout en vertu de cette scène hallucinante, où l'on voit "grosse baleine" s'asseoir de nouveau sur ses toilettes avec son arme favorite :

Durant laquelle l'on n'imagine même pas l'espace d'une seule seconde que son propre suicide ne va - justement - durer pratiquement "qu'une seule seconde" !!!

Du coup, sans la moindre transition (comme entre les deux mouvements d'une Symphonie classique), rendez-vous direct et instantané au Vietnam, avec une ambiance d'un seul coup complètement différente, d'une part avec le défilé des prostituées locales :

Et d'autre part la vie de nouveau relativement tranquille de James Joker (Matthew Modine), lequel a préféré choisir le poste de photographe de presse militaire plutôt que la 3ème d'infanterie, comme hélas le très regretté "grosse baleine" :

Sauf que de même que dans la première section du film, sa destinée va petit à petit progressivement se dégrader, tout d'abord avec un carnage totalement inattendu à l'occasion de la fête du Têt (Nouvel An Vietnamien) :

Suite à quoi il va se trouver relativement obligé de laisser provisoirement tomber sa mission de "reporter" pour se joindre à d'autres militaires, à l'occasion d'une embuscade particulièrement éprouvante dans le milieu industriel dévasté du centre ville :

Très exactement à cet endroit précis : maniaquerie typique de Stanley Kubrick ? Je dirais plutôt sa maîtrise formelle absolue, comme s'il était un compositeur digne de Bach, Mozart ou Beethoven, lol ! Meilleure preuve avec cette fameuse scène très exactement calquée sur le générique initial (dont j'ai publié les quatre premiers plans tout au début), faisant de la même façon se succéder tous les militaires avec le même cadrage, la même très courte durée, et en prime l'opinion personnelle de chacun :

Alors à partir de là, attention... Sursum Corda, autrement dit : "haut les cœurs" !

Car quelques-uns de ces pauvres soldats vont se faire descendre d'emblée par une mystérieuse personne, cachée dans un endroit très difficile à identifier :

Un carnage absolument monstrueux avec de très particulières couleurs, dont je reparlerai à la fin de cet article (car également vu de cette façon, Stanley Kubrick est un véritable "fou furieux", si l'on peut dire - d'un point de vue absolument admiratif, bien sûr !) :

Scène quasi-finale où les quelques soldats encore vivants vont enfin parvenir à rentrer dans l'immeuble abandonné, et du coup dégommer sans la moindre honte la seule et unique responsable de cette aveugle et infâme tuerie - ce que vous pourrez voir dans ce magnifique extrait (que j'ai mis très longtemps à trouver, vu qu'il n'apparaissait qu'en page 12 de YouTube, d'une façon plutôt étonnante) !

À noter que la musique absolument hallucinante, que l'on entend uniquement à cette occasion, est due à Vivian Kubrick, sa propre fille (âgée de seulement 24 ans à l'époque), et basée très étrangement sur les vraies harmoniques "réelles" - autrement dit, pour les connaisseurs, avec la quarte fausse d'un quart de ton, ce qui rend très exactement l'ambiance particulièrement glauque de cette scène, bravo à elle !
Première fin du film : six plans absolument fabuleux... Qui pourraient presque tous être des tableaux (comme dans le précédent Barry Lindon), avec la fameuse obsession de Stanley Kubrick soit sur des cadrages purement centraux, soit, comme Leonardo Da Vinci, sur le très fameux nombre d'or :

Et seconde fin (autrement dit générique) : une fin basée sur les paroles trop étranges, en ces circonstances, d'un morceau fort connu d'un très célèbre dessin animé...

Ce qui du coup rappelle très bizarrement son ultime film en N&B, Docteur Folamour (1963), basé sur les mêmes thèmes, et qui se conclut lui aussi avec une chanson d'une fabuleuse gaieté, We'll Meet Again, face à 712 explosions (réellement filmées) des bombes nucléaires :

Alors bon, juste trois petits points pour terminer cet "hénaurme" article (encore plus que le précédent au sujet du Salon de Musique, sorry) !
1) Primo, je suis pour une fois plutôt "fier" de moi... Non seulement grâce au nombre de mes photos (une cinquantaine), grâce aussi à mon analyse, que j'estime plutôt "musicale" (mais trop "facile" de mon côté, quelque part, vu que Stanley Kubrick lui-même se base toujours sur ces thèmes en priorité, lol !), mais surtout face à ma maîtrise progressive de Blogger, qui en vertu de ces images en 4/3 au lieu du 16/9 habituel, m'a contraint de passer beaucoup plus de temps sur HTML que d'habitude, snif...
2) Secondo, j'ai beau n'être pas trop mauvais dans ce domaine, inutile que j'essaye de me comparer, même de très loin, avec le fameux réalisateur Stanley Kubrick... Même si je ne me débrouille pas trop mal au piano, en général, jamais de ma vie je ne serais capable de réaliser un tel chef-d'œuvre aussi hallucinant, quasiment digne du plus grand compositeur du monde, Johann Sebastian Bach (notamment du fait que même si ceci déroute la toute première fois qu'on le voit/qu'on l'entend, l'on peut passer toute sa vie à le regarder/l'écouter 50 fois, 500 fois ou 5000 fois, et ceci devient de plus en plus géantissime) !
3) Terzo : une ultime chose chose dont j'avais prévu de parler, la pure "folie" de Stanley Kubrick concernant le choix des couleurs (très visible non seulement dans Barry Lindon, mais encore plus dans son ultime Eyes Wide Shut (dont hélas je n'ai pas encore vraiment parlé)... Alors si vous avez la patience de (re)regarder toutes les photos que j'ai sélectionnées, disons qu'en gros :
a) De la N°1 à la N°15, tout est en vert et en marron...
b) De la N°16 à la N°26, d'un seul coup en bleu de nuit...
c) De la N°27 à la N°37, en alternance sur ces deux graphismes, tout en faisant d'ores et déjà prévoir la suite :
d) De la N°38 à la N°52, uniquement basées sur les couleurs du feu, jaune, rouge & orange, en résumé...

Bref, un film d'une pure et absolue perfection !
J'ai beau me le revoir depuis au moins une vingtaine de fois, je commence déjà à me dire exactement la même chose que concernant Die Kunst der Fuge de J.S.Bach : si j'attends 5, 10 ou 20 ans, est-ce que ce film ne va pas encore se révéler de plus en plus génial ???

Si vous ne l'avez par miracle encore jamais vu (rarissime) : regardez-le...
Absolument, et de toute urgence !!!

LE SALON DE MUSIQUE (RAY)

2011-02-28T20:08:00.043Z

Certes, mon "vrai" métier, quelque part...

Mais d'un autre côté, une autre de mes réelles passions, que l'on va plusieurs fois voir dans ce chef-d'œuvre absolu de 1958 (adoncques, évidemment en N&B), celle concernant les lustres (sûrement de Murano, je suppose), qui vont tout à la fois servir de générique de début et de fin en flottant sur tout l'écran :

Et en prime revenir plusieurs fois filmés en très gros plans dans ce film, comme si ces lustres étaient une sorte de symbole de la vie humaine, toujours fluctuants, et à l'époque encore chargés de chandelles, donc en permanence menaçant de s'éteindre, comme nous tous...
Disons qu'en gros, ce chef-d'œuvre qui a quasiment le même âge (à la con) que moi me touche toujours énormément à 712%, tellement il se révèle un film géantissime !
Basé bien sûr sur la musique, mais aussi sur un thème extrêmement déroutant magistralement repris par la suite par Edward Zwick, dans son très émouvant film Le Dernier Samourai :

Pour être bref : le fameux thème qui s'est apparemment déroulé dans tous les pays du monde, qu'il s'agisse (comme ici) de l'Inde, ou encore du Japon (comme dans le film de Zwick), toujours le même, hélas...
Autrement dit : il y a (heureusement) parfois certaines nobles personnes extrêmement riches, sans aucun besoin de travail, et totalement amoureuses de l'Art et de la musique, tel que l'acteur principal de ce film (jouissant d'une fort belle maison, n'est-ce pas ?) :

Raison de plus pour se rendre de temps en temps devant le miroir, comportant en outre tous ses parents et tous ses grands-parents :

Mais hélas, il y a aussi de grosses "taches" (de même que dans Le Dernier Samourai), autrement dit des personnes très favorisées par l'Angleterre pour gagner le maximum d'argent sans avoir le moindre sens artistique du monde, en l'occurence, son voisin Mahim Ganguly :

Bien qu'il se présente de cette sorte, d'une façon particulièrement hypocrite :

Fort heureusement, malgré sa politesse à peine courtoise, le fameux noble propriétaire du palais, Huzur Biswanbhar Roy, n'en a absolument rien à foutre... La seule chose le passionnant, à part la musique, étant son fils unique Khoka :

Auquel il va offrir un somptueux feu d'artifice :

Comme d'habitude, l'un de ses énormes et géantissimes lustres (que j'adore) :

Et bien sûr un sublime concert, le tout premier des trois du film :

Certes, l'on peut dire que les réactions du public ont été imaginées à l'avance par Satyajit Ray... Mais quoi qu'il en soit, ceci reste énormément descriptif, à commencer par l'attitude lamentable de son voisin Mahim Ganguly :

Complètement opposée à celle du noble Huzur Biswanbhar Roy, à 100% absorbé par le mysticisme le plus absolu :

Avec en guise de contrepartie, la réaction de sa propre (jolie) femme :

Laquelle a beau aimer la musique, n'empêche qu'il lui faut tout de même que l'argent passe en premier (hallucinant, n'est-ce pas, d'autant qu'il se trouve que j'en ai connue autrefois une avec ce même genre d'attitude !) :

Et là, juste histoire d'être honnête... Je me dois de dire que de mon côté, fort heureusement avec mon métier de pianiste qui a toujours très bien marché, je me suis toujours comporté aussi mal que le jeune Khoka, à tel point que je n'ai même pas passé mon BAC, préférant m'arrêter en seconde, tellement cela me faisait chier, lol !

Un monde de passionnés, qui ne possèdent ni voiture, ni électricité (contrairement à leur voisin Mahim Ganguly)... Mais raffolent de la musique, des chevaux, et même des éléphants, comme si rien ne serait jamais digne de pouvoir surpasser le passé, justement :

Mine de rien, toute la famille de Huzur Biswanbhar Roy ne vit plus du tout comme le reste du monde - même s'ils commencent peu à peu à devenir de plus en plus ruinés :

Arrivé au centre du film (de plus en plus magique et fascinant), tout le monde va se trouver confronté à des scènes de plus en plus mystiques, notamment celle-ci, aux paroles tragiques et prémonitoires, lorsque son fils se rend dans une autre ville rencontrer la famille de sa propre mère :

Ce plan sublime concernant une forme de calligraphie Indienne que je ne connaissais absolument pas, mais que je trouve tout aussi remarquable que celle couramment pratiquée en Chine ou au Japon :

Et bien sûr le second grand concert du film, certes encore plus géant que le tout premier, mais légèrement au-dessous du troisième et ultime (dont par miracle, j'ai réussi à capter la vidéo, bonne raison pour lire l'article jusqu'au bout !) :

Hormis quelques problèmes d'argent, tout se passait jusque là plutôt bien... Mais voilà, l'un des immenses lustres du palais commence à tourner sans arrêt sur lui-même :

Comme quoi, un très gros orage se déclenche :

Avec les conséquences que l'on pouvait d'ores et déjà supposer lorsque du fameux "adieu" de Kokha à son père :

Son seul et unique fils, dont il ramène malheureusement lui-même le cadavre dans son propre palais (attention, là, il vaut mieux ne pas avoir les Kleenex trop loin, je préfère prévenir d'avance) :

En apparence, l'on pourrait croire à ce moment précis que le film va être sur le point de finir, de même que l'acteur principal, que plus rien ne semble désormais intéresser :

Mais grâce à une contrepartie équivoque de Mahim Ganguly, désormais suffisament riche pour ouvrir son propre salon de musique alors que Huzur Miswanbhar Roy vient d'être contraint de fermer le sien, le film va encore se poursuivre un bon moment :

Notamment grâce à cet ultime concert dansé de presque dix minutes, à mon sens le plus sublime de tous (et sûrement au sens du réalisateur Satyajit Ray lui-même, qui a dû faire exprès de se faire succéder les thèmes de plus en plus grandioses) :

Phénomène extrêmement curieux : j'ai beau détester à 100% la danse classique Européenne (sans même parler des horribles ballerines, lol !), je trouve cette forme de danse Indienne particulièrement sublime, avec entre autres les mouvements des doigts très subtils et entièrement "codés", paraît-il... Et de toute apparence, je ne suis pas le seul à devenir totalement fou rien qu'en regardant cette magnifique séquence (argh, vive les fameux narguilés, désormais sûrement interdits dans pratiquement tous les pays du monde, sauf au Liban, où j'ai eu l'énorme chance de me rendre en 2005, une année très calme dans ce pays) :

Armez-vous de seulement 8'26" (à la place des 100' du film entier), et je vous promets que vous allez déjà complètement vous régaler (un grand merci à Youtube, pour une fois !) :

Mille fois hélas, les lustres vont commencer à se retourner et à se dégrader :

Les chandelles à disparaître :

Comme tous les matins du monde (ou chaque fin de nuit, cela dépend des goûts... Mais normalement, la plupart des musiciens sont plutôt de ce côté nocturne, tout comme moi) :

Alors bon, continuer (ou non) à vivre dans ce monde à la con, avec toute la famille perdue, presque tout l'argent dépensé, et le palais quasiment en ruine ?
Autant dire qu'il y a une autre solution (même si le Japon est pratiquement le seul pays du monde non seulement à ne pas humilier cet acte, baptisé Seppuku (切腹, Harakiri, selon la "fausse" traduction bien connue), mais en prime à le respecter & à le vénérer royalement) :

Absolument tragique à 100%, comme fin de film, n'est-ce pas ? Mais voici ce qui fait comprendre au bout du compte le sens du générique initial, reproduit une fois de plus à la fin, avec ce fameux lustre mythique qui, tout comme les êtres humains, hésite, se balance, flambe de temps en temps, et finit en fin de compte par s'éteindre :

Bien sûr, ceci sera mon cas l'un de ces quatre, comme tout le monde, évidemment : je serai probablement déjà mort depuis longtemps, alors que vos propres petits-petits enfants ne seront même pas encore nés... Tragique, ou logique ? Aucune idée, certes... Mais en tout cas, incontournable !

Alors voilà : histoire de me faire pardonner, je vous offre en guise de compensation cette sublime vidéo de l'une des plus grande chanteuse et pianiste du monde, Azizah Mustafa Zadeh, juste entre nos deux pays, l'Inde et la France, autrement dit l'Azerbaïdjan, dont le style vous rappellera sans doute en grande partie celui de ce mythique film de Satyajit Ray , que j'espère vous allez prochainement pouvoir vous offrir avec un immense plaisir :

INGLOURIOUS BASTERDS (TARANTINO)

2011-02-24T20:08:00.039Z

Joli cadeau d'anniversaire (for me) !

Le DVD du dernier film absolument géantissime de Quentin Tarantino, que j'ai déjà regardé cinq ou six fois à la suite depuis le 29 janvier, malgré sa durée de deux heures et demie... Un film tellement génial qu'il me pousse finalement à faire revivre ce Blog, vaguement abandonné depuis près d'un an, et que je tente enfin de faire redémarrer - dans un premier temps grâce à toutes ces photos qui ne sont absolument pas dues à ma vision et à mes "recaptures" très patientes & très longues du film sur mon PC, mais à l'offre généreuse de Al Capitaine, dont le Blog de cinéma est extrêmement riche et varié !

Un film très différent des précédents de Tarantino, presque tous basés sur des remontées ou des alternances dans le temps rendant quasiment toujours indispensable une seconde lecture, sauf son film initial (Reservoir Dogs, chronologique & au tout premier degré), et son ultra-célèbre avant-dernier Boulevard de la Mort, lui-aussi extrêmement régulier du début jusqu'à la fin, même si très franchement au second degré (sinon plus, XD !)...

Difficile de parler d'Inglourios Basterds sans faire en même temps un Spoiler, alors je préfère vous en prévenir d'avance !

Un film qui se déroule dans trois de nos pays d'Europe (Allemagne, Angleterre & France) durant la seconde guerre mondiale, à commencer par le nôtre, où l'on découvre de prime abord le "sympathique" Colonel Hans Landa (Christopher Waltz), polyglotte et discutant "gentiment" en Français, puis en Anglais avec le fermier Perrier Lapadite (Denis Ménochet) :

Jusqu'à ce que son souriant visage se fige peu à peu d'une façon très inquiétante :

Hisoire que l'on comprenne sa "réelle" volonté... Celle de retrouver toute une famille Juive apparemment cachée dans la cave de Monsieur Lapadite :

Ce qu'il va bien sûr ne pas hésiter à faire, se remettant cette fois-ci à sa langue originelle pour appeler tous ses soldats aux fins de massacrer toute la cave (sauf bien sûr une petite jeune fille d'une vingtaine d'années, Shosanna Dreyfus, la seule qui va réussir à s'enfuir et sauver sa peau lors de cette scène assez tragique) :

L'un des phénomènes particuliers de ce film réalisé par un Américain (absolument à voir en V.O !!!), c'est que toutes les langues d'Europe durant cette guerre ont été utilisées pour de bon par les acteurs... Ce qui n'est JAMAIS le cas aux USA, normalement, entre autres dans le génial film Marie Antoinette de Sofia Coppola, qui tout en se passant quasiment dans les mêmes pays, reste quasiment parlé en Américain d'un bout à l'autre !

Lors de la seconde "hénaurme" scène, l'on va bien sûr très brièvement rencontrer ce tristement célèbre personnage, inutile de le présenter (avec en prime son fameux dialecte Bavarois, pas spécialement facile à comprendre, pour les amateurs) :

Mais surtout le groupe de "Basterds" responsable du titre, des Américains dont le chef "Apache" Aldo Raine n'est autre que le célèbre Brad Pitt :

Un excellent acteur, dont pourtant dans ce film le maquillage et la petite moustache m'ont fait irrésistiblement penser à la tête de Bill Paxton dans le très drôle True Lies de James Cameron (serait-ce volontaire ?) :

Sauf que sa volonté de buter et de scalper les Nazis s'avère d'une pure violence - et parfois même au second degré, comme si Tarantino avait eu quelque part du mal à s'en priver à 100%, lol !

Exactement comme lorsqu'il présente d'un seul coup le sergent d'origine Allemande, mais rangé de leur côté (Hugo Stiglitz, interprété par Til Schweiger), et ne peut s'empêcher de se soumettre à sa vieille habitude, autrement dit sa passion absolue pour les titres jaunes :

Bref... Là encore, une scène relativement traumatisante, que je vais essayer de ne pas vous dévoiler outre mesure (mais dont vous allez sans doute deviner les conséquences) :

Arrivé environ à la moitié du film, nous nous retrouvons enfin à Paris dans un petit cinéma tenu par Emmanuelle Mimieux - en réalité la toute jeune Shosanna Dreyfus qui s'était enfuie de la cave au tout début du film (très bien interpétée par l'actrice Française Mélanie Laurent) :

Une fort belle actrice (hahaha, une Verseau !) qui va se révéler très vite "draguée" par le Caporal Frederick Zoller :

Lequel va tout faire pour persuader à son tour le Docteur Joseph Goebbels d'adopter le cinéma d'Emmanuelle Mimieux pour une vaste soirée privée réservée aux Nazis - avec un petit double détail assez amusant, vu de mon côté : c'est que l'article Julie Dreyfus, la traductrice personnelle de Goebbels, joue déjà le même rôle dans le premier Kill Bill (en traduisant l'Anglais en Japonais), et qu'en prime, il s'agit également d'une actrice Verseau, née cette fois-ci le même jour que moi, le 24 janvier, lol !

Que dire de plus ? Et bien d'une part, que le très pervers Colonel Hans Landa (Christoph Waltz), responsable du carnage au tout début du film, va toujours hélas s'avérer extrêmement présent :

Et que d'autre part, les scènes finales font devenir de plus en plus complexes, faisant tout d'abord intervenir les services secrets Britanniques :

Pour ensuite se déplacer dans un petit village de province, avec entre autres la fameuse Bridget von Hammersmark (Diane Kruger), actrice non seulement réelle, mais aussi en tant que personnage du film :

Une scène particulièrement "hard", où presque toutes les langues vont se trouver parlées en même temps, et où tout va se dégrader d'une façon particulièrement incontrôlable :

Inutile que j'en dise plus, histoire de stopper un tout petit peu mon Spoiler, et de vous laisser vaguement imaginer la suite :

Sinon pour juste préciser cette chose très importante : le fait que la scène (presque) finale va se trouver quelque part calquée sur celle-ci, mais bien sûr multipliée par dix ou par cent, avec cette fois-ci la mort totalement imprévisible de Goebbels et de Hitler, entre autres (ce qui m'a permis, au passage, de découvrir et de comprendre le terme uchronique utilisé par Wikipédia) :

Ainsi qu'une autre chose, ultra-fascinante vue de mon propre point de vue de musicien : c'est que quelque part, l'on pourrait quasiment qualifier ce film de forme cyclique, une forme assez rarement utilisée en musique (sauf par le mystique César Franck du XIXème siècle), mais souvent divisée en trois grosses parties (tel que ce film), et où l'ultime section reprend toujours les thèmes des deux premières pour les faire se superposer et - éventuellement - les faire se réconcilier...
Ce qui, bien sûr, est absolument le cas de Tarantino, sauf qu'à la suite de sa forme cyclique particulièrement réussie, il semble avoir pris une sorte de malin plaisir à rajouter une sorte de conclusion au douzième degré, très courte, mais dont cette fois-ci je ne révèlerai rien à l'avance, promis !

Bref, un film absolument hallucinant, à voir et à revoir un nombre incalculable de fois, d'autant plus pour les Européens tels que nous, je trouve !

En tout cas, juste un petit rappel de ma citation du début : c'est que si jamais cet article vous a plu, il vous faudra au minimum en remercier l'autre Blogueur de cinéma Al Capitaine à 50% (notamment pour toutes les photos qu'il m'a offertes, venant de l'un de ses articles sur le même thème de Inglourious Basterds)... Vu que de son côté, il publie quasiment un article par jour (ou au pire, tous les deux jours), j'espère que sa générosité me donnera enfin envie de me remettre pour de bon à mon propre Blog de cinéma - que j'adorais énormément faire, mais qui me prenait toujours un temps fou par article, notamment à cause de la très fatiguante capture des images et de leur "retravail", lol !

P.S : Un petit & joyeux "défouloir" à voir ici, concernant le fameux fétichisme de Tarantino au sujet des pieds féminins... Ce qui, je l'espère, compensera cette analyse plutôt sombre de ce film "très noir" !

THE VILLAGE (SHYAMALAN)

2010-01-10T20:08:00.026Z

Film très apprécié, n'est-ce pas ?

Néanmoins, même d'après la pochette du DVD, l'histoire est censée se passer en 1897 (presque comme dans un tableau de Jean-François Millet) :

Ce qui va se révéler totalement faux, bien sûr... Adoncques, attention si vous n'avez jamais vu ce film, je suis absolument obligé d'en parler en tant que "Spoiler" !
Double thème révélé dès le début : d'une part, la vie en communauté dans un village datant du siècle dernier... Sans électricité, sans voiture, sans téléphone (et même sans Internet, bande de barges !), mais avec beaucoup de confiance mutuelle, ainsi qu'une très forte croyance religieuse :

D'autre part, l'interdiction absolue de tolérer la moindre couleur rouge :

Couleur censée attirer une étrange créature hostile au village :

Bonne raison pour laquelle il est très fortement déconseillé de traverser la forêt afin d'atteindre une soi-disant plus grande ville, ce qui contribue également à l'union de la communauté :

De même que dans le génial film Affliction (dont j'ai récemment parlé il y a peu, hélas sans le moindre "comment"), les couleurs jouent donc un rôle très important dans la structure de ce film, à commencer par le rouge interdit, bien sûr, les très appréciés bleu et vert de la nature, le marron et le blanc de la plupart des vêtements, et bien sûr le jaune, considéré la plupart du temps comme un outil de protection :

Notamment la nuit, où le village est volontairement encerclé de flammes et de drapeaux jaunes :

Ce qui n'empêche pas toujours ces très mauvaises influences, même si elles ne s'attaquent pas directement à l'homme :

Seconde histoire, liée et parallèle : celle de l'amour de la jeune fille aveugle du village, Ivy Walker (Bryce Dallas Howard) envers le jeune homme "engagé", près à combattre toutes les contraintes, Lucius Hunt (Joaquin Phoenix, dont la mère Alice est jouée par la très fameuse Sigourney Weaver, Alien, bien sûr) :

En contrepartie avec la passion réciproque d'un jeune homme quelque peu déjanté, Noah Percy (Adrien Brody), plutôt difficile à gérer, malgré la clémence des "bêtes" envers lui :

Un aspect, donc, en résumé très important du film, à mon point de vue... Le fait que quatre visions différentes de la vie s'y présentent simultanément : la première, liée aux habitudes communes, générales et habituelles ; la seconde, démontrant que de ne pas voir "réellement" certaines choses permet d'en voir d'autres bien plus précisément ; la troisième, liée au courage de l'opposition et de la recherche permanente d'une solution originale ; la quatrième, associée au fait qu'une certaine forme de folie peut en revanche s'associer avec certains points positifs (ce qui, je vous rassure, ne va pas durer bien longtemps, lol) !
Au bout d'un bon tiers du film, une soirée commence en effet à se montrer relativement menaçante :

Avec une extrêmement brève apparition de la fameuse créature rouge (difficile de s'en rendre compte avec de simples images fixes, mais au niveau du montage, ceci se révèle assez flippant, en réalité) :

Créature dont la terrible marque va se deviner sur toutes les maisons dès le lendemain :

En tant que musicien, disons que ce film me touche beaucoup, car relativement basé sur la forme de la plupart des Symphonies Romantiques, qui à la suite d'un premier mouvement assez complexe visant à faire s'opposer entre eux deux ou trois thèmes principaux (Beethoven), voire quatre (Brahms), voire cinq, six ou sept (Bruckner, Mahler), marquent subitement une sorte de pause à l'aide d'un mouvement lent nettement plus positif et harmonieux, comme ici la très jolie scène du mariage (celui de la sœur de Ivy Walker) :

Malheureusement suivie de ce que l'on pourrait peut-être nommer "un vilain Scherzo", Lucius Hunt se retrouvant poignardé plusieurs fois par le grand malade Noah Percy (qui néanmoins n'aura pas réussi à le tuer complètement) :

Et c'est là le moment précis où le film révèle en fait une grande partie de la réalité (adoncques, je ne fais peut-être finalement pas un "Spoiler", lol !), lorsque le père de Ivy Walker (l'excellent acteur William Hurt) assume le fait de lui enseigner à quel point ces créatures "monstrueuses" sont en fait complètement bidons et artificielles, en l'occurence totalement créées par lui pour protéger le village :

Ceci juste avant de la laisser partir vers la "vraie" grande ville, celle du vingtième siècle qu'il est l'un des seuls à connaître très bien, tâche dont elle va en fin de compte finir par se charger toute seule, vu la très grande peur de ses deux associés (qui vont se dépêcher de l'abandonner au bout d'un petit quart d'heure de terreur) :

Le film revient alors vers le très étrange et très révélateur moment du passé, celui où le père de Ivy Walker lui fait découvrir à l'intérieur d'un lieu désaffecté l'étrange costume du "faux prédateur" :

Immédiatement suivi par de sublimes scènes en pleine nature, où non seulement Ivy Walker va s'affronter avec une très imprévue créature de ce genre (bon, je ne dirai pas qui se trouve sous ce masque, tout de même), mais où du coup toutes les couleurs - celles de la nature, celle de la bête, et celle de la protection - vont s'affronter simultanément lors de cette scène mythique, que je trouve absolument géniale (et toujours très flippante, même après avoir vu le film une dizaine de fois, car le montage et les couleurs en sont grandioses, je pense) :

Mais fort heureusement, Ivy Walker va finir par mettre finalement toutes les chances de son côté :

Fin du film : tandis que son père n'arrêtera pas de fouiller dans sa boîte de photos (concernant d'horribles meurtres s'étant produit dans de grandes villes Américaines du vingtième siècle), tentant de justifier sa volonté subite d'avoir créé d'un seul coup un "faux" village du XIXème isolé de tout, recréant la communauté entre gens, et isolé de toutes les proches villes par l'invention de faux prédateurs interdisant la traversée de la forêt :

Ivy Walker parviendra finalement à son but (également souhaité par son père, du reste), arriver à notre époque à la recherche de quelques modernes médicaments susceptibles - peut-être - de guérir Lucius Hunt :

Ce que par miracle, elle parviendra fort bien à faire - avec, du coup, une fin du film extrêment réconfortante et positive :

Deux ultimes précisions : primo, sauriez-vous qui pourrait-on deviner, reflété dans le frigidaire des médicaments ? Mais oui : comme dans tous les films de Alfred Hitchcock, il s'agit de l'unique "auto" plan de deux secondes du réalisateur M. Night Shyamalan, ce qu'il fait systématiquement dans tous ses films, lol !
Secundo : la musique est absolument géante, planante, incontournable, due au très fameux James Newton Howard, et interprétée par l'ultra douée violoniste Hilary Hahn (au demeurant, curieusement assez ressemblante à l'actrice Brice Dallas Howard) :

Bon, DSL, j'en ai peut-être révélé un peu trop, là, sur ce coup... Mais j'espère que ce film vous plaira tout autant qu'à moi (curieusement, j'ai adoré tous ses précédents, mais je n'ai pas du tout aimé le suivant, La Jeune Fille de l'Eau, qui m'a énormément déçu)...

LE MONOCLE RIT JAUNE (LAUTNER)

2010-01-04T20:08:00.045Z

Film qui m'éclate toujours, lol !
La suite (un tout petit peu moins bien) du très géant l'Œil du Monocle (1962), du même auteur Georges Lautner et daté de 1964, soit juste un an après le très connu Les Tontons Flingueurs (1963), dans la très agréable combinaison espionnage + humour...

Le début en est certes tout simple... Le chef des services secrets Français montre à l'acteur Paul Meurisse (Colonel Dromard) la dégradation à venir du monde en provenance d'Asie :

Avec tout juste cette très ironique réponse de sa part à sa question "Qu'en pensez-vous ?" : "Hum... Mauvaise série" !

Avec n'importe quel autre acteur, autant dire que cette réalisation aurait pu être dans l'ensemble "ratée de chez ratée" (sans rire)... Mais Paul Meurisse étant quelqu'un d'un aspect tellement particulier, avec une démarche très étrange, un état d'esprit complètement hallucinant, et en même temps, une façon presque XVIIIème siècle de se comporter vis à vis des autres gens, auxquels il se sent toujours supérieur, rien à dire d'autre que ce film marche toujours à 200% (du moins à mon propre avis personnel), plus de quarante ans après sa création !

Dommage (pour le Blog) que les dialogues ne puissent pas s'afficher en sous-titres Français, alors je vais être obligé de vous en citer certains, entre autres celui-ci (au douzième degré, comme d'habitude de la part de Paul Meurisse), avec le très grand acteur Robert Dalban :
- Monsieur Poussin, cette terre est la Chine, éternelle... Sentez-vous le parfum des alyzées qui vous apportent les douces senteurs de l'Empire du Milieu ? Entendez-vous le tintinabulement des porcelaines de l'époque ? Dans les Palais verdoyants, où les Mandarins laissent s'écouler le temps paisible, en compagnie de concubines passives ???

Mine de rien, la grande majorité du film a été tournée à Hong-Kong et à Macao "pour de vrai", de sorte que beaucoup de plans se révèlent très beaux (si vous en êtes d'accord) :

Hormis Paul Meurisse et Robert Dalban, quatre acteurs principaux interviennent dans ce film... Tout d'abord, Edward Meeks (Major Sydney, le "chef" Anglais de Hong-Kong) :

Barbara Steele (Valérie, une "espionne" de tous les côtés) :

Un acteur Chinois non cité, mais qui joue grosso modo le rôle de responsable de la plupart de tous les meurtres :

Le premier étant celui d'un espion Français, Bergourian, tout juste à la sortie du bâteau :

Quatrième acteur (plutôt assez mauvais, il faut bien le dire), Olivier Despax jouant le rôle de Frédéric, sorte de fils très riche, très bête et très planqué du responsable Français du Ministère de l'Extérieur :

Que tous les deux prennent déjà d'emblée pour une sorte d'abruti, cela se devine tout de suite :

L'un des autres dialogues géniaux du film, lorsque Frédéric commence à dire : "Mais enfin, nous ne sommes pas en guerre avec les Anglais, que je sache" ?

Et Paul Meurisse, en train de répliquer, avec l'une de ses attitudes toujours complètement moqueuses et déjantées (et son incontournable cigare) : "Il est toujours bon, jeune homme... D'être en guerre avec les Anglais" !

Plusieurs choses à venir assez rigolotes dans le film... Tout d'abord, l'arrivée dans le domicile du Français d'origine Juive Elie Mayerfitsky (Marcel Dalio), "accro" en permanence à la célèbre chanson "J'irais revoir ma Normandie" :

La scène où Paul Meurisse, afin d'en apprendre davantage, se met avec grand plaisir à "fumer de l'opioume" (comme il le dit avec fierté, incompréhensible de nos jours, où le Gouvernement a même failli récemment interdire dans le métro une affiche de Serge Gainsbourg fumant son absolue cigarette, de même que moi, lol !) :

Scène qui après bon nombre d'explosions, finira par se terminer dans le bureau du Major Sidney avec une forme typique d'indifférence absolue :

Avec ensuite, la nuit venue, une première soirée de nouveau amicale autour d'une "fondue Mongole" dans un restaurant, durant laquelle le peu gourmet Robert Dalban n'arrêtera pas de râler en disant sans arrêt (un peu comme en citation du précédent film l'Œil du Monocle) : "Bon... N'empêche qu'il n'y a ni vin rouge, ni beefsteak, ni frites" !

Sans parler de cette autre citation, purement vestimentaire, d'un très célèbre acteur Américain de l'époque (Humphrey Bogart, bien sûr !) :

Autre fameux passage, lorsque Paul Meurisse se rend à Macao en compagnie du très incompétent serviteur Frédéric de la France :

Juste avant de découvrir à l'occasion le cadavre de la seule personne qui aurait pu facilement les aider dès le début :

Excellente citation, commencée par le grand "virtuose" :
- Je ne m'étais pas trompé, elle a reçu une visite avant la nôtre...
- Elle est morte ?
- Hum, non... Elle attend que ça morde !

Encore une très belle scène au pied de la fameuse église Portugaise de Macao, São Domingo :

Au pied de laquelle un grand nombre de Chinois se font descendre par ces deux mêmes acteurs :

Quitte à ce qu'ensuite Paul Meurisse, après avoir enseigné l'usage du pistolet à son tout jeune "élève", parcoure l'étendue du carnage en faisant les comptes mutuels, rien que pour s'amuser ("Bon, ne soyons pas mesquins, je vous le laisse... Cela fait : dix à trois !") :

Visite ensuite solitaire dans l'un des plus anciens temples de Macao, où Paul Meurisse va enfin grâce au vieux moine découvrir de toutes nouvelles pistes :

Pendant que Marcel Dalio et Robert Dalban "prennent leur pied" dans leur cuisine, en train de préparer un fameux Coq au Vin :

Scène qui se prête à l'occasion à une très fameuse citation des Tontons Flingueurs de 1963, où Paul Meurisse faisait une minuscule apparition vers la fin, de même qu'ici l'à peine entrevu Lino Ventura, acteur principal de ce précédent film très connu :

Et maintenant, à table... "Vous êtes deux Mères Poules, pour moi... Merci, Poussin !" :

Sans en dire trop (quoi qu'à tout prendre, l'intrigue n'est guère le moteur principal de cette inépuisable comédie), dîner encore une fois "explosif", suivi par une entrevue dans le Sauna avec le Major Sydney, avec de nouveau un dialogue au douzième degré :
- Voyez-vous, Major, plus je vois ces Chinois, plus je me dis... Mon Dieu, qu'ils sont Français...
- C'est de l'amour ?
- Non. C'est de la propagande !

Encore une fois un grand repas plein de charme (et de charmeuses), au bord de la mer :

Dont l'attaque (une fois de plus sans les mettre dans le moindre danger), donnera lieu pour une fois à une assez rare chorégraphie :

Une fois de plus réalisée par tous les espions Chinois :

Peut-être, de la part de Georges Lautner, en hommage à certains films Américains favoris de ce genre de scènes ?

Quoi qu'il en soit, l'une des séquences les plus drôles du film proviendra du fait que les trois Français, ayant perdu leur micro sans fil, se résigneront à communiquer avec le Major Sydney en chantant J'irai revoir ma Normandie en direct devant le public de l'Opéra de Pékin, sonorisé et audible dans toute la ville, scène en soi proprement indescriptible :

Normalement, la situation d'être musicien "like me" me rend (peut-être hélas) souvent assez critique envers certains films... Mais ici, le fait qu'aucun de ces trois acteurs ne soit réellement chanteur rend le mixage encore plus à hurler de rire, en fonction de leurs fautes mutuelles de justesse et de rythme, lol !

Quant à la scène finale (calquée sur certains plans de l'Oeil du Monocle, axés sur le mélange surprenant entre l'air totalement méprisant de Paul Meurisse et sa citation ouverte de textes religieux de Bossuet), autant dire qu'il s'agit de l'une des meilleures du film :

Avec la femme du faux défunt dont la bombe va se trouver détournée au tout dernier moment (profitez-en, tant que le lien de You Tube va encore se daigner à marcher) :

L'actrice en question se révélant être en réalité la vraie mère de Georges Lautner, Madame Renée Saint-Cyr (qui a vécu près de cent ans, née en 1907 et décédée en 2004 !!!) :

Plan ultime avant le générique de fin, avec la question de "l'officiel" qui accueille Paul Meurisse enfin de retour à Orly :
- Mon cher Dromard (...), mais dites-moi, le séjour en Extrême-Orient ne vous a pas trop marqué ?
- Absolument pas (lol) !!!

Que raconter d'autre au sujet de ce film, histoire de finir convenablement mon premier article de 2010 ?
Certes, l'on pourrait encore une fois dire qu'il s'agit là très nettement d'un "Spoiler", mais après tout, peu importe... L'intrigue d'espionnage se révèle en fait surtout un vague prétexte à la relation extrémiste entre l'esprit très particulier de Paul Meurisse et les réactions plutôt "basiques" de ses différents collaborateurs, alors bon, peu importe de savoir à l'avance tout ce qui va se passer, le texte restant en outre toujours aussi génial, de même que dans les précédents films de Georges Lautner : ceci ne vous enlèvera jamais l'envie de tous les revoir 10, 20 ou 50 fois, lol !
Par contre, chose dont on parle hélas assez peu souvent, c'est de la très grande qualité de la musique "jazzy" de ce film, due à l'époque au célèbre Michel Magne (probablement de la même famille que André Magne, le premier importateur en France des plus sublimes pianos du monde, les Bösendorfer), compositeur d'énormément de musiques de films, ainsi que de nombreux morceaux d'Henri Salvador, et pourtant tragiquement mort à la suite d'un terrible suicide (snif)...
Alors bon, pourvu que ceci ne soit plus le cas de personne, à l'avenir...

Très bonne année à toutes les (très rares) lectrices et lecteurs de ce Blog !!!

P.S "just for fun" : Je viens tout juste de m'apercevoir que Georges Lautner était né exactement le même jour que moi (24 janvier, mais pas la même année, hein), alors peut-être est-ce pour ceci que j'aime autant ses réalisations ? LOL !!!

A venir prochainement : une plutôt complexe analyse du très beau film The Village de Night Shyamalan (dont j'ai déjà balancé 36 photos dans un "lien secret", sans le texte, lol !)... Et très certainement aussi au sujet du très ancien ouvrage Le Salon de Musique de Satyajit Ray que je viens de recevoir (1958, le chef-d'œuvre absolu concernant mon sujet favori)... Mais un encore un peu (beaucoup) de patience, please !

BODY SNATCHERS (FERRARA)

2009-12-26T20:08:00.022Z

Un vrai "spoiler", pour une fois, non ?

Certes... Mais peu importe, puisque ce film, tourné en 1993 par le très fameux Abel Ferrara (juste après Le Roi de New York et The Bad Lieutenant, que j'adore tous les deux), d'après un roman de l'écrivain Jack Finney (1911-1995), avait déjà été porté au cinéma en 1978 par Philip Kaufman (d'une façon assez décevante, à peine digne d'une série TV, pour tout dire, malgré la présence de Donald Sutherland), et encore bien avant par le réalisateur Don Siegel en 1956 (l'excellent auteur de l'un des tout premiers films de Clint Eastwood, Dirty Harry), lors d'un film en revanche très réussi en N & B. Disons donc que, plus d'une cinquantaine d'années plus tard, faire un "spoiler" ne peut guère être bien grave, puisque 90% des gens doivent connaître plus au moins le thème du film par cœur, lol !

Meilleure preuve, du reste, c'est que l'article de Wikipédia à ce sujet décrit pratiquement ce film plan par plan, à l'aide d'un texte plutôt très long, comme assez peu souvent... Alors qu'en réalité, exactement de la même façon que le mythique Alien, son thème est tellement simple que son résumé pourrait finalement s'en tenir à une dizaine de lignes, disant en gros : une certaine forme d'extra-terrestres arrive sur la terre en grand secret, pouvant s'infiltrer dans le cerveau des êtres humains uniquement durant leur sommeil, sinon qu'ensuite, aucun d'entre eux n'a plus de véritable personnalité, tous pensant exactement de la même façon (énorme point commun avec le très fameux Dark City de Alex Proyas) :

Contrairement aux deux versions précédentes de Philip Kaufman et de Don Siegel, le film se déroule presque entièrement dans le milieu militaire, où se rend tout au début une famille "recomposée", avec la (très jolie) fille d'un premier mariage, le tout jeune fils du second mariage, sa maman et le père, engagé là-bas pour ses compétences médicales et biochimiques :

Seul acteur encore connu de ce film (mais qui ne l'était peut-être pas à l'époque ?), un médecin lui aussi très compétent, mais du côté de l'armée :

Mais oui, bien sûr, le désormais très célèbre Forest Whitaker, dont j'ai déjà parlé plusieurs fois ici (entre autres, au sujet de Ghost Dog et du Dernier Roi d'Écosse) :

Très curieusement, la toute première personne à prendre conscience de l'invasion dévorante de ces extra-terrestres est le plus jeune garçon de la famille, lorsqu'il s'aperçoit qu'à part lui, tous les enfants de l'école (déjà contaminés, donc) font exactement le même dessin :

Jusqu'à ce que l'on se rende compte, assez rapidement, que ces créatures proviennent de gros oeufs extrêmement proche de ceux du film Alien (1979), sinon que l'œuvre initiale de Don Siegel, antérieure de 23 ans, proposait déjà ces mêmes images :

Alors attention... Le réalisateur Abel Ferrara, fort bien réputé pour ses très nombreux côtés "sulfureux" (tabac, drogues, alcool, sexe, bref, en quelque sorte une espèce de second Mozart, lol !) n'a en revanche pas pu s'abstenir de montrer son respect envers trois films précédents, à vous de deviner lesquels (dans l'ordre chronologique) :

Bravo à toutes celles et tous ceux qui auraient deviné ! Bon, en tout premier lieu, Apocalypse Now, bien sûr, de Francis Ford Coppola (1979), avec la mythique scène d'hélicoptères au lever du jour... Ensuite, comme d'ailleurs mentionné dans le dialogue, Top Gun de Tony Scott (1986), le frère du fameux Ridley Scott, réalisateur du tout premier Alien, et pour finir, une sorte d'immense respect envers l'avant-dernier film de Stanley Kubrick, Full Metal Jacket (1987), qu'il faudra tout de même que je commente l'un de ces jours, n'est-ce pas ?

Fort heureusement (même si c'est dû à l'alcool ou aux drogues), Abel Ferrara se révèle toujours dans ses films plutôt très doué, esthétiquement parlant :

Bon. Bien sûr, en 1993, il n'existait encore quasiment aucuns effets spéciaux numériques (ou alors, comme sur Abyss de James Cameron, à prix d'or), et ceci se voit nettement par moments :

N'empêche que certaines scènes se révèlent exactement tout aussi terrifiantes que dans le premier film de Don Siegel, notamment lorsque le plus jeune enfant de la famille prend subitement conscience du fait que sa mère n'est désormais plus sa mère (et je trouve cette actrice, Meg Tilly, que je connaissais pas, extrêmement persuavive dans ce rôle très étrange) :

Après s'être montrée durant tout le début du film comme une femme très expressive et très communiquante, ce changement subit et très brutal de sa personnalité s'avère extrêmement efficace ! Sans parler de cette (fausse) scène de "cul" également assez traumatisante avec son mari (genre de plan que le fameux "obsédé" Abel Ferrara ne peut pas s'empêcher de placer dans tous ses films, au minimum une fois, fort bien connue dans le tragique Bad Lieutenant, où à ce moment précis, environ un tiers du public quitte généralement la salle de cinéma, tellement ceci s'avère plutôt très dur à supporter, lol !) :

Tout juste si la jeune fille n'est pas à son tour toute prête à se faire envahir par ces très étranges Aliens (pour tout dire, plutôt très ressemblants à certains Spaghetti, vu le gros manque - à l'époque - de trucages numériques!) :

Et là, une fois de plus, la mère jouée par l'actrice Meg Tilly apparaît d'un seul coup de la même façon que dans le film initial de Don Siegel, prête à hurler d'une façon très impressionnante, juste pour avertir tous ses collègues extra-terrestres :

Hurlement qui, à chaque fois, va réunir tous les prétendus "collègues" humains dévorés par les extra-terrestres pour lutter contre les très rares personnalités restantes (très impressionnant, aussi bien dans le tout premier film que dans celui-ci) :

Dont certaines ne vont pas hésiter à se livrer au seul acte théoriquement interdit par la majorité des pays du monde (sinon le Japon, qui a toujours cultifié le suicide, très étrangement, notamment le fameux et ultra-douloureux Harakiri) :

Dernière petite citation graphique en hommage à Alien (si je ne me trompe pas) :

En revanche, le film ne se termine pas du tout de la même façon que le tout premier de Don Siegel, dont la fin - montrant des camions chargés d'œufs se rendant en secret dans toutes les grandes villes du pays - s'avérait réellement terrifiante !

Là, en résumé, c'est une sorte de contraire absolu, quoi... Les très rares personnes vivantes encore "humaines" quittent la caserne en hélicoptère au dernier moment, et vont en profiter d'une façon plutôt positive pour bombarder tous les camions coupables de ce genre de livraison :

Très étonnant de la part d'Abel Ferrara, qui d'une manière générale, termine pratiquement tous ses films d'une façon très noire et très pessimiste (notamment les deux dont j'ai déjà parlé ici, The King of New York et The Bad Lieutenant, de vrais chefs d'œuvres, certes, mais pas bien gais, lol) !

Voili, voili, voilà... Désolé pour le "spoiler" (qui n'en est certainement pas un pour 90% des gens), mais je ne pouvais pas parler du film autrement ! Du reste, peu importe : car j'ai en gros dû voir le premier Alien environ 300 fois (et Shining une cinquantaine de fois), mais peu importe que je connaisse quasiment par cœur l'endroit précis des scènes traumatisantes, elles me font vraiment "sauter" à chaque fois, quoi...

Alors, juste histoire de me faire pardonner, un plan du film qui m'a relativement amusé, celui où même en 1993, on voit la jeune fille déjà complètement "accro" des fameuses baskets de chez Converse, comme très (trop) souvent de nos jours :

Meilleure preuve : c'est qu'à mon tour, malgré ma mauvaise volonté initiale, j'ai aussi fini par craquer le jour même de Noël, lol !!!

J'espère qu'en tout cas vous aimerez bien ce film (pour moi quasiment tout aussi impressionnant que le premier de Don Siegel), au sujet duquel j'ose me prendre à espérer que vous laisserez peut-être un petit commentaire ???

PI (ARONOFSKY)

2009-12-14T20:08:00.011Z

Soit, comme chacun sait : 3,1415926526...

Le très étrange tout premier film d'un encore jeune auteur (né le 12 février 1969, haha, vive les Verseaux !), réalisé en 1998 avec seulement 60000$ et en noir et blanc, ce qui fait quelque part très fortement penser au fameux Eraserhead de David Lynch (un autre Verseau, bien évidemment, lol !) :

Très rapidement, le film démarre avec quatre données essentielles en l'espace de dix minutes, qui non seulement vont servir à toute son architecture (très virtuose, sur un thème aussi rarement traité, et pile-poil d'environ 1h15 tout comme Eraserhead !), mais aussi à la construction/déconstruction/reconstruction de l'acteur principal, Sean Gullette, dans le rôle de Maximillian Cohen. En résumé, primo, son crâne va déjà plutôt très mal se réveiller (premier plan du film) :

Secundo, le dit crâne va tout de même montrer, au contact de l'une de ses très jeunes voisines Asiatiques, qu'il possède vraisemblablement un pouvoir mathématique instantané et rarissime, tout comme Mozart ou certains joueurs d'échecs, ayant gagné 20 ou 30 parties les yeux bandés en moins d'une journée :

Tertio, nous comprenons très rapidement son étrange "sens du monde" :

Quarto, sa provisoire conception de la beauté de la nature, qu'il ne ressent encore qu'au douzième degré avec son cerveau 400% purement mathématique (sachant cependant que cette scène sous les beaux platanes, située au tout début du film qui va se révéler de plus en plus flippant, va en même temps servir d'ultime plan final, d'une façon très inattendue, très positive et très agréable, de sorte que je qualifierais tout de même cette œuvre assez tragique d'un grand optimisme, au bout du compte) :

En attendant, Maximillian Cohen - disons, plutôt, Max Cohen - ne vit guère qu'une vie d'enfer, rarement en dehors de chez lui, verrouillé avec une dizaine de serrures et de cadenas, bourré de médicaments, et passant les trois quarts de son temps sur son ordinateur à rechercher d'éventuelles lois mathématiques concernant, entre autres, la bourse et les marchés financiers :

Autant dire qu'il est plutôt assez logique qu'il quitte son appartement avec cette gueule assez hallucinée :

A peine capable d'apprécier la gentillesse de sa jolie voisine Devi, probablement amoureuse de lui (Samia Shoaib, qui participera également à son prochain Requiem for a Dream) :

Trois personnages vont jouer à ses yeux durant le reste du film trois rôles essentiels et fondamentaux : celui du père, celui du prêtre, et celui de la femme dominatrice, en résumé, les quasi trois seules personnes qu'il va se révéler capable de fréquenter... En commençant par son "faux" père, à vrai dire son ancien professeur Sol Robeson (le seul acteur connu de ce film, Mark Margolis, bien sûr présent par la suite dans Requiem for a Dream, mais aussi - très brièvement - sur le fameux Les Pleins Pouvoirs de Clint Eastwood) :

Le "faux" père - déjà lui-même un peu malade d'avoir recherché autrefois, et en vain, d'insolubles énigmes mathématiques - tentera vainement d'essayer de changer le cerveau de Max Cohen, en croyant lui faire découvrir la pureté absolue de la nature, imprévisible, incontrôlable et indéchiffrable, comme il essaye de lui montrer grâce à ce fabuleux jeu de Go Japonais (囲碁, auquel on a d'ailleurs tenté de m'initier au moins une fois dans le pays même, mais que j'ai franchement trouvé encore plus complexe que les échecs, dont je connais certes bien les règles, mais auxquels je joue extrêmement mal) :

La seconde personne symbolique, le "faux" prêtre Lenny Mayer (Ben Shenkman), a sans doute dû en grande partie s'imposer à Darren Aronofsky du fait de son histoire personnelle, puisqu'élevé lui-même au départ dans une famille juive traditionnelle, avant d'abandonner de plus en plus la religion pour se consacrer au cinéma. Raison pour laquelle, du moins dans un premier temps, Lenny Mayer va plutôt apparaître à Max Cohen comme un personnage sympathique :

Notamment en lui faisant découvrir quelques aspects mathématiques religieux assez fascinants, comme les sens cachés de l'écriture en Hébreu ou le nombre d'or de Fibonacci (très fabuleux pour nous autres musiciens, puisqu'à l'exception du 2, cette célèbre série 1,1,2,3,5,8 désigne les harmoniques naturels fondamentaux, l'unisson, la tierce, la quinte et l'octave) :

Marcy Dawson (Pamela Hart), la troisième personne symbolique, se révèlera par contre beaucoup moins drôle dès le début, sorte de "femme dominatrice" spécialiste des finances et de la bourse, son simple but étant d'offrir à Max Cohen certains processeurs haut de gamme, ou encore pas mal d'argent, juste histoire d'en gagner elle-même encore plus grâce à l'apport mathématique du jeune homme :

Alors que dire de plus (car bien sûr, ce serait dommage de faire ici un "spoiler") ?

En tout cas, je trouve que ce tout premier film de Darren Aranofsky (à l'âge de 29 ans !) s'avère dans l'ensemble absolument parfait, non seulement en fonction du sujet abordé, absolument rarissime au cinéma, mais aussi le traitement extrêmement bien maîtrisé de tous ses aspects, qu'il s'agisse du jeu des acteurs, de la musique, du montage très original, parfois très lent, parfois d'une rapidité incroyable (comme on le verra de façon encore plus époustouflante dans Requiem for a Dream), ou encore de la grande beauté de très nombreuses images, notamment certains gros plans qui me semblent presque proches d'un tableau, comme par exemple cette spirale du lait dans le café :

Le tabac de Lenny Meyer :

Et même le plan où tout se confond :

Sans parler du fameux "bug" du processeur :

Le mot "bug" venant très précisément, à l'origine, du dysfonctionnement des tout premiers ordinateurs (immenses) à cause de la présence de certains insectes aux endroits sensibles :

Sinon que là, arrivé vers la fin du film, le pauvre Max Cohen va de plus en plus se trouver persuadé que c'est dans son cerveau qu'il y a un énorme "bug", et tenter de résoudre le problème lui-même de très étrange façon :

Mais au final, j'ai toujours trouvé la conclusion absolument magnifique, lors de l'ultime plan où Max Cohen, devenu désormais incapable de répondre aux questions de sa toute jeune voisine Asiatique :

Voilà enfin qu'il se trouve, pour la première fois dans tout le film, doté d'une paix intérieure, d'un visage très calme, d'un regard très brillant, d'un grand sourire, et d'une vision pratiquement mystique - sans aucune mathématique ! - sur les fameux platanes du début, comme si seul Dieu pouvait les faire vibrer ainsi (et pour être tout à fait honnête, je dois avouer que c'est une expérience qu'il m'arrive très souvent de vivre en montagne - sauf que moi, je n'ai par contre aucun don pour les maths, de sorte que je ne suis pas obligé de me percer le cerveau, lol !) :

Petite anecdote très curieuse, pour finir... La personne qui m'a prêté ce film, et donc me l'a fait découvrir pour la première fois (une élève violoniste d'environ 25 ans), m'a tout simplement dit : "Tiens, regarde ça, tu vas voir, c'est trop géant... Sauf la fin, là, j'ai rien compris" ! Et pourtant, j'ai trouvé ça plutôt évident d'emblée, tellement ceci se révèle assez typique des musiciens en général (phénomène fort connu des psychiatres et des psychanalistes) : l'alternance et l'échange rapide entre le cerveau gauche (analyse, théorie, sens rythmique) et le cerveau droit (intuition, sensation, oreille harmonique)... Plutôt étrange, comme réaction, non ? D'autant plus qu'il est bien connu que cette faculté est bien plus répandue chez les femmes que chez les hommes, en partie du fait de la plus grande finesse de la membrane séparant les deux hémisphères... Ce qui fait qu'en général, 80% des élèves dans les conservatoires sont des jeunes filles, et très franchement, je n'ai qu'une chose à dire : tant mieux !

P.S : Très bientôt, je vais probablement vous parler du second film réalisé par Darren Aronofsky 2 ans plus tard (Requiem for a Dream, que je viens ce soir de me regarder dans la foulée avec grand plaisir), mais ce ne sera pas forcément très facile : d'une part, parce que contrairement à Pi, il s'agit d'un film d'une noirceur absolue ; d'autre part, du fait que l'un de ses aspects les plus étonnants réside dans une conception quasiment musicale en accelerando sur 4 thèmes (personnages), allant du calme Adagio initial au très violent Prestissimo de la fin, ce dont hélas il sera très difficile de parler sur ce Blog (d'autant que j'ai désormais renoncé à y placer des extraits Youtube de cinéma, vu qu'en général, ils se trouvent bloqués et interdits dans les mois à suivre)...

En attendant : et bien soyez gentil(le)s d'aller éventuellement faire un petit tour sur le film suivant, Affliction de Paul Schrader, où personne n'a encore curieusement laissé le moindre "comment" (alors que déjà presque une vingtaine au sujet du fameux Gran Torino de Clint Eastwood)...

AFFLICTION (SCHRADER)

2009-12-12T20:08:00.027Z

Un film bien "gai" (1998), lol !

Non, je plaisante, là... Car comme l'on peut déjà le supposer avec la sinistre couverture du DVD, ainsi qu'avec le choix de ces quatre excellents acteurs (assez rarement présents dans les comédies, il faut bien le dire), il s'agit en réalité d'une immense tragédie basée sur un puissant roman de Russel Banks, et pour tout dire, d'un film bien moins connu qu'il ne le mériterait (malgré un Oscar et 2 Nominations) :

Histoire d'être franc, Paul Schrader a rarement été réputé comme réalisateur, bien qu'en tant que scénariste, il ait toujours joui de la plus grande admiration de Martin Scorsese, dont il a conçu au minimum quatre films (entre autres, le très géant À Tombeau Ouvert, que j'adore par dessus tout) !

Quoi qu'il en soit, je trouve personnellement ce film non seulement très émouvant, mais aussi très bien construit, très bien interprété, et réalisé d'une façon plutôt originale, avec une phobie de la conception des couleurs quasiment digne de Stanley Kubrick (sinon inspirée par lui)... Autrement dit, l'on pourrait presque analyser cette œuvre comme ne se basant pratiquement que sur le bleu (la nuit, la dépression), le rouge (la colère & le sang) et le blanc (la virginité, mais peut-être aussi la mort ?), option visible dès le générique de début, ainsi que lors des tout premiers plans :

Notamment lors de la scène initiale déjà bien "hard", où le policier Wade Whitehouse (Nick Nolte, que j'aime beaucoup), déjà bien brouillé avec ses parents, loin de son frère et divorcé de sa femme, trouve en prime le moyen de louper la rarissime relation avec sa propre fille, qu'il voit de moins en moins fréquemment :

D'un côté, il semble vouloir tout essayer :

Mais de l'autre côté, il rate évidemment l'essentiel, même s'il culpabilise grâce à cela, quelque part (étonnant, du reste, que cette attitude ait été en quelque sorte presque reprise à 100% dans le fameux film français collectif Paris Je t'aime, où Nick Nolte joue un rôle extrêmement proche, d'autant plus que dans ce très court métrage, il s'appelle tout comme moi Vincent et habite à côté du célèbre Parc Monceau, lol !) :

Dès le début du film, en fait, rien qu'à voir la tronche déjantée de Nick Nolte, complètement "à côté de la plaque" de son propre job en repensant aux paroles de sa fille, on se dit qu'il ne faudrait peut-être pas aller plus loin :

Ce dont Paul Schrader n'hésite pas à nous prévenir par cet étrange plan (qui peut-être aurait inspiré David Lynch dans Mulholland Drive ?) :

Au départ, le scénario du film se base pourtant sur un théorème plutôt simple : la très inattendue mort de l'un des amis politiques du maire Gordon Larivière (Holmes Osborne), lors d'une étrange chasse au cerf dirigée par Jack Hewitt (Jim True)... Mais en l'occurence, rien de mieux pour lancer les fantasmes de Wade Whitehouse à 100 km/h :

Pauvre Wade, qui passe désormais une grande partie de son temps à imaginer tout ce qui a bien pu se passer (de ce point de vue, le film fait assez penser au très fameux Memento de Christopher Nolan) :

Et en prime revivre les images traumatisantes de sa petite enfance avec son terrifiant "démon" de père (James Coburn), passant l'essentiel de son temps à boire des litres d'alcool, à humilier sa femme, et à frapper ses propres enfants :

De même qu'en musique classique, l'Allegro d'une symphonie donne très souvent suite à un Adagio plus apaisant, la mort de la mère de Wade au bout d'une petite heure de film va enfin offrir l'occasion à la famille explosée de se rencontrer de nouveau - notamment avec Rolf Whitehouse (Willem Dafoe), le frère de Wade :

L'un des très rares plans du film en plein jour (c'est pour cette raison que je disais au tout début que le blanc pouvait peut-être évoquer la mort) :

Ainsi que l'un des uniques plans (sinon l'unique) où l'on aperçoit du même coup les quatre célèbres acteurs du film :

Hélas, à partir de là, de même que dans une symphonie, où l'Adagio du milieu se trouve presque toujours suivi par un très agité (et souvent violent) Finale, tout va finir par se dégrader très rapidement d'une façon, disons, plutôt lamentable :

Dont, bien sûr, je ne peux rien dire de plus, histoire de ne pas être accusé une nouvelle fois d'écrire un "spoiler" :

Sinon qu'à la fin, après que le cerveau de Wade ait tourné en vain autour de plein d'hypothèses toutes aussi "barges" les unes que les autres, son père va tout de même finir par mourir pour de bon, après l'avoir engueulé une ultime fois :

Symboles désormais très puissants : 1) à la fin du film, Wade, bien que non responsable de la mort de son père, décidera tout de même de mettre finalement le feu à toute sa maison délabrée (occasion, pour le réalisateur, de faire uniquement intervenir à ce moment précis les couleurs jaunes et oranges, jamais vues précédemment) :

2) Et hélas, impliquera aussi Wade à poursuivre visiblement sa vie telle qu'elle était déjà, autrement dit solitaire et abandonnée, le cerveau dévoré par les flammes, et le corps dévoré par l'alcool (et le tabac, oui, dsl, je suis moi aussi un grand spécialiste de ce dernier point !) :

En résumé, même s'il faut avoir le cœur bien accroché, j'ai toujours considéré ce film comme un chef d’œuvre absolu, très noir, certes, mais d'un autre côté très pur, extrêment bien construit, joué, filmé et réalisé...

Après tout, peu importe de produire des dizaines de créations, si aucune de celles-ci ne se révèle digne de survivre au temps... Mieux vaut n'en réaliser qu'une seule, que tout le monde admirera toujours 10 ans, 20 ans, 50 ans ou 100 ans plus tard (comme, entre autres, le très rare Wolfen de Michael Wadleigh, ou le génialissime 2001, A Space Odyssey de Stanley Kubrick) !

Voire même 300 ans plus tard, comme les trop sublimes oeuvres de notre grand Johann Sebastian Bach (1685-1750), incontournables, bien sûr...

GRAN TORINO (EASTWOOD)

2009-12-02T20:08:00.027Z

Encore un chef-d'œuvre (évidemment)...

Le tout dernier film de Clint Eastwood en 2008, sorti en France le 9 janvier 2009, dans lequel il s'est remis à jouer l'acteur de façon très convaincante (ce qu'il avait pourtant décidé de ne plus faire depuis Million Dollar Baby) ! Tout ce que j'espère, c'est que Grand Torino ne sera pas son ultime film, et que malgré ses actuels 79 ans, il sera capable de faire comme le fameux réalisateur portugais Manoel de Oliveira, qui a pu continuer cette année jusqu'à la centaine (if only)...

D'une façon fort "gaie", ce film démarre sur l'enterrement de sa femme adorée :

Cérémonie durant laquelle il semble se montrer méprisant envers tout le monde, en tant qu'ancien militaire, à commencer par sa propre petite-fille (qui ne s'habille pas comme il le souhaite) :

Sans oublier le très jeune prêtre, qu'en grande partie à cause de sa jeunesse et de son incontournable virginité, il prend évidemment pour un crétin absolu :

D'un certain côté, ceci pourrait bien sûr se montrer totalement sinistre... Mais à force d'exagérer le cynisme, tout juste si le film ne frôle pas une certaine forme d'humour dès le départ, notamment à chaque fois qu'Eastwood se permet - avec une sorte de routine très exagérée - de critiquer quelqu'un, et de cracher ensuite un gros morceau par terre, lol !

Allez hop, je gerbe sur ma famille présente à l'enterrement :

Et je crache, par habitude :

Je gerbe sur ma petite-fille prête à une seule chose, attendre que je clamse pour me piquer ma caisse, la fameuse Gran Torino :

Voilà, pouf, je recrache :

Et je regerbe enfin un bon coup sur tous mes voisins orientaux que je déteste :

Allez hop, encore un bon crachat pour la route :

Bref, tout ce début apparaît tellement exagéré de façon volontaire, qu'il s'avère en fin de compte assez réconfortant, en quelque sorte... Jusqu'à ce que l'on parvienne, au bout d'une vingtaine de minutes, sur une scène déjà nettement plus tendue, celle où l'un des jeunes voisins chinois de Clint Eastwood (Thao) commence à se faire menacer à Highland Park (Michigan) par une bande de blacks bien déjantée :

S'en faire sauver in extremis par la bande tout aussi déjantée de son propre cousin (dont il a plutôt tendance à se méfier d'emblée) :

Bande qui va hélas exiger de lui en revanche de s'intégrer à eux en faisant preuve de "couilles", autrement dit en tentant de piquer la fameuse Gran Torino de Eastwood :

Chose qui va plutôt très mal se passer :

Fort heureusement sans aucun mort, ce qui fut tout de même à deux doigts de se produire pour de bon :

Sinon qu'au bout d'une toute petite heure, c'est là que le film va commencer à basculer peu à peu d'un autre côté, suite de nouveau à une agression très limite dont vont être menacés Sue (la sœur de Thao) et son "mec" Irlandais, de nouveau par une bande de blacks :

Et si par miracle, Eastwood (autrement dit Mr Kowalsky dans ce film, en grand hommage au génial Vanishing Point de Sarafian) ne s'était pas trouvé par hasard dans le coin, tout aurait pu très mal finir :

Voici le moment que je vous fasse enfin part de mon point de vue de musicien (même si vous n'en voulez pas) : c'est que j'ai toujours pensé que s'il y a dans le domaine du cinéma un seul et unique Johann Sebastian Bach (selon moi, l'absolument parfait Stanley Kubrick, qui a presque créé de lui-même tous les "nouveaux" styles du monde, avec un symbolisme puissant et une maniaquerie hallucinante), il existe désormais aussi un Ludwig Van Beethoven, un compositeur lié à la révolution de 1789 pour axer toutes ses oeuvres sans exception sur le combat passionnel entre les instincts du bien et du mal, les angoisses entre la haine et l'amour, la volonté de rendre supérieur l'esprit à l'inconscient... Et bien sûr (je pense que vous serez d'accord avec moi), ceci représente la base de 90% des films de Eastwood, vous ne trouvez pas ?

Toujours est-il qu'arrivé vers le milieu du film, Clint Eastwood, après avoir sauvé par hasard la petit Sue, commence a penser qu'en fin de compte, sa voisine serait plutôt sympa et rigolote (en tout cas, plus que ses propres fils & petits-enfants) :

Voire même très gentille, pour l'inviter comme par hasard à un grand repas chinois :

Que contre toute attente, il va finir par adorer comme un fou :

Sans même compter que la sérieuse critique qu'il commence à balancer à Thao, malgré sa faible gentillesse, commence à révéler (exactement comme dans Million Dollar Baby, dont je trouve ce film extrêmement proche) que c'est tout juste si l'instinct paternel n'était pas en train de se réveiller en lui, lol !

Phénomène qui va encore davantage se révéler lorsque la mère de Thao (Vu) et sa sœur Sue vont contraindre le gamin, pour se faire pardonner de sa tentative de vol de la fameuse Gran Torino, d'offir gratuitement une semaine de travail à leur "généreux" voisin Mr Kowalski :

Alors certes, tout au début, on peut se dire que Clint Eastwood va le faire bien chier avec du gros boulot :

Mais quelques jours de plus, et tout juste s'il ne devient pas "son gamin adoré", contrairement à ses deux "vrais" enfants, qu'il méprise de plus en plus :

Peut-être que pour ceci, il lui faudra tout de même pas mal bosser, notamment sur le fameux titre du film, Gran Torino (en réalité, une célèbre voiture de chez Ford entre 1968 et 1976) :

Mais en guise de grosse contrepartie, Clint Eastwood n'hésitera pas une seule seconde à le recommander à l'un de ses amis dans le bâtiment :

Bon, je m'arrête, là, car j'en ai déjà trop dit - bien que ce ne soit pas encore vraiment un "spoiler", du moins je crois... Vu que si l'on avance davantage, ceci ne se terminera absolument pas comme la très optimiste Neuvième Symphonie de Beethoven, mais plutôt comme la tragique quatrième de Brahms, ou la terrifiante sixième de Mahler :

Sinon l'ultime plan (devinez ce que conduit le petit Thao, avec la jeune chienne Daisy de Clint Eastwood ?) :

Plan qui, personnellement, m'a semblé extrêmement proche du tout dernier plan de Terminator (le premier, bien sûr, celui de James Cameron), de nouveau chargé de plein d'espoir envers la vie...

Tout ce que j'espère, c'est que :

1) Vous avez adoré ce film...

2) Vous allez sûrement l'adorer, si vous ne l'avez (bêtement) pas encore vu...

3) Et que vous allez peut-être aussi bien apprécier le fait qu'enfin (ENFIN !), je revienne après plusieurs mois d'absence sur mon Blog de Cinéma, dont je réalise désormais les articles en plusieurs jours, ce qui est beaucoup moins crevant que ma très mauvaise habitude des années précédentes, quoi...

En résumé : n'oubliez jamais de consulter en premier lieu l'index (quelque chose comme 54 films, au total) !

CHASSEUR BLANC, COEUR NOIR... (EASTWOOD)

2009-04-16T20:08:00.022Z

La grande classe !

Film absolument superbe, coincé entre Bird (1988) et La Relève (1990), et tout comme Bird, l'une de ses seules biographies, et non des moindres, puisque consacrée à ce "fou furieux" de John Huston (1906-1987), le réalisateur d'au moins trois films absolument mythiques, Le Faucon Maltais, Les Désaxés (l'ultime film de Marylin), et African Queen (1951), tournage épique et complètement délirant dont il est justement question dans ce film d'Eastwood.

Sans même parler du fait que le "lion" John Huston est né un 6 août (dire qu'il y a encore des gens qui ne croient pas à l'astrologie, la "vraie", veux-je dire), il appartient de ce fait, sans la moindre hésitation possible, de pair avec Howard Hughes (son aîné de 20 ans) à la lignée de ce que l'on a pu appeler les "derniers grands nababs", tel David Lean se faisant livrer en plein désert sa Rolls plaquée or sur le tournage de Lawrence d'Arabie (lol) !

Des gens quelque part comparables au "prototype" Hemingway, des gens toujours prêts à tout sans la moindre hésitation :

Des gens perpétuellement "fauchés", mais toujours entourés d'amis suffisament riches et admiratifs pour les dépanner gentiment (admirez la maison, tout de même !) :

Et surtout des gens avec suffisament de c******s pour, malgré ces "petits" problèmes financiers (300000 $ de dettes en 1951, cela doit bien avoisiner les dix millions d'Euros, de nos jours, non ?), pour envoyer bouler le producteur qui l'engueule au sujet de sa fin prévue - car souvenez-vous, tout le monde meurt, à la fin de African Queen :

Avec bien sûr le meilleur argument du monde, mais qui à l'époque n'était pas aussi facilement admis que de nos jours, et où le "Happy End" était quasiment obligatoire :

Adoncques, peu importe : "Tout le monde dans le car !", comme on dit... Avec au passage quelques vues sur les sublimes chutes du Zambèze :

Juste avant d'arriver à cet aéroport, autrefois capitale de l'Ouganda (lieu marqué depuis par tellement d'événements tragiques, que je préfère ne pas entrer dans plus de détails, sinon pour vous conseiller au passage cet autre excellent film sur le terrible régime d'Idi Amin Dada, Le Dernier Roi d'Écosse) :

Bien évidemment, comme tous les films qui se déroulent en pleine nature, il est difficile de passer outre la beauté des images (de même que dans La Sanction, du même auteur) :

Sans oublier au passage la fascinante Marisa Berenson (ici, Katharine Hepburn), mais oui, souvenez-vous : l'héroïne du seul film au monde tourné sans le moindre apport de lumière artificielle, le sublime Barry Lyndon de Stanley Kubrick, où elle jouait le rôle de la comtesse éponyme :

Quelque part, certes, ce film est une fable... Mais une fable bien réelle, où Clint en profite pour mettre les points sur les "I" au sujet de ses propres convictions en matière de cinéma :

Et une fable où, de façon indéniable, on le sent aussi en totale admiration devant ce personnage qui criblé de dettes, discrédité par son scénariste et son producteur, se paye en outre le luxe d'envoyer chier tout le monde pour s'offrir (sur le compte des autres, bien sûr !) la seule chose qui l'intéresse vraiment, son safari :

Incroyable, n'est-ce pas (surtout à notre époque, où la production d'Hollywood accuse une chute de 57%, sans rire) ?

Deux grandes scènes, tout de même, où Clint règle ses comptes avec le racisme... La première, lors d'un dîner avec une jeune femme en apparence très raffinée, qui lui sort néanmoins des énormités de ce style :

Avec cette jolie réponse (et ce "joli" dessin) :

Juste avant de se "friter" avec le patron de l'hôtel, tellement ulcéré par son attitude vis-à-vis d'un serveur noir - "nègre", comme on le disait en 1951 :

Certes, guère à son avantage, on va dire :

Mais bon. Peu importe, il n'en a rien à foutre... C'est CE genre de personnage, quoi ! Quand il se décide enfin à se rendre un minimum sur les lieux de son tournage à l'aide d'un zinc complètement pourri, la seule chose qu'il trouve à dire à son scénariste mort de peur, c'est celle-ci :

Car bien sûr, tous les producteurs, financiers, etc... ne sont préoccupés que par une seule chose : "Il vaudrait mieux couper la scène des "rapides", tout le monde pense que le bateau ne tiendra pas le coup" ! Et John Houston de répliquer (tout ceci est authentique) : "Bon, et bien il n'y a qu'une seule façon de le savoir, n'est-ce pas ?" :

Arghh, le fou total ! N'empêche que ça a marché (à noter que le bateau utilisé dans le film d'Eastwood est la copie absolument parfaite de l'original) :

Et voilà : Huston vient de tourner l'une des scènes cruciales de son film, et du coup, sans le moindre scrupule, il repart vers la seule chose qui semble l'intéresser, son safari, avec son fameux guide "Kivu" :

Peut-être ne s'attendait-il pas à ce genre de chose, aussi grandiose (qui le saura jamais ?) :

Quoi qu'il en soit, son scénariste est complètement subjugué par l'événement :

Ayant subitement la conviction que "Nous autres humains, ne sommes que..." :

Oui ?

Ou non ?

No Spoiler (j'essaye d'éviter, désormais)...

Mais toujours est-il qu'après tous ces déboires, toutes ces folies, toutes ces tergiversations, l'ultime plan (génial) du film, est celui-ci :

Abandonner les éléphants, se mettre pour une fois à son "vrai" boulot, et se faire un "cut" absolu là-dessus, c'est la grande classe, en résumé...

Bon, c'est du Eastwood, quoi...

P.S : Je crois très franchement que le personnage du chasseur dans Jurassik Park II de Spielberg, qui veut à tout prix tuer le plus grand prédateur du monde (le T-REX), et finit par y renoncer, est très exactement calqué sur ce film de Eastwood... Mais bien sûr, comme tout le monde, je peux me tromper !

MINUIT (EASTWOOD)...

2009-04-04T20:08:00.020Z

...Dans le Jardin du Bien et du Mal (1997) :

Certes, il ne s'agit pas là du film le plus réputé de Clint Eastwood (puisque sans les recettes de l'étranger, il n'aurait même pas rapporté aux USA ce qu'il a coûté), mais néanmoins d'un film magistral, bien loin des effets spéciaux de Firefox ou du futur Space Cow-Boys, tout entier centré sur le soin et l'attention portés à la psychologie des personnages, à commencer par Jim Williams (sublime Kevin Spacey, comme à l'accoutumée), improbable dandy richissime d'une petite ville de la Nouvelle Orléans, au parler très châtié - pour tout dire, même moi qui suis une vraie quiche en anglais, je m'en aperçois ("Let's take a walk, shall we, Sport ?") :

Interviewé à l'occasion de sa grande et très convoitée fête de Noël par le timide journaliste John Kelso (John Cusack), lui aussi grand amateur d'Art, ce qui donne lieu à cette première conversation passionnante au sujet d'un "repeint" (toile de maître recouverte par une autre) - passionnante parce qu'elle est à elle toute seule une mise en abîme du film entier :

Qu'y a-t-il sous les apparences ?

Et au fond, qui s'en soucie vraiment ?

Surtout dans une petite ville comme Savannah (à noter que le film est basé sur un fait divers authentique) :

Une ville de "doux dingues", au demeurant, où tout le monde porte une arme par simple routine :

Une ville où certaines personnes promènent, pour honorer une promesse, des chiens qui n'existent pas :

Une ville où d'autres se baladent partout avec quelques mouches en permanence attachées à leur cou (Geoffrey Lewis, l'un des acteurs fétiches de Clint Eastwood, père au passage de la très déjantée Juliette du même nom, héroïne entre autres de Strange Days et de Tueurs Nés) :

Mais surtout une ville où la principale attraction de l'hiver est de savoir qui va faire partie - ou non - des heureux élus invités à la prestigieuse soirée de Jim Williams (et si d'ailleurs, vous voulez vous cotiser pour m'offrir un petit orgue de ce genre encastré dans le mur, il vous suffira de réunir environ 600000 €, guère plus !) :

Jusqu'à ce que, comme dit dans la Bible, "le voile se déchire, et les tombeaux s'entrouvrent..." (en l'occurence, celui de Jude Law, retrouvé mort lors de ladite soirée, abattu en "légitime défense" par le maître des lieux) :

Morale très provisoire de l'histoire, valable en toutes circonstances, mais bien sûr particulièrement dans les petites villes :

Peut-être est-ce cette première partie du film qui a foncièrement déplu aux américains eux-mêmes, tant elle oscille entre des registres très différents tout en montrant crûment des choses que personnes n'a vraiment envie de voir, qu'il s'agisse du travesti Lady Chablis (qui joue ici avec brio son propre rôle, souvent très drôle) :

Ou encore de la grande prêtresse vaudoue Minerva, qui réussit même à emmener toute cette première partie au limites du fantastique, mélange des genres certes très déroutant, mais particulièrement réussi par Eastwood, à mon sens :

La seconde partie, beaucoup plus conventionnelle - puisqu'elle rejoint le style en revanche si prisé aux USA des "films de procès" - n'en reste pas moins passionnante, au sens où elle va prendre un malin plaisir à décortiquer, avec une précision d'entomologiste, tous les petits travers du moindre habitant de Savannah, du commissaire au médecin légiste en passant par les petits amis potentiels de Jude Law. Mais là encore, grâce à son sens inné de la respiration et du montage, Eastwood va éviter le principal écueil du genre (lasser le spectateur à force de témoignages, et de huit clos) en nous gratifiant de certaines scènes parmi les plus drôles du film, notamment celle où Lady Chablis va s'en donner à coeur joie en semant une pagaille monstrueuse au sein du très huppé "cotillon black" de la ville :

L'un des grands moments du film, où l'on s'aperçoit en outre que le fait d'avoir une vie sexuelle différente de la majorité n'est aucunement un gage d'immoralité, bien au contraire :

Thèse qui va au final se trouver appuyée avec force par l'avocat de Jim Williams (Jack Thomson), prenant au passage la défense de tout ceux montrés du doigt par les soi-disants "bien-pensants" :

Croire néanmoins Clint Eastwood suffisament simpliste pour s'en tenir là serait pourtant bien mal le connaître ! Car en réalité, sans même faire un "Spoiler" pour autant, tout le film n'est en réalité qu'une gigantesque parabole sur l'Art et la "Vérité", du moins sur ce que chacun veut - ou ne veut pas - en connaître :

Et en ce sens, il offre du même coup une certaine parenté avec le tout précédent Les Pleins Pouvoirs (1997), ainsi qu'avec le nettement plus ancien La Sanction (1975), mais bien sûr, avec infiniment plus de maîtrise, même si le traitement paradoxal a pu, de prime abord, en décontenancer plus d'un !

N'hésitez pas à découvrir à l'occasion ce film, l'un des plus injustement méconnus du maître... Vous ne le regretterez pas !

BAD LIEUTENANT (FERRARA)

2009-04-01T20:08:00.003Z

La classe absolue !

En tout cas, son plus grand chef-d'œuvre, à mes yeux, (enfin, disons, à ce qu'il en reste, après avoir retravaillé et publié 40 photos de ce film sur ce site...), postérieur de trois ans au non moins génial THE KING OF NEW YORK (1990), que je vous recommande également très vivement !

Deux films "magiques" (sinon trois, car bien sûr, THE BLACKOUT se rattache aussi à la même lignée) sur le thème très rarement traité au cinéma, et en général, d'ailleurs, de la rédemption...

Attention : à partir d'un certain moment, cet article va devenir un gros SPOILER (mais je vous préviendrai, rassurez-vous) !

Bref ! Tout commence par la vie de "Monsieur NORMAL", confronté comme tout le monde aux problèmes domestiques habituels :

Sauf que "Monsieur NORMAL", au demeurant flic plutôt véreux (par désœuvrement, on le suppose), s'avère avoir plusieurs passions assez coûteuses, à commencer par le jeu et les paris (grand match entre les Mets et les Dodgers, qui contribue à donner au film une grande partie de son rythme) :

L'alcool (et pas à petites doses !) :

Le sexe (scène tragique et "christique" à voir dans son intégralité, tellement symbolique que cette photo a longtemps servi d'affiche au film) !

Et bien sûr, non des moindres, le "Crack" (ou l'héro, ou la coke, bref, tout ce qui peut lui tomber sous la main, en résumé !) :

Pendant ce temps-là, à Vera Cruz (désolé, je n'ai pas pu m'empêcher de citer le fameux film de Les Nuls, qu'il faudrait tout de même que je commente un de ces jours)... Mille Pardons. Excusez-moi ! Pendant ce temps-là, donc, dans une église de Spanish Harlem, une pauvre religieuse se fait violer d'une façon particulièrement violente par deux petits jeunes :

Bien sûr sous l'œil d'une madone compatissante, comme dans presque tous les films de Ferrara, lol !

En tout cas, heureusement que je n'ai pas moi-même de progéniture, car je suis presque très certain qu'il pourrait m'arriver certains jours de vivre ce genre de situation, plutôt embarrassante :

Être réveillé dans un état comateux par ses propres enfants, que peut-on imaginer de pire ? Mais bon. Finalement, Harvey Keitel (mais oui, au fait, je ne l'ai même pas encore cité, alors qu'il s'agit probablement de l'un de ses plus grands rôles) finit par ouvrir les yeux, avant tout pour vérifier la côte de ses paris, priorité Number One :

Et secundo, pour faire son "vrai" travail de flic, notamment lors de cette scène particulièrement longue et traumatisante, si souvent citée à la fois par les amateurs et les détracteurs du film (et encore, je vous fais la version courte, là) :

Juste pour dire (histoire de comparer avec, par exemple, C'est arrivé près de chez vous), je connais pas mal de gens qui ont complètement décroché du film juste après cette scène, il est vrai assez éprouvante...

C'est clair que la branlette d'Harvey Keitel sur la bagnole face au deux jeunes filles, ça peut "légèrement" ébranler (sans jeu de mots), on va dire...

Mais bon. C'est du Abel Ferrara, quoi, on le sait, quand on glisse le DVD dans le lecteur, non ? Ou sinon, comme il le dit lui-même, dans son habituel langage "christique" :

Abel Ferrara : un réalisteur tout à fait atypique, parfois même un très gros glandeur je-m'en-foutiste capable de massacrer certains plans (voire même certains films, genre BODY SNATCHERS, où apparemment, ce sont ses assistants qui ont fait tout le boulot, tellement ça le gavait de tourner ce "remake"), et dans le même temps, capable tout autant de nous peaufiner de petits tableaux hollandais dignes du XVIIème siècle :

LA scène "cruciale" (disons même "crucifixiale") du film, à partir de laquelle tout bascule :

J'avais chargé toutes les photos successives, mais vu que je dois bien friser les 40, là (un record sur ce Blog, je crois !), je vais pour une fois me contenter du mode texte : "J'aurais dû changer la semence amère en sperme fertile, la haine en amour... Et peut-être même sauver leur âme". Et ce n'est pas (de très loin) le plus facile à comprendre, et surtout à accepter dans ce film :

L'essence même de la rédemption, en résumé, concept plutôt complexe, qui va être magnifié puissance dix vers la fin... Mais comme je vous l'avais annoncé au tout début de cet article, ne continuez surtout pas au-delà si vous n'avez pas encore vu le film, car il s'agit d'un gros SPOILER, à partir de maintenant !!!

Et pendant ce temps-là, et même de plus en plus, ayant entendu en secret la confession de la nonne, notre "fou furieux" continue sa descente aux enfers, en toute (apparente) impunité :

Car c'est précisément à partir de ce moment que ses neurones disjonctent complètement (de même que les miens la première fois que j'ai vu ce film, ainsi que ceux de Lunapei, avec qui je l'ai encore revu ce soir !), devant son incapacité à admettre l'inadmissible, ou même, disons mieux, à comprendre l'incompréhensible, à accepter l'inacceptable :

Comment ? Sinon insulter ce "fucking" Christ et son putain de "fucking" message d'amour de "fucking cocksucker" (pardonnez-moi, j'essaye juste de me caler sur le langage habituel de Ferrara, là) !

Mais quel acteur géant, pour ne pas dire géantissime - particulièrement dans cette scène, mais d'une façon générale dans tout le film ! Quand on songe (info récemment chopée au 20h) aux 26 millions d'Euros engrangés par Dany Boon... Bon (on est branché sur Ferrara, après tout, donc rien ne peut choquer personne, n'est-ce pas ?), il y a vraiment de quoi "se la prendre et se la mordre", en résumé !

Toujours est-il que notre héros (enfin non, je m'exprime mal, là, notre "anti-héros", plutôt), éclaté par toutes ses drogues, criblé de dettes en vertu de ses paris stupides, et surtout, totalement explosé par tout ce que son cerveau complètement déjanté commence à peine à admettre, à savoir le concept absolu du "pardon", même dans les pires cas "impardonnables", va tenter lui-même sa propre rédemption en partant à la recherche des deux jeunes violeurs :

Toujours (en attendant mieux, lol !) en partageant quelques pipes de "Crack", tout en restant scotché devant le fameux match des Mets contre les Dodgers :

Ce qu'on appelle vulgairement : "reculer pour mieux sauter" !

Et le plus incompréhensible dans l'histoire, tout du moins à la première vision de ce chef-d'oeuvre (attention, je vous avais prévenu que cela allait virer au SPOILER, adoncques, ne vous plaignez pas !), c'est la façon dont Harvey Keitel tente de sauver à sa manière ces deux "fucking cocksuckers", non seulement en les balançant de force dans le car pour Philadelphie, mais en outre en leur filant tout ce qui lui reste, 30000$ en liquide, mine de rien :

Je vous laisse deviner la fin, d'une rapidité, d'une violence, et en même temps d'une logique absolues :

Juste pour l'anecdote : il y a pratiquement la même scène dans THE KING OF NEW YORK, film que je vous ai déjà recommandé en tout début de Post, mais on ne sait jamais... Au cas où vous l'auriez oublié, lol !

Deux Opus majeurs à voir de toute urgence, en résumé !!!

D'autres informations sur ce film à lire ici, au gré d'un article très intéressant de Valérie Palacios, qui vous livrera en prime nombre d'anecdotes (plutôt éprouvantes) au sujet du tournage...

LA MORT AUX TROUSSES (HITCHCOCK)

2009-03-20T20:08:00.032Z

North by Northwest (1959)...

Bien sûr, loin de moi l'idée de vous livrer ici un résumé, un synopsis, ou encore une critique de ce film mythique, vu que tout le monde le connaît absolument par coeur, étant donné que toutes chaînes confondues, il doit passer régulièrement 3 ou 4 fois par an depuis des décennies...

Non. Je voulais plutôt en profiter pour illustrer cette phrase d'Alfred Hitchcock (Le Monde, 1955) : "Je ne veux pas que l'intrigue suive la technique. J'adapte la technique à l'intrigue. Un bel angle de prise de vues peut causer un effet qui satisfait le le chef-opérateur, ou même le metteur en scène. Mais la question est de savoir si, dramatiquement, ce plan est la meilleure façon de raconter l'histoire" (sentence que pas mal de réalisateurs actuels feraient bien de méditer, au demeurant)...

Peut-être est-ce dû à mon métier de musicien, mais de même que je n'aime pas trop aller au concert (je préfère les faire, lol !), je ne raffole pas non plus du cinéma, alors que la technologie du DVD me permet d'explorer sans relâche, à l'instar d'une Sonate ou d'une Symphonie, les oeuvres que j'apprécie vraiment. Et ce soir (DSL pour cette longue introduction, mais patience, les photos vont venir !), à la lumière de cette phrase du maître, j'ai remarqué dans North by Northwest nombre de petits "détails" qui ne m'avaient jamais vraiment frappé, et que je tenais à vous faire partager, à commencer par ce très énigmatique générique tout en lignes animées :

Qui finit par déboucher sur ceci, le bâtiment de l'UNESCO, le moment-clef du film (voir photo N°5), à partir duquel Cary Grant, jusqu'alors considéré au pire comme un simple alcoolique ou un affabulateur, va d'un seul coup se retrouver propulsé au rang de meurtrier recherché par toutes les polices :

Comme tout le monde le sait (du moins, je l'espère... que l'on ne m'accuse pas de faire un "Spoiler" sur une oeuvre datant de 50 ans !), ce film s'articule autour de trois thèmes majeurs : 1) l'innocence (et l'amour impossible) 2) la "raison d'état", contre laquelle même la police s'avère impuissante 3) le monde du secret et de l'espionnage. Autant de raisons d'admirer, à l'aide de deux seuls plans "muets", cette parfaite mise en abyme du film dans son ensemble, dès le tout début, Cary Grant embouti par la police, elle-même emboutie par une voiture non-identifiée, tandis qu'une voiture encore plus mystérieuse se dissout dans le noir le plus complet :

Brillantissime, n'est-ce pas ? De même que ce plan très audacieux, où l'on voit Cary Grant fuir l'UNESCO suite au meurtre dont il est supposé être l'auteur, et qui à mon sens est la plus parfaite illustration des propos d'Alfred Hitchcock cités au début de cet article, autrement dit un plan absolument sans la moindre gratuité, qui laisse par son seul cadrage deviner l'immense pression étatique face à un homme isolé (mais oui, Cary Grant est la minuscule tache noire en train de se ruer vers la station de taxis, cliquez pour agrandir !) :

Bon. Je pense qu'il est inutile de revenir sur la scène suivante, tellement connue et tellement mythique qu'elle a été maintes fois parodiée ou citée, notamment dans le fameux Arizona Dream d'Emir Kusturica (film que j'adore, mais ce n'est pas l'avis de tout le monde, en général !), ainsi que dans l'atroce final de Seven, de David Fincher :

Quelques gouttes d'angoisse distillées dans le silence le plus total, avec des cadrages à couper au couteau, la grande classe, quoi...

D'après ses propres dires, Hitchcock aurait ici essayé de prendre le contrepied absolu des scènes typiques d'attaques de gangsters, qui à l'époque se passaient toujours dans le noir, dans des usines désaffectées, avec une bande-son apocalyptique... D'où cette agression en plein désert, filmée en plein soleil, et sans la moindre musique :

Mais l'un de mes amis avait une autre théorie, tout aussi valable, je trouve, selon laquelle Hitchcock aurait eu cette idée de génie comme une véritable inspiration, ou une sorte de "révélation", disons, la fameuse explication "logique" ne venant en réalité qu'a posteriori :

Tel que je connais le monde de la musique, je dirais que les deux hypothèses sont possibles (et en plus, pas forcément contradictoires). Il y a certes d'un côté les artistes qui composent "comme ils pissent" (Mozart, Schubert, Schumann, entre autres), au point de ne parfois même plus se souvenir de ce qu'ils avaient écrit auparavant, et de l'autre, les "laborieux", qui sans cesse sur leur métier remettent leur ouvrage (Beethoven, Bruckner, etc.)... Et alors ? La seule chose importante, c'est ce qu'il veulent donner à entendre, ou à voir - en tant qu'oeuvre achevée - vis-à-vis du public, et il n'y a que ceci qui devrait nous intéresser !

Bref ! Revenons à nos moutons avec cet autre plan ultra-symbolique de la fameuse "raison d'état", l'innocent Cary Grant et le chef même des services secrets tous deux écrasés par encore plus forts qu'eux deux :

Ainsi que cet autre plan magique, où la forêt de pins semble véritablement une métaphore de tous les obstacles qui empêchent Cary Grant et Eva Marie Saint de s'aimer librement :

Encore plus fort, vers la fin du film, lorsque James Mason commence à comprendre la traîtrise de sa maîtresse Eva Marie Saint, un mouvement de caméra proprement hallucinant qui correspond exactement aux paroles (je ne sais pas comment il a pu faire ça, une sorte de grue circulaire, peut-être ?) :

Bien sûr, tout le monde connaît la sublime fin sur le Mont Rushmore par coeur ! Mais encore une fois, la façon dont sont cadrés les (tout petits) personnages face aux (très grands) présidents des États-Unis, est à elle seule une magnifique illustration de la théorie du maître citée en début de Blog, selon laquelle aucun plan ne doit être fait à la légère (théorie dont Cronenberg, inutile de le préciser, fera son "petit lait", lui chez qui le moindre plan est presque toujours "sur-signifié", et qui déteste les "inutiles" plans de transition) :

Bon. Juste pour la route, petit rappel des deux ellipses finales, tellement célèbres qu'elles doivent être enseignées dans toutes les écoles de cinéma du monde... La première, ou l'on passe sans transition de Cary Grant attrapant in extremis la main de Eva Marie Saint en grande difficulté sur le Mont Rushmore :

Pour d'un seul coup se retrouver sans transition propulsée dans la même cabine de wagon-lits qui avait vu leurs premiers ébats :

Et bien évidemment la seconde, où même les gens qui ne se prénomment pas Sigmund et ne s'appellent pas Freud verront tout de suite ce dont il s'agit, lol !

Ou alors, c'est qu'il y a de grosses lacunes dans leur éducation, XD !

P.S : Rien à voir, mais grace à Lunapei, je viens tout juste de rajouter un nouveau lien dans ma colonne de droite, The Yodablog... Si vous êtes un fan de la saga STAR WARS, n'hésitez pas à y faire un petit tour, vous n'allez pas le regretter, c'est excellent !

MULHOLLAND DRIVE (LYNCH)

2009-01-12T20:08:00.040Z

Enfin, enfin, enfin...

Depuis le temps que je vous promets que je vais m'y mettre, me voici enfin résolu à vous parler un tout petit peu de cet OVNI total, dans lequel je n'ai commencé à me repérer qu'à partir du quatrième ou cinquième visionnage, et auprès duquel Lost Highway pourrait presque passer pour le parangon d'un classicisme absolument échevelé, lol !

Alors bon. Loin de moi l'idée d'en livrer la moindre analyse, non seulement parce que Lynch, tout comme Kubrick, déteste ça par principe, mais surtout parce que quelqu'un l'a déjà fait bien avant moi, beaucoup mieux, et plan par plan, en plus (attention, site à ne pas consulter si vous n'aimez pas les Spoilers) !

Je vais donc plutôt me borner à relever certains aspects, certains "tics" de l'auteur (car tous les "grands" en ont, de Beethoven à Bacon en passant par Cronenberg), certaines images "chocs" telle que celle-ci, l'exemple type de ce que les amateurs nomment à juste titre la "magie" Lynch, autrement dit un simple plan sur un panneau nocturne qui chez n'importe qui d'autre serait totalement anodin, et qui de sa part (notamment grâce au mixage son, qu'il tient toujours à superviser) suffit à glacer le sang, tout autant que les fameux plans fugitifs sur les forêts de Twin Peaks :

Certes, de "mixer les sons" à "brouiller les pistes", il n'y avait qu'un pas, que Lynch s'est bien sûr allégrement empressé de franchir dans la jaquette du DVD, où je serais prêt à parier que les trois quarts des soi-disants "pistes" qu'il est censé nous offrir, sont en réalité des leurres :

Sinon, peut-être, les deux premières, où de fait, avant même le générique début, ce jeu d'ombres et lumières de part et d'autre de l'écran, ainsi que la vision complètement fantasmatique de l'héroïne principale au travers de ses parents / oncles / tantes (?), laisse déjà augurer du thème central des trois derniers films du maître, la schizophrénie :

Alors certes, je pourrais tenter de vous résumer la toile globale du film (tâche quasi impossible, sauf pour le courageux auteur du site que j'ai mentionné plus haut), en commençant par le monstrueux accident fondateur - qui à lui tout seul est déjà une sorte de mise en abîme de la collusion de personnalités que suppose la schizophrénie :

Mais comme tout ceci a déjà été fait bien avant et bien mieux que moi, je préfère me concentrer sur certaines scènes parallèles, telles que celle-ci :

Un exemple parmi d'autres du talent de Lynch en tant que directeur d'acteurs (et pourtant, il est réputé pour ne pas leur mettre la pression, justement) : deux simples petits rictus, et l'on sent déjà que tout le monde est mort de trouille (y compris le spectateur) !

À juste titre, du reste, outre l'importance symbolique du circuit flèché (que j'ai retrouvé très récemment dans l'ultime scène du sublime Collatéral de Michael Mann, avec les mêmes implications) :

Autre trait récurrent chez Lynch : ces personnages amorphes, infirmes ou sans visage, qui de leurs improbables appartements semblent tirer toutes les ficelles d'une façon parfaitement glaciale et énigmatique. On pense bien sûr d'emblée à Sailor et Lula, où cet aspect est très présent, mais peut-être encore plus aux fameuses "Blackroom" et "Redroom" de Twin Peaks :

Bien évidemment, l'une des histoires (et des problématiques) principales du film, c'est que de même qu'en politique, tout le monde ne vise bien sûr qu'une seule chose, mettre son cul au meilleur endroit possible du monde :

Avec toutes les compromissions que cela implique (à noter, pour la petite histoire, que l'acteur de gauche, Angelo Badalamenti - le musicien attitré de Lynch depuis les tous débuts - était paraît-il "excité comme une puce" à la simple idée de jouer un "vrai" rôle dans l'un de ses films, XD !) :

"This is the girl" !

Mais quelle clef faut-il posséder pour, justement, être "THE girl" ???

Là, je suis gentil avec vous (je trouve)... Car l'une de ces clefs, c'est justement : "Je ne sais pas qui je suis" (et pour cause)...

Petit interlude (de même que dans Twin Peaks ou Sailor et Lula) : Lynch sait tout de même nous détendre cinq minutes avec certaines scènes à pisser de rire, comme celle où le réalisateur surprend sa femme avec le nettoyeur de piscine, et ne trouve rien de mieux pour se venger qu'à barbouiller tous ses bijoux en rose, géantissime !!!

Mais bien sûr (on connaît le Monsieur, lol !), c'est reculer pour mieux sauter, avec cette scène nocturne dans le "Coral" à vous glacer les sangs, malgré les apparences :

NO WAY OUT : "This is THE girl" !

Et je ne suis pas le seul à le dire :

"This is THE girl" ! ... Ou bien "This was THE girl", ou "This will be THE girl" !... Allez savoir ?

Mine de rien, il s'agit de l'une des scènes clefs du film : lorsque la brune adopte la perruque de la blonde, dans une sorte d'acte mi-homosexuel mi-narcissique totalement fantasmatique, mais très lourd de sens... Et là, je dois bien avouer à ma grande honte que c'est le moment pile et précis où j'ai complètement "décroché" à la toute première vision du film, lancé bien malgré moi sur une optique somme toute très discursive et même - disons-le - partiellement Hollywoodienne, qui au bout d'une petite heure bifurque d'un seul coup sur un truc totalement "barré (il faut bien dire les choses comme elles sont) ! Ce n'était pourtant pas faute, de la part de Lynch, d'avoir mis les points sur les "I" à ce moment précis :

Et voilà... C'était l'une des clefs. Si maintenant vous n'avez pas encore vu le film, et désirez vous garder intact tout le mystère de la chose, arrêtez-vous tout de suite de me lire, car tout ce qui va suivre va être un gros Spoiler (conseil d'ami) !

Il n'y a pas d'histoire, et pourtant, on en comprend une...

Il n'y a pas d'auteur, et pourtant, il y en a un...

Il n'y a pas d'actrice, et pourtant, il y en a une...

Etc, etc... Notamment lors de cette séquence de champs/contrechamps particulièrement éprouvante, où grâce à la seule magie du cinéma, l'on se rend compte que cette pauvre fille totalement perdue, tant sa quête de gloire hollywoodienne est immense, ne fait finalement que se parler à elle-même, dans un désespoir absolument sans borne (sublime et très émouvante Naomi Watts) :

Sans même parler de cette scène encore plus hallucinante (attention, le contrôle parental n'est pas activé sur ce Blog, adoncques, prenez vos responsabilités) : celle où Naomi Watts se fantasme en train de faire l'amour avec son "double" :

Et qui s'avère en réalité être une scène de "branlette" particulièrement douloureuse et traumatisante (une fois de plus, à ne pas mettre devant tous les yeux !) :

Durant laquelle se révèlent d'un seul coup (et sans doute, pour Lynch, d'une façon assez cathartique) une bonne part part des énigmes du film :

- Qui est qui ?

- Qui est vivant, qui est mort ?

- Qui préfère le suicide à une vie de merde, et surtout à une vie sans gloire ?

"Très souvent, au cours de notre existence, nous voyons nos rêves déçus et nos désirs frustrés, mais il faut continuer à rêver, sinon notre âme meurt" (Paolo Coelho). Mais là, il faut bien admettre que c'est tout de même très mal barré pour cette pauvre petite, quoi...

Bref ! Un chef-d'oeuvre, certes, mais un chef-d'oeuvre très ardu, du moins à la première vision... Mais après tout, ce n'est pas un scoop, il en va exactement de même avec l'Ulysse de Joyce, les Diabelli de Beethoven, ou l'Art de la Fugue de Jean Sébastien Bach... Des créations "monstrueuses" qui défient presque toute intelligence "terrestre", et qui sont tellement vastes qu'elles peuvent largement suffire à nourrir notre esprit non seulement toute une vie, mais même une seconde ou une troisième (à supposer que nous en ayons une)...

Comme je pense l'avoir déjà dit en ces pages, s'il y a (un seul) avantage au vieillissement, je crois que c'est celui-ci, l'unique : pouvoir, à force de pratique et d'expérience, pouvoir pénétrer - je ne dirais pas "de plus en plus facilement", mais disons "de moins en moins difficilement" - des énigmes telles que celles-ci...

Et petit P.S pour la route : J'ai beau être persévérant, j'ai encore "du pain sur la planche", comme on le dit, car pour l'instant, je n'ai vu qu'une seule fois Inland Empire (le dernier de ce même David Lynch), et pour dire les choses franchement : je n'ai toujours ABSOLUMENT rien compris... Et quand je dis rien, c'est vraiment "rien de chez rien", quoi !

Mais bon. je ne l'ai vu qu'une seule fois (qui m'a découragé), mais il faut absolument que je réessaye, quoi (3h, tout de même)...

Je vous tiendrai au courant...

FUCK HOLLYWOOD !

2008-12-16T20:08:00.037Z

Ou encore : La Relève !

Pauvre cinéma français, en complète décrépitude depuis des années (sinon des décennies), après avoir pourtant connu une grande époque, celle des Melville, des Malle, des Truffaut, et même - incontournable - celle des Lautner ! Fort heureusement, la relève est là, comme je vous le disais au tout début de ce Post en guise de clin d'oeil au grand Clint, et vous seriez surpris de voir tout ce que les jeunes peuvent arriver à faire avec trois bouts de ficelle, du moment qu'il y a l'envie, la passion et la créativité (souvenons-nous de David Lynch passant plus de deux ans à dormir dans un hangar désaffecté pour réaliser Eraser Head) !

Deux exemples : tout d'abord, le court métrage de Vincent, 22 ans, originaire du Tarn, Webmaster du site La Lanterne, et co-auteur du court métrage Les Mémoires de l'Aube :

Il est en outre important de préciser que ce petit film, réalisé avec du matériel professionnel de l'ESEC, est revendiqué par ses auteurs (huit !) comme une oeuvre collective, chacun ayant participé au scénario et au découpage, de la scripte au preneur de son. En parlant de son, il est d'ailleurs à noter que la bande originale de Camille Galinier s'avère tout à fait intéressante, très variée, et s'accordant fort bien aux multiples atmosphères suggérées par ce court-métrage naviguant entre réalité et fantasme, un peu à la façon du fabuleux Harry dans tous ses États de Woody Allen (c'est du moins mon avis, et je le partage) !

Dans un genre complètement différent, mais tout aussi poétique, les nombreux courts de Zoun, 34 ans et habitant de Biarritz, qui lui fait ça par contre en total "amateur" (dans le vrai sens du terme, "celui qui aime"), avec une petite bande d'amis et un matériel bien moins haut de gamme, ce qui n'empêche pas de superbes réussites, telles que celle-ci, qui a ma préférence (mais il y en a bien d'autres sur le site en question), Sola :

Bien que non officiellement primé au festival Fifava, Zoun y a obtenu - ce qui est bien plus important - un accueil très favorable de la part du public, et surtout de la critique, comme vous pourrez le lire sur l'article Fifava, publié sur son autre site, Zoun, le Blog !

Je vois en tout ceci beaucoup d'énergie, de talent, et surtout (chose bien plus rare) de poésie : comme quoi, il n'y a aucune raison de désespérer de l'avenir !

Après la pluie, le beau temps, n'est-ce pas ?

P.S : Bien qu'il y ait d'une façon générale assez peu de commentaires sur ce Blog, pour une fois, mouillez la chemise, allez au charbon, et encouragez-les !!! Je suis sûr qu'ils apprécieront...

PLANET TERROR (RODRIGUEZ)

2008-11-18T20:08:00.025Z

Enfin, le voici !

Le second film "Grindhouse" (un concept américain où l'on faisait se succéder dans la même soirée deux films de série B, voire Z, entrecoupés de bandes annonces du même style), censé faire suite à Boulevard de la Mort de Quentin Tarantino, dont d'ailleurs je viens de replacer la critique juste à la suite, ce qui sera plus simple pour tout le monde...

D'une façon plutôt étonnante, le DVD s'ouvre sur le visage de l'acteur le plus connu du film (qui reprend ici - très brièvement - son rôle et son look de grand méchant dans Couvre-Feu de Edward Zwick), alors que son nom ne figure ni sur la jaquette du DVD, ni même au générique début - ce qui n'est pas sans évoquer les précédents fameux de Sean Connery dans Robin des Bois, ou de Christopher Walken dans Sleepy Hollow :

Ce qui n'est pas le moindre des traits d'humour de cet Opus, qui attaque d'emblée par une désopilante bande annonce pour un film qui n'existe pas, Machete, interprété par l'indescriptible Danny Trejo, que tous les fans de Heat reconnaîtront d'emblée :

Plus kitsch que ça, tu meurs ! À voir absolument en V.O, bien sûr :

Dernier clin d'oeil avant d'attaquer : le logo de la propre boîte du réalisateur (comme quoi tous les mexicains ne sont pas forcément des bigots superstitieux, lol !) :

Et voilà, le film peut enfin démarrer (d'une manière tout aussi chaude que celui de Tarantino, d'ailleurs, ce qui faisait également parti des codes du "Grindhouse") :

Et, très vite, d'une façon bien plus "gore" :

Pour tout vous dire, je ne considère pas du tout ce film comme un chef-d'oeuvre, loin de là, même (contrairement à beaucoup de gens, je préfère nettement celui de Tarentino)... Mais ce qui le sauve, c'est l'humour, sa volonté de parodier en "bigger than life" les archétypes les plus connus du genre, comme La Nuit des Morts-Vivants ou L'Invasion des Profanateurs de Sépulture, et de ce point de vue là, cela fonctionne parfaitement :

Pour tant est que l'on soit un peu familier des dits codes parodiés, faute de quoi, tout le sel de la chose disparaît bien sûr au profit d'un film pratiquement sans thème, sans histoire et sans scénario (à noter qu'il y a eu en musique des cas similaires, comme lorsque Stravinsky ou Prokovief s'amusaient à pervertir les auteurs baroques ou classiques !). En résumé : suite à la fuite d'un gaz neurotoxique, toute une partie de la population se retrouve peu à peu transformée en affreux zombis, qui bien sûr n'ont plus qu'une seule idée en tête, contaminer les rares rescapés :

Comme vous le voyez, il est difficile de faire plus simple (encore qu'il y ait aussi des chefs-d'oeuvre qui tiennent en deux lignes, comme Duel ou Alien).

Quelques références à Boulevard de la Mort au passage : tout d'abord, l'usage de certaines bécanes qui, elles aussi, sont "bigger than life" !

Mais surtout le recours à la même actrice Rose McGowan (Pam, dans le film de Tarentino), et qui incarne ici le rôle vedette de la tueuse à la jambe-mitraillette, tellement kitsch en lui-même que l'on se demande comment des gens ont bien pu prendre ce film au premier - voire même au second - degré, tellement c'est énorme :

Le "pitch" ayant été résumé en deux lignes, profitons-en pour dire quelques mots de certains des acteurs... Michael Parks, qui de façon assez amusante joue toujours sous le nom de Earl McGraw, qu'il s'agisse de Boulevard de la Mort ou des deux Kill Bill, où il incarne d'ailleurs le même rôle de shérif :

Michael Biehn, que l'on n'avait pas revu dans une grande production depuis bien longtemps, et qui, le pauvre, se retrouve encore une fois en train de sauver le monde, après ses rôles fétiches dans Terminator et Aliens :

Un autre acteur très célèbre, que vous aurez sans doute un peu de mal à reconnaître (je jurerais presque qu'il s'agit d'une citation de Dune, de David Lynch) :

Ouf, ça va mieux, là, lol !

Certes, il n'occupe qu'une toute petite place (quoiqu'importante) dans le film, mais au moins, on est bien content d'apprendre qu'il a descendu l'ennemi public N°1, et par hasard, en plus, MDR !

Et bien sûr, une fugitive apparition de Tarentino, sympathique Warren dans Boulevard de la Mort, ici juste crédité comme "violeur #1" :

Enfin bref, comme déjà dit, ce qui sauve vraiment le film, c'est son humour au troisième degré, comme par exemple l'apparition totalement incongrue de sous-titres en allemand de façon fugitive :

Cette mise en garde à pisser de rire du patron du BAR B Q, alors que les spectateurs ont déja croûlé sous douze tonnes d'hémoglobine :

Ainsi que lors de l'unique scène romantique du film, au moment précis où celle-ci commence à dégénérer en scène bien torride :

Et zut ! Bobine manquante, lol !

La course poursuite en mini-moto vaut aussi son pesant d'or (citation évidente de Vanishing Point), bien sûr :

De même que le moment où mourant, le patron du fameux bar B Q consent enfin à dévoiler à son frère la fameuse recette de sa sauce barbecue :

Bon. Je m'arrête là, sinon, on va encore m'accuser de faire un énorme Spoiler !

En tout cas, la fin, que j'avais trouvée d'un ridicule achevé la première fois (pour ceux qui connaissent, du niveau de celle de Battle Royale II, c'est pour dire !), m'a bien régalée lors d'une petite relecture :

Pour être tout à fait sincère, j'avais eu exactement le même problème avec Boulevard de la Mort, mais je crois que c'est uniquement lié au fait que quelque part, notre esprit et nos yeux, conditionnés par des milliers de productions "standards", ont tendance à avoir un seul type d'approche - très formatée - lors de la découverte d'un nouveau film.

Mais lorsque l'on a compris cela, et que l'on se prend à jouer, de connivence avec les auteurs, à l'exercice de style (je ne vais pas vous rappeler le livre éponyme de raymond Queneau, tout aussi déroutant de prime abord), et bien en résumé : c'est une vraie régalade !

P.S 1 : Malgré les faux "scratchs" et autre défauts simulés de pellicule (encore plus nombreux que dans le film de Tarentino), il est à noter que l'intégralité du film a été entièrement tournée en numérique, ce qui a apparemment laissé aux acteurs et au réalisateur une grande liberté d'expression - puisque non limités par le prix exorbitant du 35mm, comme bien sûr nous le savons (presque) tous, depuis que chacun possède désormais son petit appareil photo du même style !

P.S 2 : Le concept "Grindhouse" étant quasiment inconnu en Europe, les frères Weinstein - les producteurs attitrés de Rodriguez et de Tarentino - ont finalement décidés de s'adapter à nos usages pour sortir les deux films séparément, ce qui nous a hélas privés de quelques fausses bandes annonces savoureuses situées entre les deux films, ainsi que d'autres non moins sympathiques, publiées suite à un petit concours lancé sur Internet. Mais heureusement, je suis là... Et vous pourrez voir tous ces petits bonus ici-même !

Merci qui ?